La críptica crítica de un crítico cítrico

Listado de películas del Festival de SITGES 2009

2009-09-11T17:08:00.002+02:00

INAUGURACIÓ

[REC]2. Paco Plaza i Jaume Balagueró. 2009.

SECCIÓ OFICIAL FANTÀSTIC COMPETICIÓ - (Trailers)

ACCIDENT. Soi Cheang. 2009.
ACCIDENTS HAPPEN. Andrew Lancaster. 2009.
THE CHILDREN. Tom Shankland. 2008.
COLD SOULS. Sophie Bartes. 2009.
THE COUNTESS. Julie Delpy. 2009.
LES DERNIERS JOURS DU MONDE. Jean-Marie i Arnaud Larrieu. 2009.
DOGTOOTH (KYNODONTAS). Yorgos Lanthimos. 2009.
DORIAN GRAY. Oliver Parker. 2009.
ENTER THE VOID. Gaspar Noé. 2009.
GRACE. Paul Solet. 2009.
HEARTLESS. Philip Ridley. 2009.
HIERRO. Gabe Ibáñez. 2009.
LA HORDE. Yannick Dahan i Benjamin Rocher. 2009.
INGRID. Eduard Cortés. 2009.
KINATAY. Brillante Mendoza. 2009.
METROPIA. Tarik Saleh. 2009.
MOON. Duncan Jones. 2009.
MR. NOBODY. Jaco Van Dormael. 2009.
MUSASHI: THE DREAM OF THE LAST SAMURAI. Mizuno Nishikubo. 2009.
NE TE RETOURNE PAS. Marina de Van. 2009.
SPLICE. Vincenzo Natali. 2009.
THIRST. Park Chan-wook. 2009.
TIMER. Jac Schaeffer. 2009.
YATTERMAN. Takashi Miike. 2009.

SECCIÓ OFICIAL FANTÀSTIC PANORAMA

9. Shane Acker. EUA, 2009.
BAD LIEUTENANT: PORT OF CALL NEW ORLEANS. Werner Herzog. 2009.
CARGO. Ivan Engler i Ralph Etter. 2009.
CARRIERS. Àlex Pastor i David Pastor. 2009.
THE COLLECTOR. Marcus Dunstan. 2009.
CROWS 2. Takashi Miike. 2009.
DEAD SNOW. Tommy Wirkola. 2008.
LOFT. Erik Van Looy. 2008.
ORPHAN. Jaume Collet-Serra. 2009.
PANDORUM. Christian Alvart. 2009.
PANIQUE AU VILLAGE. Stéphane Aubier y Vincent Patar. 2009.
PARANORMAL ACTIVITY. Oren Peli. 2007.
THE SHADOW. Federico Zampaglione. 2009.
SOLOMON KANE. Michael J. Basset. 2009.
SORORITY ROW. Stewart Hendler. 2009.
SUMMER WARS. Mamoru Hosada. 2009.
GEORGE A. ROMERO’S SURVIVAL OF THE DEAD. George A. Romero. 2009.
VALHALLA RISING. Nicolas Winding. 2009.
ZOMBIELAND. Ruben Fleischer. 2009.

SECCIÓ OFICIAL FANTÀSTIC PANORAMA – BRITISH FOCUS

DOGHOUSE. Mike Loveday. 2009.
THE DESCENT: PART 2. John Harris. 2009.
THE ECLIPSE. Connor McPherson. 2009.
LESBIAN VAMPIRE KILLERS. Phil Claydon. 2008.
MALICE IN WONDERLAND. Simon Fellows. 2009.

SITGES ESPECIALS

CELDA 211. Daniel Monzón. 2009.
CLIVE BARKER'S BOOK OF BLOOD. John Harrison. 2009.
CLIVE BARKER'S DREAD. Anthony DiBlasi. 2009.
THE FROST. Ferran Audí. 2009.
THE HURT LOCKER. Kathryn Bigelow. 2008.
THE IMAGINARIUM OF DR. PARNASSUS. Terry Gilliam. 2009.
NADIE INQUIETÓ MÁS. Gustavo Leonel Mendoza. 2008.
NIGHTMARES IN RED, WHITE AND BLUE. THE EVOLUTION OF THE AMERICAN HORROR FILM. Andrew Monument. 2009.
TETSUO: THE BULLETMAN. Shinya Tsukamoto. 2009.

SITGES CLÀSSICS

ALIEN (ALIEN, EL 8. PASAJERO). Ridley Scott. 1979.
A CLOCKWORK ORANGE. Stanley Kubrick. 1971.
THE PIT AND THE PENDULUM (EL PÉNDULO DE LA MUERTE). Roger Corman. 1961.
ZOMBI 2 (NUEVA YORK BAJO EL TERROR DE LOS ZOMBIS). Lucio Fulci. 1979.

SITGES CLÀSSICS – HOMENATGE ALS 80

A NIGHTMARE IN ELM STREET (PESADILLA EN ELM STREET). Wes Craven. 1984.
GHOST BUSTERS (LOS CAZAFANTASMAS). Ivan Reitman. 1984.

SECCIÓ OFICIAL NOVES VISIONS

FICCIÓ

BRONSON. Nicolas Winding Refn. 2009.
DELIVER US FROM EVIL. Ole Bornedal. 2009.
THE FORBIDDEN DOOR. Joko Ankwar. 2009.
THE FOREST. Ashvin Kumar. 2009.
THE HOUSE OF THE DEVIL. Ti West. 2009.
INDEPENDENCIA. Raya Martin. 2009.
MORPHIA. Alexei Balabanov. 2008.
NYMPH. Pen-ek Ratanaruang. 2009.
PONTYPOOL. Bruce McDonald. 2008.
SYMBOL. Hitoshi Matsumoto. 2009.
VAN DIEMEN'S LAND. Jonathan auf der Heide. 2009.
VISAGE. Tsai Ming-liang. 2009.
WHITE LIGHTNIN’. Dominic Murphy. 2009.

NO FICCIÓ

BEST WORST MOVIE. Michael Paul Stephenson. 2009.
CROPSEY. Joshua Zeman i Barbara Brancaccio. 2008.
SON AND MOON (DIARIO DE UN ASTRONAUTA). Manuel Huerga. 2008.

DISCOVERY

1. Pater Sparrow. 2009.
AMER. Hélène Cattet i Bruno Forzani. 2009.
COLIN. Marc Price. 2008.

ORIENT EXPRESS-CASA ÀSIA

20th CENTURY BOYS - CHAPTER 2. Yukihiko Tsutsumi. 2009.
20th CENTURY BOYS - CHAPTER 3. Yukihiko Tsutsumi. 2009.
CHAW. Shin Jung-won. 2009.
GOEMON. Kazuaki Kiriya. 2009.
HAEUNDAE. Yun Je-gyun. 2009.
IP MAN. Wilson Yip Wai-shun. 2008.
MERANTAU. G. H. Evans. 2009.
VENGEANCE. Johnnie To. 2009.

ANIMA'T

EVANGELION 2.0. Masayuki i Kazuya Tsurumaki. 2009.
FIRST SQUAD. THE MOMENT OF TRUTH. Yoshiharu Ashino, Misha Shprits i Aljosha Klimov. 2009.
GENIUS PARTY BEYOND. Mahiro Maeda, Kazuto Nakazawa, Shinya Ohira, Tatsuyuki Tanaka i Koji Morimoto. 2008.
IN THE ATTIC: WHO HAS A BIRTHDAY TODAY? Jirí Barta. 2009.
KING OF THORN. Kazuyoshi Katayama. 2009.
LASCARS (ROUND DA WAY). Albert Pereira-Lázaro i Emmanuel Klotz. 2009.

ANIMA'T NENS

MY NEIGHBOR TOTORO. Hayao Miyazaki. 1988.
THE SECRET OF KELLS. Tomm Moore i Nora Twomey. 2009.
OBLIVION ISLAND: HARUKA AND THE MAGIC MIRROR. Shinsuke Sato. 2009.
YONA YONA PENGUIN. Rintaro. 2009.

MIDNIGHT X-TREME

BLACK DYNAMITE. Scott Sanders. 2008.
THE HILLS RUN RED. Dave Parker. 2009.
BREAK. Matthias Olof Eich. 2009.
HARD REVENGE MILLY.
HARD REVENGE MILLY BLOODY BATTLE. Takanori Tsujimoto. 2008/2009.
THE HORSEMAN. Steven Kastrissios. 2008.
THE HUMAN CENTIPEDE. Tom Six. 2009.
THE LOVED ONES. Sean Byrne. 2009.
MACABRE. The MO Brothers. 2009.
RECON 2023: THE GAUDA PRIME CONSPIRACY. Christian Viel. 2009.
THE REVENANT. Kerry Prior. 2009.
SAMURAI PRINCESS. Kengo Kaji. 2008.
SMASH CUT. Lee Gordon Demarbre. 2009.
VAMPIRE GIRL VS. FRANKENSTEIN GIRL. Naoyuki Tomomatsu i Yoshihiro Nishimura. 2009.
WASTING AWAY. Matthew Kohnen. 2007.
YAMAGATA SCREAM. Naoto Takenaka. 2009.
ZONE OF THE DEAD. Milan Konjevic. 2009.

MONDO MACABRO

MAHAKAAL (THE MONSTER). Tulsi i Shyam Ramsay. 1993.
VEERANA (THE WILDERNESS). Tulsi i Shyam Ramsay. 1988.

ELS ALTRES FANTÀSTICS: IMAGINARI I AUTORIA EN EL CINEMA CATALÀ I ESPANYOL CONTEMPORANI

BRUJA, MÁS QUE BRUJA. Fernando Fernán-Gómez. 1977.
CADA VER ES... Ángel García del Val. 1981.
EL ESPÍRITU DE LA COLMENA. Víctor Erice. 1973.
EL PERRO. Antonio Isasi Isasmendi. 1977.
EL SUEÑO DEL MONO LOCO. Fernando Trueba. 1989.
LA CASA SIN FRONTERAS. Pedro Olea. 1972.
LA MADRE MUERTA. Juanma Bajo Ulloa. 1993.
LAS CRUELES. Vicente Aranda. 1969.
VAMPYRES (LAS HIJAS DE DRÁCULA). José Ramón Larraz. 1974.
VIVA LA MUERTE! AUTOPSIE DU NOUVEAU CINÉMA FANTASTIQUE ESPAGNOL. Yves Montmayeur. 2009.

SEVEN CHANCES

UN LAC. Philippe Grandrieux. 2008.
MARY AND MAX. Adam Elliot. 2008.
NUCINGEN HAUS. Raoul Ruiz. 2008.
PALERMO SHOOTING. Wim Wenders. 2008.
LA TERRE DE LA FOLIE. Luc Moullet. 2009.
LES YEUX SANS VISAGE (LOS OJOS SIN ROSTRO). Georges Franju. 1959.
YOUTH WITHOUT YOUTH. Francis Ford Coppola. 2007.

CLOENDA

Per confirmar - Por confirmar - To be confirmed

Sitges 2009: Secció Oficial Fantàstic a competició

2009-09-06T17:54:00.021+02:00

1. Hierro

2. Ingrid

3. Enter the Void

4. Kinatay

Tráiler

5. Splice

6. Mr. Nobody

7. Accidents happen

8. Cold Souls

9. TiMER

10. La Horde

11. Les derniers jours du monde

12. The Children

13. Dorian Gray

14. Accident

15. Thirst

Trailer Red Band

16. Yatterman

17. Grace

18. Dogtooth (Kynodontas)

19. Moon

20. The Countess

21. Ne te retourne pas

22. Metropia

Terminator Salvation

2009-06-07T20:04:00.017+02:00

Es el año 2018. Skynet y su ejercito de Terminators dominan el mundo entero tras el día del Juicio Final. El poco resto de humanidad que sobrevive en los vastos desiertos y ciudades en ruinas ven solamente la muerte en su futuro. Pero aún queda esperanza. Una voz aún consigue darles la fuerza necesaria para luchar contra las máquinas, una voz que se escucha en todos los rincones del planeta y que mantiene unidos los corazones. John Connor sigue vivo y éste es el comienzo de su leyenda. Empieza la saga del Juicio Final, la guerra definitiva contra Skynet.

"MCG" (Joseph McGinty Nichol) nos presenta una muy aceptable y entretenida unión entre la saga protagonizada por nuestro querido Arnold Schwarzenegger y la nueva (¿trilogía?) versión protagonizada por un Christian Bale, cual últimamente protagoniza bastantes superproducciones.

La película mantiene bastante relación con las anteriores en argumento y protagonistas. Viejos conocidos aparecen en pantalla a su manera y el guión, aunque un poco plano y no demasiado emotivo como se esperaba, cumple con el objetivo de respetar sin alteraciones la cronología y hechos pasados de la saga y contarnos por fín la época de guerra entre hombres y máquinas que tantos fans ansiaban por ver.

Recordando las escenas de introducción de Terminator 2, en las que se veía un mundo oscuro lleno de fuego, destrucción y robots de distintos tamaños y formas, imaginabamos que dicha visión se trasladaría de manera mucho más espectacular en ésta "cuarta" entrega, ya que los si consiguieron recrear esa impresionante introducción en 1991, a saber como seria esa ambientación en el año que estamos. Pues en gran parte, MCG ha conseguido recrear muy bien la sensación de destrucción y soledad, ambientando la guerra contra los Terminators en un planeta totalmente desértico y lleno de ciudades en ruinas en las que sobreviven pocos supervivientes, vigilados por los Terminators. Los diseños de los robots también son de los más variados, algunos más basados en la forma clásica que conocemos desde el principio y algunas nuevas incorporaciones como las motocicletas o con forma de serpiente capaces de bucear por el agua. Al igual que también hay distintas versiones de los modelos, para mostrar las generaciones de robots desde el comienzo de la guerra antes del conocido modelo T-800, la de nuestro Arnold en las pasadas películas. Toda esa sensación de guerra y destrucción es representada con una fotografía quemada y árida en las escenas exteriores, mezclada con escenas oscuras y colores vivos como el fuego o el metal de los edificios en interiores. Una forma de rodar que también usó Cameron en Terminator 2, pero con mucha mejor habilidad y acierto, usando muy bien los colores para cada uno de los momentos. Como por ejemplo las escenas con el T-1000, fríos y con tonos azulados en el hospital durante el rescate de Sarah Connor o el rojo metalúrgico de las escenas finales.

La película en sí es muy entretenida y en general será para gusto de los fans y de los que simplemente quieran ver una película de acción. Especial mención a la espectacular escena del Terminator gigante, en el que se realiza un buen trabajo de sonido y producción. La criatura en sí recuerda en ocasiones a las vistas en "La Guerra de los Mundos". Y también se hace notar el gusto del director por las secuencias de acción sin cortes, con las que consigue mantener al espectador atento a la pantalla. Como opinión personal pero, me quedo con la persecución de coches con grúa incluida de Terminator 3, para mi mucho más bien rodada ya que da más sensación de destrucción más real al no usar tanta animación por ordenador. En ésta nueva película peca un poco de usar demasiados efectos digitales para secuencias que tal vez, rodadas a la vieja usanza, hubieran quedado mucho mejor. Luego también está el hecho, criticable o no, de que en ocasiones parece que los nuevos terminators son muy inteligentes para unas cosas y un tanto torpes para otras, cuando la saga te da a entender que usan una inteligencia artificial muy avanzada, como puede observarse en cierta escena con John Connor y una de las motocicletas. Pero obviando esa clase de detalles, acción y espectáculo no le faltan.

Christian Bale cumple con su cometido como futuro salvador bastante bien. Aunque puede que se cree un poco de confusión al haber existido ya varios tipos de actores haciendo el mismo papel (incluyendo al de la serie de "Las Crónicas de Sarah Connor"), pero si no somos rebuscados con el físico del protagonista, éste cumple bien como el personaje más importante de la historia. Un personaje valiente, con unas ideas y convicciones muy claras que, apoyadas por los recuerdos de su madre, está dispuesto a luchar bajo a cualquier precio para conseguir la victória sobre las maquinas. No podemos decir lo mismo de su compañera, Kate Brewster, bastante distinta a la neurótica interpretada por Claire Danes en la película anterior, en la que parece que solamente está ahí por mero hecho presencial, ya que no aporta casi nada al argumento. No podemos decir lo mismo del rejuvenecido Kyle Reese, interpretado por un joven Anton Yelchin o también conocido recientemente como el Teniente Chekov en la nueva versión de Star Trek estrenada hace poco, en la que se nos muestra como un joven lleno de valentía y con ganas de lucha, bien adaptado como el personaje que vimos en la primera película y con bastante parecido físico por cierto. Además, el director se guarda una muy grata sorpresa que seguro será del agrado de los fans entre el elenco de actores.

Terminator Salvation quizás sea la primera parte de una nueva trilogía que esperemos mejore con las dos siguientes entregas y así poder contarnos de la forma que se merece la saga, el origen de uno de los iconos más conocidos del cine contemporáneo. ¡Sayonara, Babies!

Lo Mejor: Las escenas de acción y el gran espectáculo pirotécnico que dura de principio a fín casi sin respiración. El diseño de los distintos terminators. Una inesperada sorpresa.

Lo Peor: Que el argumento no sea tan emocionante y digno como se esperaba, pero se mantiene muy fiel a lo contado hasta el momento. Algunas escenas son un tanto exageradas, otras no tienen mucho sentido o también abusan de los efectos digitales.

Ong Bak 2 (La Leyenda del Rey Elefante)

2009-05-31T20:22:00.013+02:00

Todos los aficionados al cine de artes marciales tenemos por lo menos tres grandes ídolos conocidos a nivel internacional: Bruce Lee, Jackie Chan y Jet Li. Cada uno, con sus estilos de lucha característicos, nos enseñaron que no se necesitan efectos especiales generados por ordenador para rodar grandes películas de acción. Bruce Lee nos dejó tras su muerte con grandes clásicos del género. Jackie Chan nos demostró que acción y humor pueden ser compatibles y Jet Li nos enseñó la cara más furiosa del kung Fu.

Pero a todos los artistas les llega su declive y el paso de los años les deja factura. Los grandes de antaño ya no són tan rápidos como entonces y sus luchas ya no nos dejan tan boquiabiertos. A cada película nueva, la necesidad de sangre nueva era más que necesaria. Fué entonces cuando allá por el 2003, se estrenó por sorpresa una película tailandesa llamada 'Ong Bak', protagonizada por un joven llamado Tony Jaa, que arrasó con el público con algo totalmente nuevo, fresco y sobretodo, brutal. El Kung Fu estaba muy visto. Ahora le llegaba el turno al "Muay Thai".
Tony Jaa se ganó rápidamente el caríño del público y su primera película fue el estrellazo a lo más alto. Nos mostró su veloz e impactante estilo de lucha, combates rozando la realidad y coreografías espectaculares. Nadie ha olvidado aún esos duros golpes con las rodillas y codos o el sonido del crujir de los huesos de sus enemigos gritando dolorosamente.

Repitió éxito un tiempo después con el estreno de 'Thai-Dragon', en el que combinó su estilo con otros como el de las espadas o el del Capoeira con un espectacular combate.

Ahora llegará a España su nueva super producción y primera película como director, en el que abandona el humor y los aires de ciudad de sus dos anteriores películas para hacernos viajar al pasado, más o menos al año 1400, para presentarnos una historia de valentía y superación en un mundo lleno de traición, pobreza y delincuencia.

Tony Jaa nos cuenta la historia de Tien, un niño que es capturado tras la muerte de su família por un grupo de piratas y delincuentes al que su líder, al ver la fuerza del joven, decide entrenarlo en las artes marciales y en el manejo de las armas para así convertirlo en un gran guerrero. Con el paso de los años, los recuerdos de Tien le hacen emprender la búsqueda al responsable de la muerte de su família y reclamar así la venganza que se merece.

Ante todo, aclarar que Ong Bak 2 no es la continuación de su primera parte y es más, no tiene relación alguna con la historia del muchacho que luchó hasta el final para recuperar una cabeza de buda. Supuestamente el título puede deberse a una campaña de marketing o de publicidad para atraer al público, algo que puede dar a confusión al público.

En ésta nueva historia se nos presenta a un Tony Jaa más maduro y serio con unos combates llenos de fuerza y originalidad, ya que ésta vez veremos al protagonista manejar multitud de armas distintas y varios estilos de lucha cuerpo a cuerpo que aumentan en espectacularidad a cada minuto hasta su final. Ya no se nos muestran los combates desde distintos angulos como en la anterior para mostrarnos su técnica y los diálogos son más bien escasos notándose que ya no le hace falta más presentación al actor, si no que ha decidido ir directo al grano y mostrar la lucha en su esplendor, haciendo que aunque ya no exista el factor sorpresa de la novedad que fué antes, sigue funcionando igual de bien. Ritmo vertiginoso usando momentos a cámara lenta (a veces un poco de manera abusiva) y un estilo de rodaje veloz usado a base de aceleración de fotogramas como por ejemplo en la batalla inicial de 'Salvar al Soldado Ryan'.

La ambientación de la tailandia de la época (la película fué rodada en Australia) es espectacular, recordando en ocasiones a escenas de 'Apocalypto' con sus variopintos personajes y lugares, llenos de pobreza y salvajismo bajo el manto de las tormentas tropicales, mostrándose en sus sanguinarios combates llenos de ira y sin compasión.

En general, una película de brutales peleas con un argumento lleno de tópicos y predecible en que su protagonismo, sin duda, recae en su máximo artista. Un joven que en el futuro, dará mucho de que hablar.

Lo Mejor: Óbviamente sus combates y un Tony Jaa con una puesta en escena más sombría.

Lo Peor: Que la película no se anima de verdad hasta pasada la hora de metraje y la música, que parece sacada de algún que otro videojuego.

X-Men Orígenes: Lobezno

2009-05-15T15:40:00.003+02:00

Un lobo sin garra

A los mutantes de la Marvel es, con casi total seguridad, a quienes les debemos el reciente auge de los superhéroes en el mundo del cine. Con la franquicia de Batman ya patéticamente agotada unos años atrás, X-Men (Bryan Singer, 2000) marcó el pistoletazo de salida para toda una serie de producciones superheroicas que se han mostrado como una garantía absoluta de recaudación y que, en líneas generales, han mantenido un nivel de calidad más que aceptable (salvo deshonrosas excepciones como Daredevil, Elektra o Catwoman). El éxito de esa primera entrega mutante ha propiciado que la franquicia se fuera extendiendo a un ritmo de nueva entrega cada tres años, si bien tras la tercera parte los productores decidieron reestructurar la franquicia e ir estrenando spin offs de los personajes más importantes. Y como no podía ser de otra manera, el mutante elegido para liderar esta nueva oleada ha sido Lobezno, uno de los personajes más interesantes de toda la Casa de las Ideas, y que ya gozara de un creciente protagonismo en cada una de las entregas anteriores de X-Men.

Si con algo partía este nuevo proyecto era con un enorme potencial para realizar una excelente película de acción, y es una verdadera lástima comprobar como gran parte de todo este potencial se ha perdido por el camino. X-Men Orígenes: Lobezno, es una buena película de acción; con escasos ratos muertos resulta entretenida, divertida, y espectacular por momentos, con un protagonista carismático ensalzado por la nuevamente convincente interpretación de Hugh Jackman y un buen plantel de personajes secundarios interesantes. A pesar de ello, decepciona. Decepciona porque todos esperábamos mucho más de Lobezno. Rápidamente nos hemos malacostumbrado a películas maduras de superhéroes, con los recientes estrenos de El Caballero Oscuro de Nolan y los Watchmen de Snyder, sin olvidarnos de las mismas dos primeras entregas de X-Men de Singer. Por supuesto, no es necesario (ni recomendable) el otorgar el enfoque denso de dichas películas a toda adaptación superheroica, puesto que en la mayoría de los casos no es el que precisan. Pero Lobezno… Lobezno sí se merecía mucho más que una simple película de acción. Nosotros, espectadores, merecíamos penetrar en la compleja y atormentada psique de ese mutante que ha pasado casi un siglo de combate en combate, convertido en una máquina de matar casi teledirigida. Merecíamos presenciar los estallidos de furia de una criatura rabiosa, en unos instantes en los que desaparece todo vestigio de su humanidad y se convierte, simplemente, en una bestia luchando por sobrevivir. Y nada de eso nos encontramos. El Lobezno que se nos planta delante apenas saca las garras, y cuando las saca, ni siquiera araña. ¿Y qué sentido tiene hacer una película de Lobezno, si éste no actúa como tal? Pues más bien poco. Para compensar tamaña deficiencia, nos encontramos con nuevos mutantes que hasta ahora no habían aparecido en cine y que al menos le otorgan cierto interés a la cinta. Es el caso de Gambito, que ya había muchas ganas de verle en la pantalla grande y que está perfectamente caracterizado e interpretado; Masacre, cuya participación en la trama se antoja harto escasa; y Dientes de Sable, que a pesar de alejarse de su homónimo en las viñetas constituye un perfecto alter ego para Logan. Estamos pues ante una película diseñada para entretener y contentar a los seguidores de los mutantes que se conformen con pasárselo bien frente a la pantalla, viendo a los mutantes en acción haciendo lo que mejor saben hacer, y esto, desde luego, lo cumple. Veremos si en futuras entregas, que seguro las habrá, cuentan con un guión más atractivo en el que se profundice mucho más y mejor en nuestro mutante favorito.

The Hunt for Gollum (Enlace)

2009-05-04T15:36:00.003+02:00

Ayer mismo se estrenó online The Hunt for Gollum, una película no oficial basada en la búsqueda de Gollum por parte de Aragorn, perteneciente a El Señor de los Anillos. Es un producto hecho por y para fans de la obra de Tolkien, pero con un excelente apartado visual, utilizando de base la adaptación de Peter Jackson. Clickando en el banner, accederéis a dicha película, a la que se le pueden incorporar subtítulos en castellano.

Déjame entrar (Låt den rätte komma in - Let the right one in)

2009-04-28T13:15:00.004+02:00

Criatura atractiva y repleta de un infinito potencial, el vampiro no ha llegado a alcanzar en el mundo del cine la calidad que sin duda merece. Más allá de unas pocas excepciones, cada vez que se estrena una nueva película de vampiros, ésta acaba suponiendo una nueva decepción. Por poner algunos ejemplos, ahí están las recientes 30 días de oscuridad y Crepúsculo, dos obras con una concepción del vampiro radicalmente opuesta pero que igualmente acaban naufragando en terreno estéril. En una época en la que los vampiros están de moda, más que en ningún otro momento, con el auge de la saga de Crepúsculo en las librerías y de un buen número de series en televisión, nos llega de la fría Suecia una nueva propuesta cinematográfica, avalada nada menos que con el Méliès d’Or a la Mejor Película Europea de Género Fantástico, fallado en la pasada edición 2008 del Festival de Sitges. Ya desde los primeros compases de la película queda bien patente que nos encontramos ante un producto 100% europeo, alejado de los efectismos gratuitos tan propios de la industria norteamericana, de ritmo sosegado y sostenido por imágenes casi estáticas más que por diálogos o acción. Una vez aceptado su lenguaje narrativo, nos perdemos ante la maravillosa y unilateralmente inocente relación que se establece entre Oskar, ese niño de 12 años falto de atención paterna y con problemas de acoso en el colegio, y Eli, la vampiresa encerrada eternamente en un cuerpo de niña. Aquellos que busquen una versión infantilizada de la edulcorada Crepúsculo no hace falta ni que se acerquen al cine. Déjame entrar es una película tremendamente dura, con una dureza potenciada precisamente por poner a un niño en el centro de la ya de por sí cruda historia. Un niño cuya soledad parece llevarlo, en un camino sin retorno, a la locura, cuya única liberación parece consistir en coger un cuchillo y apuñalar en sus fantasías a todos aquellos que abusan de él, evidenciando que muy probablemente pueda llegar el momento en el que la fantasía deje paso a la realidad. Hasta que en su camino se cruza esa otra criatura patológicamente solitaria y, casi como si de un milagro se tratara, las dos soledades confluyen neutralizándose y emergiendo así una relación de dependencia y admiración mutua.

Pero por lo que triunfa absolutamente la película es por la excelente combinación de esta historia íntima de sus protagonistas con el imaginario y los cánones del vampirismo. Por muy tierna que se muestre Eli con Oskar, ésta no deja de ser un vampiro, y ello queda patente en numerosas escenas que sin duda podemos ensalzar a lo más alto dentro del cine vampírico. Entre ellas destacan todas y cada una de las escenas de caza, en las que el vampiro pierde toda su humanidad y se muestra como un animal depredador, la desgarradora resolución de la relación de Eli con su ¿padre?, y, por encima de todo, el momento al que parece hacer referencia la traducción española del título, esa escena en la que se nos muestra qué pasa cuando un vampiro entra sin permiso en un hogar, y que supone una de las secuencias más conmovedoras y escalofriantes que se han visto en años en el género fantástico. Y ya que hemos sacado el tema del ¿padre? de Eli, esa parte de la historia es también de lo más intrigante y la que más puede dejar pensando al espectador y le lleve a interpretar el sentido de la relación de Eli con Oskar de una forma u otra, y aventurar el destino de ese tren al que acaban de subirse.

Ya era hora de que nos viniera una película así, una película que hace verdadera justicia al vampiro. Sí, vamos a dejarla entrar, para que una vez dentro se coloque a la vera del Drácula de Coppola y Entrevista con el Vampiro, en cuya poderosa compañía no habrá de sentir vergüenza.

Señales del Futuro

2009-04-16T16:45:00.003+02:00

Es reconfortante comprobar que un director de la talla de Alex Proyas, autor de dos de las mejores cintas de cine fantástico de los años noventa como son El Cuervo (1994) y Dark City (1998), sigue en buena forma después de tantos años. Tras una correcta adaptación de los relatos de Asimov en Yo, Robot, lamentablemente deslustrada por la irritante presencia de un insoportable Will Smith, el mayor handicap de esta su última película parecía recaer de nuevo en la elección de su protagonista, el irregular Nicolas Cage. Por fortuna, el sobrino de Coppola se mantiene comedido, alejado de sus recurrentes histrionismos, y permite que la película fluya de forma natural. Diez años después de Dark City, el director egipcio vuelve a regalarnos una historia inquietante, por momentos bordeando sutilmente los límites del terror, todo ello situado en una atmósfera por completo opresiva y oscura, en la que las sombras parecen ocultar los peores terrores humanos. La mezcla de géneros permitida por la temática argumental supone uno de los grandes aciertos de esta película, puesto que en todos ellos Proyas se muestra cómodo y poseedor de una enorme efectividad. Sin ser, aparentemente, una cinta de terror, no serán pocos los momentos en los que el espectador se sienta atemorizado, especialmente cuando entran en escena esos oscuros personajes, heraldos de la destrucción, que nos pueden recordar a los ocultos de Dark City, los hombres grises de Momo, e incluso los propios Nazgul de El Señor de los Anillos. Por otro lado, podría etiquetarse a Señales del Futuro como cine de catástrofes, y también en este aspecto la película supone un importante triunfo, aunque bien es cierto que la intensidad de las tres catástrofes va en descenso, en claro contraste con la magnitud del evento. Con una situación tan cinematográficamente jugosa como esa última catástrofe, que no desvelaremos aquí, uno esperaba un mayor despliegue visual, una mayor recreación, y lamentablemente todo se queda a medias tintas, con una serie de planos geniales e ilustrativos, sí, pero en cierta medida insuficientes. Sin embargo, donde Proyas muestra su endiablada maestría es en la secuencia del accidente de avión, rodada al completo en un soberbio y complicadísimo plano secuencia que comienza con la caída del avión, y que se prolonga varios minutos, sin el menor corte de plano, durante las tareas de rescate llevadas a cabo por Cage, mientras no deja de haber explosiones por entre los restos del avión, con gente corriendo en llamas por el campo desolado. Toda una lección de cine con mayúsculas. Entre catástrofe y catástrofe, y especialmente tras la segunda de ellas, la historia transcurre más lentamente de lo que seria deseable, notándose cierto estiramiento argumental innecesario. Sin embargo, en sus compases finales, la película retoma el buen pulso del comienzo y se nos brinda un final largo pero intenso y ciertamente emotivo. Una vez nos es revelada la última predicción, o profecía, asistimos a un último giro argumental en el que el director decide mantenerse únicamente como un narrador sin intención de interferir en la interpretación de los hechos por parte del espectador, lo cual algunos verán como una muestra de elegancia y otros como una falta de posicionamiento. En todo caso, a pesar de que una de las posibles interpretaciones parece bastante más obvia, ciertos detalles visuales no dejan de ser agarraderos para todos aquellos que prefieran buscarle otra explicación. En definitiva, Alex Proyas ha firmado una de las sorpresas de la temporada. Tras un argumento en apariencia ya exprimido en el cine se esconde un auténtico fresco apocalíptico, poblado por situaciones intensas e imágenes dantescas que nos recuerdan lo insignificantes que somos los seres humanos para un universo infinito en el que todo ya ha pasado, y volverá a pasar.

A ciegas (Blindness)

2009-04-02T19:40:00.010+02:00

Adaptación del popular libro de José Saramago, “Ensayo sobre la ceguera”, la última obra de Fernando Meirelles (Ciudad de Dios) nos trae la historia de una sociedad que paulatinamente ve como cada uno de sus miembros, sin solución, va quedándose ciego de una forma inhabitual, abrumados por una blancura absoluta. La historia se centra en la supervivencia de un grupo heterogéneo de personas comunes, con el único lazo de unión de haber sido las primeras en haberse quedado ciegas, por lo serán recluidas en una institución psiquiátrica abandonada, con la imperiosa necesidad de adaptarse a su nueva situación con la merma del sentido en el que más confía el ser humano, la vista. Ciertamente se trata de una premisa muy interesante para poder desarrollar la evolución y el devenir diario de los mismos, que el director maneja con un ritmo pausado, adecuándolo al interés del espectador pero que desemboca en un final precipitado y poco desarrollado.

Esta reflexión sobre la condición humana, profunda e impactante en su versión homónima, llega al espectador de manera tamizada, con menos fuerza pero con igual impacto. Es difícil que al acabar de ver esta película cada uno no se pregunte de que pasta está formado el ser humano, capaz de soportar los mayores desagravios, vejaciones y humillaciones, y al mismo tiempo ofrecer una solidaridad y empatía inacabable. Mucha de la culpa de esta sensación final hay que agradecérsela al plantel de actores, encabezados por una fantástica Julianne Moore, que le dota de verosimilitud a cada escena nos identifica con la situación de unas personas normales que de repente se tienen que adaptar a una nueva condición personal en un mundo que ha suprimido cada una de las reglas morales establecidas en pos de la supervivencia de cada uno de sus habitantes.

Es destacable el trabajo de adaptación de una obra tan difícil y personal, con algunos apartados más discutibles como el abuso de los blancos y el exceso de luminosidad, que llegan a resultar incluso molestos, y la demasiado recurrente voz en off, recurso sobre explotado en el cine americano que apuesta por desmenuzarnos y entregarnos cada mensaje en una bandeja de plata, en vez de permitirnos masticarlo personalmente y sacar todo su jugo. Fernando Meirelles nos brinda una obra cerrada y sólida, pero falta de fuerza y profundidad, que tanto puede impactarnos en lo más recóndito de nuestra conciencia como dejarnos indiferentes al respecto, al gusto de la predisposición del consumidor. Ojalá hubiéramos podido ver la primera versión de la película, rechazada por su dureza y efecto en los espectadores y descubrir si es cierto que cada vez más queremos mantener a nuestras conciencias vírgenes de la realidad, posible, e incluso probable.

En resumen, se trata de una obra firme pero no redonda, que seguramente guste a los que no hayan leído el libro original y decepcione un poco a los que sí. Si se puede hacer una recomendación, id a ver antes la película y a continuación leed el libro, como en cualquier adaptación literaria podríamos decir.

El desafío: Frost contra Nixon

2009-04-01T11:51:00.008+02:00

A mí Ron Howard, el director de El desafío: Frost contra Nixon, casi siempre me ha parecido un sosainas. Sus películas carecen de la fuerza necesaria como para que consiga implicarme en la historia que nos cuenta. Con excepciones bastante dignas, caso de Willow, Apolo 13, Una mente maravillosa, Cinderella Man, y la que ahora nos atañe. No espero mucho de su siguiente aportación al celuloide, la adaptación de la secuela de la sobrevaloradísima obra literaria de Dan Brown, El Código Da Vinci (una película insulsa y aburrida a más no poder), y que se titula Ángeles y Demonios.
El desafío: Frost contra Nixon, es sin embargo una película entretenida, más allá de lo que pueda esperarse, tanto por la autoría del film, como por el tema tratado, para quien no esté muy interesado en saber quién era el segundo presidente norteamericano más abucheado después de George Bush. Debo reconocer que esta fue una de esas ocasiones en las que agradecí meterme en la sala con la incómoda incertidumbre de cómo iba a sobrellevar las dos siguientes horas. Fue una grata sorpresa, tanto en contenido como en forma la película superó con creces mis expectativas, infundadas, todo hay que decirlo, ya que el film cuenta con la presencia del siempre excelente secundario Frank Langella, y el no menos excelente Kevin Bacon. Por otro lado la película, y su director han sido nominados tanto en los premios Globos de Oro, como en los Oscar 2008.
La película se basa en un texto teatral, Ron Howard adapta la obra de Peter Morgan, que gira en torno a unas entrevistas que el periodista David Frost le hizo al presidente Nixon. Por tanto nos hallamos ante un film en el que priman los diálogos frente a la acción. Las entrevistas tuvieron lugar tras el mandato del presidente Nixon, que dimitió a causa del escándalo Watergate, y en ellas el ex presidente confió para poder retomar la carrera política perdida, ganándose a los televidentes, seguro de ganar el duelo ante las cámaras porque no veía en el periodista David Frost un inquisidor al que temer. El actor Michael Sheen hace bien su trabajo interpretando a Frost, pero la sombra interpuesta de Langella/Nixon hace que todos nos sintamos identificados con la propia pequeñez de quienes participan en la contienda televisiva, tan magnética es la caracterización del actor (ni tan sólo los más acérrimos detractores del ex presidente, en la ficción, pueden evitar darle la mano cuando por vez primera se topan cara a cara con él) Destaca la presencia de Kevin Bacon, en el papel de Jack Brennan, admirador incondicional del ex presidente, que lo sigue a todos lados, y que sufre por las consecuencias que se puedan derivar de tan incómodas e imprevistas confesiones televisivas. El actor Langella consigue que veamos al Nixon hombre, con sus mentiras y sus ambiciones, sus debilidades, más allá de la mera caricatura que nos llega a través de los medios. En la película Nixon se pregunta cómo alguien como él, que no es capaz de caer bien a la gente, fue capaz de embarcarse en la farándula política, donde la vida social es tan imperante. La vida está llena de contradicciones, desde luego, es la ambigüedad de la que nos habla la película, aunque no en lo fundamental, cuidado, porque Nixon hizo lo que hizo y a los hechos hay que remitirse; en esa ambigüedad radica la excelencia de una película que nos habla también de los retos y la voluntad, capaces de superar los más estrechos prejuicios clasistas de una sociedad que te impone desde niño qué puedes o no puedes hacer. Nixon llegó a presidente, y Frost, un periodista que, como muchos hoy en día, se acerca más a la figura del showman televisivo que a la del periodista verdadero, fue capaz finalmente de tomarse en serio la profesión y dar el todo por el todo de manera rigurosa, e inesperada.
No pienso que Ron Howard vaya a regalarnos muchas más películas como esta última, su sobriedad, a veces insulsez, denotan una evidente carencia de autoría fílmica, siempre a la sombra de su mentor Steven Spielberg. Esta vez Ron Howard ha tenido la buena fortuna de contar con un excelente libreto, que cualquiera sabe cómo ha ido a parar a sus manos, y por supuesto, unas interpretaciones sobresalientes.

Gran Torino

2009-03-12T19:39:00.011+01:00

Clint Eastwood siempre ha tenido debilidad por los “personajes perdedores”, por aquellos olvidados a quienes no les importa un ápice triunfar, contraviniendo lo que nuestra sociedad pretende inculcarnos desde niños, y poder valer un duro. Sobre todo en la sociedad americana, que es despiadada con el asunto. No, los personajes que pueblan las historias de Eastwood pueden en todo caso moverse por la pasión, les lleve o no al reconocimiento general. El personaje de la nueva película de Eastwood pertenece a esta ralea de "perdedores", y es una vez más, inolvidable.

Eastwood es en mi opinión mejor director que actor, y como actor me resulta carismático, de presencia magnética y mítica. Durante un tiempo la dirección por la cual Eastwood condujo su carrera como actor y cineasta fue la de apostar por una violencia descreída, con atisbos de moralidad intachable, pero justiciera, y a veces fascistoide. Una senda algo peligrosa, limitada, aunque no siempre, y de la que debía salir de una vez, para poder matizar. Lo hizo magistralmente con Sin perdón, porque el director norteamericano tiene una sensibilidad más afinada aún que la puntería con que dispara a los villanos en cualquiera de los films del oeste o del justiciero Harry en que se ha visto involucrado, y también una sensibilidad ambigua. Matar a otra persona no es agradable, acabar con la vida de otro es un acto terrible, es algo tan elemental que debía quedar por fin constancia en alguno de sus films. Eastwood es el tipo duro por antonomasia en Hollywood, pero la sutileza de su razón y de su corazón van más allá de la simple contundencia de sus argumentos. Eastwood es un tipo duro, pero tiene corazón.

Gran Torino es una grandísima película, no es la obra maestra de Eastwood, no nos dejemos llevar por el entusiasmo, para mi la sublime Million Dollar Baby ocupa ese puesto, junto a Sin perdón. De nuevo el realizador de ceño fruncido hace alarde de sencillez, él nunca va a decantarse descaradamente por uno de sus personajes, no pretende manipular nuestras emociones de manera obvia, no hay un discurso o mensaje oculto en lo que nos cuenta. La historia nos conduce por derroteros inesperados, lo mismo que a Eastwood, que sólo intenta comprender por qué pasan esas cosas, y qué decisión tomarían sus creaciones ante las circunstancias que se les presentan. Las subtramas en los films de Eastwood aparecen y desaparecen sin un previo plan, pero concluyen todas, y finalmente dan sentido a un todo que palpita fuerza, humor, carisma, tristeza.

Parece ser que Eastwood ha colgado los guantes abandonando la actuación, que no la dirección. Ésta va a ser la última vez que podamos gozar del buen hacer de este emblemático tipo duro. La despedida le viene como anillo al dedo. El personaje que interpreta se llama Walt Kowalski, un veterano de la guerra de Corea, jubilado que siempre ha trabajado en la Ford. El anciano es de armas tomar, ceñudo, antipático, agrio, poco respetado por quienes le rodean, que recelan de su mal humor. Kowalski está anclado en el pasado, y los tiempos han cambiado, él deberá decidir si adaptarse o no. Los nuevos vecinos son inmigrantes, pero parece ser que más allá de los prejuicios que asolan al viejo gruñón hay un enorme corazón. Es el Eastwod que permitió con Sin perdón y sobre todo con Los puentes de Madison que entreviéramos los recovecos de su inflexible actitud para con los villanos, o no tan villanos, y poder atisbar la luz que ocultaba. Es Eastwood en estado puro, pero matizado, más sabio que antes, aunque igual de grande.

La búsqueda de una familia ha sido un tema recurrente en la obra de Eastwood, lo mismo que la fe, el perdón y la redención por los pecados cometidos, por una violencia de la que ya no se enorgullece, Gran Torino reúne todos sus grandes temas. El director no nos vomita un rollo moral o intelectual para comunicarnos lo que siente. La historia fluye en esta película construída a base de talento con sublime sencillez, consiguiendo que nuestras emociones estén a flor de piel ante unos personajes que verdaderamente nos importan. Reímos, nos indignamos, y lloramos cuando las cosas pasan en estas apenas dos horas de metraje, algo ya muy poco común hoy en día. Un sentimiento de melancolía me atrapa cuando pienso en que Eastwood pertenece a una generación que ya no tardará más de diez años en abandonar la gran pantalla, sino menos.

Watchmen

2009-03-11T16:23:00.003+01:00

El olimpo del fantástico tiene un nuevo inquilino, y se llama Zack Snyder. Después de su toque de atención con la reimaginación del Amanecer de los Muertos de Romero, y su fidedigna adaptación de la visión Milleriana de la batalla de las Termópilas en 300, Snyder se consagra ahora como uno de los autores más admirados, e incluso reverenciados, por parte de la nada despreciable legión de amantes del noveno arte en general, y de la obra magna de Alan Moore en particular. No nos engañemos, Snyder no es, ni de lejos, un director visionario. No ha llevado el cine a territorios inexplorados, ni ha revolucionado la forma de hacer películas. Es más que probable que su obra no sea nunca ni considerada a la hora de repasar la historia del cine. Pero este director tiene las ideas muy claras, unos principios bien fundamentados, un estilo que ya podemos calificar de propio, y unos cojones como dos balones medicinales. Después de asistir al visionado de ese auténtico paraíso visual y narrativo que es Watchmen, a uno le queda la misma sensación que tras 300, pero aún más hiperbolizada. La sensación de que nos encontramos ante una obra valiente, arriesgada, contestataria contra el régimen casi dictatorial que gobierna Hollywood. Una protesta contra todos esos directivos y productores, junto con sus hordas de directores y guionistas sumisos, capaces de prostituir su capacidad creativa con tal de alcanzar su guinda del pastel. Christopher Nolan ya lo hizo hace apenas unos meses con su Caballero Oscuro, dejando boquiabiertos a esa misma panda de directivos que debieron acabar reconociendo que un producto enfocado con seriedad y dirigido a un público específico podía ser tan rentable, e incluso mucho más, que todos esos blockbusters producidos en masa y sin el menor atisbo de creatividad. El Watchmen de Snyder no gozará, ni por asomo, de la excelente acogida de la obra cumbre de Nolan, pero el mero hecho de haberse llegado a realizar y estrenar en su (casi) absoluta plenitud ya supone una victoria histórica en la industria cinematográfica. Pírrica, probablemente, pero victoria al fin y al cabo.

Los logros del Watchmen cinematográfico comienzan desde la más temprana concepción del proyecto, con un Zack Snyder decidido a acometer una de las más fieles adaptaciones jamás realizadas, y un trabajo ejemplar de David Hayter y Alex Tse a la hora de trasladar la compleja e intricada historia narrada por Moore en más de 300 páginas a un libreto capaz de ser representado en pantalla. Tras ver la versión comercial de la cinta, uno no puede sino quitarse el sombrero ante tan encomiable labor, pues estos inexpertos guionistas han sabido captar a la perfección el eje central de la historia, e incluso el de los propios personajes en la mayoría de los casos, manteniéndose alejados de la absurda costumbre de añadir escenas nuevas más allá de las estrictamente necesarias para mantener la coherencia interna del nuevo producto. El mayor miedo que dominaba a los ya conocedores de esta historia era sin duda el que se maltratara a los personajes protagonistas, que se les suavizara para ganar el aprecio del espectador o que se sacrificara su desarrollo en pos de una historia con mayor ritmo. Aunque es cierto que no todos los personajes han sido tratados con el mismo mimo, podemos decir que, en general, todos han sido trasladados de forma más que correcta a la pantalla. De entre todos ellos, sobresale un Rorschach interpretado con absoluta maestría por el desconocido Jackie Earle Haley (en una interpretación comparada en ciertos círculos de público con el Jocker de Heath Ledger), que logra transmitir en todo momento esa contradictoria sensación de atracción/repulsión propia del personaje original. El Dr. Manhattan, respetada su integral desnudez, es protagonista de algunos de los momentos más brillantes de toda la obra, como su historia rememorada durante su exilio, mientras que los planos que comparte con Laurie, especialmente en Marte, son de una belleza estremecedora; el Comediante nos es presentado en su más pura conciencia americana, dejando al espectador la capacidad de juzgar por cuenta propia sus actos, mientras que Búho Nocturno sigue siendo el más cercano al héroe que todos tenemos (o teníamos hasta ahora) en mente. Por el contrario, Espectro de Seda, por falta de desarrollo, y especialmente Ozzymandias, en el que es el mayor error de cásting de todo el proyecto, y por la pérdida de importantes matices del personaje, haciéndolo mucho más sesgado, son los personajes que más han salido perdiendo en la adaptación cinematográfica.

Con un guión y unos personajes fieles a la fuente original, quedaba un escalón realmente difícil de subir: el montaje. ¿Cómo estructurar las mil y una historias que se deben contar para que quede un producto coherente y comprensible? ¿Es incluso posible? A tenor de lo visto, sí, es posible. Posible siempre y cuando se cuente con la disposición del espectador a entrelazar las diferentes piezas que se le van otorgando de forma aparentemente desordenada para armar el enorme rompecabezas que es Watchmen. Snyder opta, una vez más, por mantenerse fiel incluso al estilo narrativo de Moore, huyendo del montaje ordenado cronológicamente y aportando las ya mencionadas piezas del rompecabezas cada una en su debido momento, cuando la historia misma así lo solicita. Con una puesta en escena calcada a la presente en la novela gráfica, incluyendo escenografía y decorados, caracterización de los personajes, e incluso planificación por completo fundamentada en las viñetas (como ya se hizo primero en Sin City, y posteriormente en 300), la aportación artística más propia del director se deja ver casi únicamente en las escasas escenas de acción. Con un estilo incomprensiblemente denostado por gran parte de la crítica, Snyder rueda sus combates siempre a cierta distancia y nos la presenta luego en pantalla con continuas ralentizaciones que no nos hacen sino deleitarnos con las contundentes pero estilizadas coreografías, muy cercanas al cine de los hermanos Wachowski. La mano del director del Amanecer de los Muertos también se deja notar en la extrema violencia, totalmente explícita, presente en gran parte de la película, y que la alejan de nuevo del común de las superproducciones hollywoodienses.

En definitiva, nos encontramos ante un producto absolutamente ejemplar. Una obra que nos muestra que aún quedan en el mundo del cine equipos creativos con agallas, dispuestos a hacer lo que quieren y como quieren, sin la menor de las concisiones a la comercialidad. Una obra ciertamente no recomendable, pero sí recomendada, para todos los públicos. Todos deberían ver Watchmen. Los que un día cayeron hipnotizados por el oscuro magnetismo del cómic, permanecerán cerca de tres horas embelesados ante su obra maestra en movimiento. De los que se acerquen por primera vez a esta historia y estos personajes, una minoría quedará fascinada por esas seis visiones tan diferentes de cómo hacer del mundo un lugar mejor y buscando en ellas su propia respuesta, mientras que muchos otros no aceptarán lo que se les está intentando decir, puesto que no tienen el estómago ni el valor para aceptar la verdad: que los héroes no existen, ni nunca existieron.

El lector

2009-03-06T17:36:00.021+01:00

La novela escrita por Bernard Schlink se tituló Der Vorleser, que literalmente significa “el lector en voz alta”. La película que ha adaptado la obra escrita se ha titulado simplemente El lector, eliminando uno de los aspectos fundamentales, y sentimentales, que hacen de esta historia una entrañable pero al tiempo deprimente reflexión acerca de la ignorancia en tiempos donde la violencia está a la orden del día, literalmente. El director de Billy Elliot y Las horas, Stephen Daldry, vuelve a trabajar junto al guionista David Hare, adaptando nuevamente una novela con tintes traumáticos. La historia de un chico alemán en los años cincuenta, Michael Berg, interpretado por el actor David Kross, que se enamora de una joven treintañera que lo ayuda cuando éste enferma camino de su casa. Al ayudarlo despierta en el jovencito el erótico deseo que ella le provoca, cuando se siente seducido por la solitaria y atractiva mujer, Hanna Smith, una espléndida, creíble y sensual Kate Winslet. Surge entonces lo que podríamos entender como la primera de tres partes de que se compone el film. El apasionante y prohibido romance entre ambos es narrado con una comedida carga erótica, estética, y de intimistas y alegres connotaciones, que nos hacen pensar que realmente hay verdadero amor en la lujuriosa relación de ambos. Michael le lee libros a Hanna en voz alta en cada uno de sus secretos encuentros amatorios, y sin embargo ninguno de los dos se conoce. El entusiasmo de Michael ante su despertar sexual se irá atemperando frente al hermetismo de Hanna, que parece ocultar un gran secreto, porque la entrega no es mutua. En la segunda parte del film algunos de estos secretos saldrán a la luz, y desvelarán un pasado gris en la vida de Hanna. Michael deberá enfrentarse a la otra cara del poliedro que es Hanna, a la cara oculta de alguien a quien todavía ama, pero que definitivamente desconoce.
La película nos habla del holocausto judío, y de cómo la Alemania de la posguerra se enfrenta a la redención y al perdón por lo ocurrido durante la Segunda Guerra Mundial, juzgando a los culpables, a unos pocos, aquellos que no fueron capaces de enfrentarse al orden establecido, cometiendo las más desdeñables atrocidades, aún bajo las órdenes de aquellos que con mayor jerarquía ordenaban y organizaban el exterminio. El juicio celebrado en Berlín contra antiguos criminales de guerra consigue lavar la cara de muchos que toleraron la ignominiosa actitud de los militares y mandatarios que gobernaron al país. La película viene a apuntar que la aceptación de la injusticia no es precisamente una virtud, pero aún peor, la ignorancia no la justifica. Hanna Smith es analfabeta, por eso quiere que le lean en voz alta, y tampoco parece comprender más allá del puro y elemental cumplimiento de las órdenes recibidas, en las que fue incapaz de ver mal alguno. En la tercera parte de la película acudimos al cadencioso tic tac del reloj que se apaga cuando Michael adulto es incapaz ya de tener una relación plena con una mujer. En cierta manera parece vacío ante los sucesos del pasado. El actor Ralph Fiennes interpreta al Michael Berg adulto con sobriedad, y con lánguida y veraz mirada, algo perdida cuando recuerda el pasado, creando un personaje dolorosamente vacío. El último tramo es el tramo carcelario en donde se expían las culpas. Sin embargo ninguno de los dos, ni Michael ni Hanna son capaces de olvidar el pasado, pero sobre todo, al menos en el caso de Michael, el pasado en los “Campos de exterminio”.
El lector es una excelente y fascinante película que sin embargo parece quedarse corta en algunos momentos, sin embargo, la ignorancia personificada en Hanna parece prevalecer sobre cualquier otra consideración. No he leído la novela, pero intuyo que la necesidad del perdón por parte de un pueblo avergonzado por su pasado está más presente que en el film de Stephen Daldry.

La teta asustada

2009-03-05T19:30:00.015+01:00

Si al filmar una secuencia de cine el director/a decide mantener fija la cámara durante al menos quince segundos, o más si me apuras, está claro que está siendo pretendidamente lento, por no decir tedioso, en su poética reafirmación del plano, muy lírico si queréis entenderlo así. Es lo que sucede en contadas ocasiones con la galardonada película La teta asustada, que ha obtenido el Oso de oro en el Festival de cine de Berlín (Berlinale). Esta película peruana dirigida por Claudia Llosa, sobrina del escritor Mario Vargas Llosa, nos habla de su tierra natal, a través de la borrosa fábula de Fausta, la protagonista, interpretada por la actriz Magali Solier (Madeinusa), ésta padece un terror oscurantista con raigambre popular. Fausta está convencida de padecer una enfermedad que se contagia a través de la leche materna, la de aquellas mujeres que sufrieron abusos sexuales cuando estaban aún embarazadas, como le pasó a su madre. Ella se cree infectada y le tiene miedo al mundo que la rodea. La poca magia que transmiten las canciones cantadas en quechua atenúan un poco la tediosa narración de la directora, que parece haberse tomado muy en serio lo del minimalismo en una producción de factura tan tímida. Película cargada de realismo nada imparcial que llega a Europa no como fiel retrato de toda una más amplia realidad que rodea a ese mundo miserable que circunda la ciudad de Lima en los cerros, en las chabolitas donde niños y mayores se mueven al son de una sorprendente y a veces risible ingenuidad, cargada de ignorancia. Este es el mundo guachafo (cutre) en el que lo rural y la tradición deciden juntarse con lo contemporáneo, con la ciudad. Es agradable ver con qué inocente alegría se casan y se divierten los personajes que pueblan el pobrísimo espacio que rodea a la ciudad de Lima. Un espacio socialmente separado del nuestro, el capitalista. Entre las chabolas los niños juegan alegres en piscinas horadadas en la tierra, puros agujeros con agua enlodada.
La película no se deja adulterar con mecanismos comerciales, es llana y hermética, sobria, como Fausta, de mirada lánguida. Es una película incómoda en ocasiones, por desesperante, lenta como Fausta misma, que al son del “¡apúrate, apúrate!” parece moverse entre dos mundos, sin atreverse casi nunca a traspasar el suyo propio, el de la tradición, cuya metáfora sea tal vez la patata que lleva dentro de la vagina. Sí, así es, una patata, de la que parece no querer desprenderse, porque le tiene miedo a todo, no sólo al acoso masculino. La parquedad en el trazo narrativo de Claudia Llosa no consigue transmitirnos la carga emocional necesaria para poder comprender a Fausta, y por ello resulta insípida como película. Por ende a aquellos que nunca han estado en Perú les será más difícil entrever la magia que parece destilar por momentos, y que se mezcla con la realidad que envuelve a cada uno de los personajes que ríen, bailan, cantan, y callan en esta silenciosa historia que nos habla de la silenciosa Fausta, una muy digna Magali Solier .

En el Nombre del Rey

2009-03-04T11:30:00.002+01:00

¡Todo el mundo a cubierto! ¡Uwe Boll contraataca! Después de batirse en combates de boxeo con varios críticos de su obra y mientras espera que se alcance la cifra de 1.000.000 firmas para acabar con su carrera, el director alemán más odiado de la historia del cine sigue adelante con multitud de proyectos, rodando a un nada despreciable ritmo de 3 películas al año. Habitual adaptador de conocidas sagas de videojuegos a la gran pantalla, como es el caso de Alone in the Dark, House of the Dead o BloodRayne, Boll continúa en su línea y en este caso adapta el videojuego de rol Dungeon Siege, al menos con la decencia de apenas mencionarlo en el título de la película y librando así en cierta manera al pobre juego de la vergüenza que acompaña a toda obra de Uwe Boll.

Como todo lo que lleva hecho hasta el momento el teutón, En el Nombre del Rey es pura basura cinematográfica. Partiendo de un argumento típico de la más manida serie B fantástica (granjero huérfano que parte a buscar a su mujer secuestrada por los orcos de turno y que por el camino descubre su verdadero linaje) y un guión ridículo plagado de diálogos que parecen sacados más de una Epic Movie que de una obra pretendidamente seria, la cinta discurre por los senderos del más soberano aburrimiento. Aburrimiento remarcado adicionalmente por la sensación de plagio constante y descarado a la magnífica y revolucionaria trilogía del Anillo de Peter Jackson, que si ya en el momento de su estreno resultó evidente que acababa de sentar cátedra en el género fantástico, las obras que han llegado a partir de entonces así lo han constatado. Los travellings aéreos siguiendo al grupo de viajeros por las montañas, el diseño y vestuario de los krugs, calcados a los Uruk Hai jacksonianos, los cascos de los líderes drug, calcados al del Rey Brujo en El Retorno del Rey, y así un largo etcétera. De las interpretaciones, mejor ni hablar. Actores de la talla de Burt Reynolds, John Rhys-Davies y Ray Liotta firman las más patéticas interpretaciones de sus dilatadas carreras, incapaces de sacarle el más mínimo partido a unos personajes absolutamente irrisorios. De entre todo el elenco interpretativo únicamente se puede destacar al siempre efectivo Ron Perlman, al que se le otorga el papel más cómico de toda la película, y que al menos resulta efectivo a la hora de ganarse la simpatía del público y hacerle reír en toda una serie de gags que reafirman que el único partido que se le podría haber sacado a esta película era convirtiéndola intencionadamente en la comedia que inintencionadamente ya es.

Si siendo malo, eres el peor, al menos eso ya puede considerarse un triunfo. El pobre Uwe Boll es tan malo que nunca llega a ser el peor y queda siempre relegado a la segunda posición, lo cual supone siempre una derrota. Si no llega a ser considerado el peor director de la historia del cine, manteniéndose siempre detrás de Ed Wood, tampoco podemos decir que ha filmado la peor película de fantasía épica de la historia, porque en nuestro recuerdo aún perdura, por desgracia, esa nefasta adaptación de Dungeons and Dragons, máximo exponente de la más absoluta mediocridad cinematográfica.

El luchador

2009-02-26T16:33:00.018+01:00

A Darren Aranofsky le llovieron guantazos de indiferencia por todos lados cuando intentó contarnos la extraña e intimista historia de Tommy e Izzi a través del tiempo en The Fountain. Las distribuidoras no creyeron que la película fuera a tener una buena acogida dada la extraña idiosincrasia de la misma, el público mayoritario al que debía enfrentarse mira por lo general hacia el lado opuesto a la del director, y apenas pasó de puntillas por los cines. Aquel desertar voluntario de las premisas del cine occidental nos llevó a algunos a preguntarnos por qué debíamos acceder los demás a confiar en ese corpus prolongado de situaciones hijas del artificio más descarado. Cuando uno contempla la acción a través de la visión corregida del director debe estar en comunión con la idea que sostiene la misma narración, de lo contrario ocurre lo que ocurre. El mensaje no caló entre muchos. Yo fui uno de esos que consideraron The Fountain una excelente película, y también una incomprendida y bellísima obra de arte. Aranofsky con The Wrestler sigue caminando por los derroteros del underground y el cinéma verité, aunque menos que antes. De extensos silencios, al igual que en la predecesora, aunque bastante convencional cuando no miramos cara a cara al sobresaliente tratamiento del diseño escénico. Viendo El luchador, título que la película ha recibido aquí, me pasó lo mismo que con The Fountain, uno llega a sentir que la transmisión fílmica del director norteamericano caminara por los derroteros de la obra dramática, y que sin embargo consiguiera al mismo tiempo no alejarnos de las emociones de los personajes, como sí sucede en cambio en el teatro. El ojo de la cámara, allí desde donde mira Aranofsky, nos demuestra lo ambiguo que resulta la separación radical de uno y otro arte. El cine no debería ser entendido como un mero receptáculo de artes, un medio que se distancia del arte teatral como fin en sí mismo. Esta clase de cine nos sacude de la rutina a la que conducen los cánones del cine mismo, y sobre todo la televisión. La naturalidad del director fluye en conjunción perfecta con la artificiosidad. En El luchador, la cámara en mano sigue a los personajes por los pasillos, bien sea de los gimnasios, donde descansan los inflados guerreros que combaten en el cruento y teatral circo de la lucha libre, o en los pasillos del mercado por donde se “pasea” el héroe protagonista, Randy Robinson (“The Ram”). Con Aranofsky los espacios libres apenas tienen cabida en los encuadres, que nunca chirrían a la atenta observación del espectador, y que subordinan el fondo a favor del protagonista principal, un camafeo visual en el que sólo tiene cabida Randy, su rostro, su expresión, su dolor, y que obliga al resucitado Rourke a dar lo mejor de sí. Esta boga de reinventar a los actores venidos a menos resulta cuando no bastante oportunista por parte de la industria, porque siempre pensé que Mickey Rourke era un gran actor, y no creo que The Wrestler sea lo mejor. Darren Aranofsky carece del pensamiento preceptivo en la concepción de la obra cinematográfica que parece caracterizar a tantos dentro del mundo cinéfilo, directores, productores, o aquellos que realmente creen tener la capacidad de descuajeringar películas a través de sus críticas. Sus obras son puro sentimiento y con esta historia, la de un luchador profesional venido a menos nos llega al alma, nos emociona, y no consigue aburrirnos en ningún momento.

Viernes 13 (2009)

2009-02-25T11:38:00.002+01:00

La saga de Viernes 13 nunca ha disfrutado del afecto de la crítica e incluso de un sector importante de los seguidores del terror y el fantástico. Mientras películas como La Matanza de Texas o La Noche de Halloween son consideradas clásicos indiscutibles del género de terror, a Viernes 13 se le consideró ya desde un principio como un mero producto para explotar el éxito de anteriores películas. Sin duda, de no haber sido por sus continuaciones y la posterior aparición del personaje de Jason, esa primera Viernes 13 hubiera quedado rápidamente relegada al olvido. Pero no fue así. La incorporación de esa mastodóntica máquina de matar que es Jason Voorhees le dio alas a la franquicia, que pasó a convertirse en la saga fílmica de terror con mayor número de entregas gracias al apoyo incondicional de los seguidores del legendario asesino. Ahora, pasados casi 30 años desde esa primera visita a Crystal Lake, los productores han decidido que era el mejor momento para volver a empezar la historia de nuevo. Podríamos hablar horas y horas sobre el concepto del remake, pero no es éste el lugar ni el momento adecuado. Además, y en contra de lo que nos sugiere el mismo título, no nos encontramos ante un remake propiamente dicho de la película Viernes 13 original, datada en 1980, sino que lo que nos presenta esta nueva revisión es un batiburrillo de situaciones y detalles escogidos principalmente de entre las tres primeras entregas de la saga original.

Entrando ya de lleno en el tema, ¿Es Viernes 13 (2009) una buena película? No, no lo es. Casi me atrevería a decir que ni siquiera es una buena película de terror, a pesar de los más que acertados 20 primeros minutos de metraje. Al igual que pasó con la mayor parte de este tipo de interminables sagas, la de Viernes 13 no tardó en caer en la más absoluta mediocridad en cada una de las nuevas entregas, llegando a límites surrealistas en las últimas apariciones de Jason en pantalla, Jason X y Freddy vs Jason. Sin llegar a estos límites de mediocridad, el actual remake recupera las señas de identidad que definieron la saga durante toda la década de los 80 y prácticamente no las pasa por ningún filtro de actualidad más allá de situar la acción en nuestros tiempos. Así pues, nos encontramos con una cinta de terror slasher netamente clásica y ochentera en la que el número de víctimas supera la docena (en contraste con muchas slasher actuales en las que hay cuatro o cinco víctimas), la metodología asesina es ciertamente variada, aunque por supuesto prima el famoso machete, la sangre no salpica en exceso y no se abusa del elemento gore ni del sufrimiento de las víctimas (tan de boga últimamente a partir de la saga Saw), hay mucha tía buena mostrando sus cuerpazos en todo su esplendor a la espera de ser ensartadas por el arma de Jason, y hay personajes idiotas que no dudan ni por un momento en salir de la cabaña sabiendo que hay una máquina de matar ahí fuera. Aunque en este sentido la película es, en cierta forma, entrañable y sin ninguna duda divertida, no deja de ser, por otro lado, también decepcionante. Los trailers, posters y demás avances promocionales que nos habían llegado previamente al estreno nos hacían augurar que el regreso de Jason iba a transcurrir por unos derroteros mucho más oscuros que los presentes en la saga original, acercándose más a sagas menos desenfadadas como Halloween o La Matanza de Texas. Sin embargo, ese esperado lavado de cara sólo tiene lugar durante los ya mencionados primeros 20 minutos, sin duda lo mejor de toda la película, y que en realidad puede considerarse casi como un cortometraje independiente. En ese corto fragmento sí que predomina ese necesario toque oscuro y realmente terrorífico, y nos mantenemos en tensión en todo momento sabiendo que Jason va a aparecer en cualquier momento, de cualquier sombra. Y cuando lo hace, lo hace de forma imponente. Le vemos, y sabemos al instante que nadie puede sobrevivir a su presencia. Lamentablemente, a partir de la aparición del título tras esta prometedora secuencia inicial, la cinta cae en el terreno del terror desenfadado, plagada de situaciones inverosímiles, con personajes sin la más mínima personalidad y capaces sólo de articular diálogos absurdos. Por tanto, esta nueva entrega de Viernes 13 es sólo recomendable para todos los seguidores de la saga y del slasher socarrón en general, para todos aquellos que cansados de los derroteros que ha tomado en los últimos años el género terrorífico estuvieran esperando una vuelta a las raíces de un género que no hace tanto fue increíblemente popular, para aquellos que piensan que cuando uno va a ver una cinta de asesinos va a pasárselo bien y a divertirse viendo morir a descerebrados e hiperhormonados adolescentes.

Ficha IMDB

Estrenos 20/02/2009

2009-02-21T16:08:00.014+01:00

La oferta cinematográfica de esta semana se presenta bien variada. Por un lado nos llega la última gran favorita de los Óscar: El Luchador. Mientras Push nos aporta la propuesta más fantástica, la israelí Vals con Bashir y la española Hoy no se fía, mañana sí nos acercan de lleno a nuestra realidad.

El luchador

Duración: 109 min
Género: Drama
País: Estados Unidos
Director: DARREN ARONOFSKY
Guionista: ROBERT D. SIEGEL
Intérpertes: MICKEY ROURKE, MARISA TOMEI, EVAN RACHEL WOOD

SINOPSIS: Randy "The Ram" Robinson (Mickey Rourke) es un luchador profesional de wrestling, ya retirado que, tras haber sido una estrella en la década de los ochenta, trata de continuar su carrera en el circuito independiente, combatiendo en cuadriláteros de tercera categoría. Cuando se da cuenta de que los brutales golpes que ha recibido a lo largo de su carrera le empiezan a pasar factura, Randy decide poner un poco de orden en su vida; intenta acercarse a la hija que abandonó, Stephanie (Evan Rachel Wood), a la vez que trata de superar su soledad con el amor hacia Cassidy, una streaper (Marisa Tomei).

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Push

Duración: 109 min
Género: Ciencia Ficción
País: Estados Unidos
Director : PAUL MCGUIGAN
Guionista : DAVID BOURLA
Intérpretes: CAMILLA BELLE, CHRIS EVANS, DAKOTA FANNING

SINOPSIS: La División, una agencia gubernamental clandestina, tiene un oscuro fin: alterar genéticamente a personas normales para convertirlas en soldados con poderes psíquicos. Aquellos que no quieren participar o que están en contra, son eliminados. Nick Gant (Evans) lleva escondiéndose de la División desde que, siendo un niño, asesinaron a su padre. Nick ha heredado sus poderes telequinéticos. Oculto en Hong Kong se siente seguro, pero se verá forzado a salir de su escondite cuando se cruce en su camino Cassie (Fanning), una chica de 13 años que puede ver el futuro. Cassie le pide ayuda para encontrar a Kira (Belle), una joven que tiene la más poderosa de las habilidades psíquicas desarrollados por la División: puede implantar pensamientos en las mentes de los demás. Kira tiene la clave para acabar con la División, y Nick y Cassie tienen que encontrarla antes que ellos.

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Cadillac Records

Duración: 111 min
Género: Drama
País: Estados Unidos
Director: DARNELL MARTIN
Guionista: DARNELL MARTIN
Intérpretes: ADRIEN BRODY, JEFFREY WRIGHT, BEYONCE KNOWLES

SINOPSIS: Crónica del auge en los años cincuenta en Chicago de la casa de discos Chess Records, que en unos años turbulentos grabó discos de leyendas de la música negra como Muddy Waters, Leonard Chess, Little Walter & Howlin’ Wolf, Etta James y Chuck Berry.

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Vals con Bashir

Duración: 90 min
Género: Animación, drama
País: Israel, Francia y Alemania
Director: Ari Folman
Guionista: Ari Folman

SINOPSIS: Una noche en un bar, un viejo amigo cuenta al director Ari que tiene una pesadilla recurrente en la que le persiguen 26 perros. Los dos hombres llegan a la conclusión de que tiene que ver con una misión que realizaron para el ejército israelí durante la primera guerra con el Líbano a principios de los años ochenta. Ari se sorprende ante el hecho de que no recuerde nada de ese periodo de su vida. Intrigado, decide ver y hablar con viejos amigos y antiguos compañeros dispersados por el mundo entero. Necesita saber la verdad acerca de ese periodo y de sí mismo.

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Hoy no se fía, Mañana sí

Duración: 125 min
Género: Drama
País: España
Director: Francisco Avizanda
Guionista: Francisco Avizanda
Intérpretes: Carolina Bona, Jesús Noguero,, Albert Prat

SINOPSIS: Gilda es una joven huérfana que intenta sobrevivir en el Madrid de 1953. Chivata de la policía y militante en una Hermandad ultra-católica, persigue sin éxito el carnet sindical de locutora de radio. Sin embargo, el suicidio de su tía republicana en la cárcel trastoca sus planes. La manipulación de esa muerte y el descubrimiento de una secreta actividad de la Hermandad, la empujan a intimar con Estanis, un psiquiatra opuesto a la dictadura.

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Sex Drive

2009-02-18T23:19:00.023+01:00

Sex Drive es una de esas centenares de comedias norteamericanas que una vez visto el tráiler parece que lo has visto todo. Y dentro de ese subgénero de comedia que tanto se puso de moda desde que se estrenó hace años la conocidísima American Pie, existen unas cuantas películas que de vez en cuando, ofrecen algo distinto. Y repito, “muy” de vez en cuando. No te engañaré, lector, ya que no pretendo decir con ello que Sex Drive sea una película con humor inteligente (bueno, depende de como se mire). Su fórmula secreta está compuesta de: Insultos, pechos, un disfraz de donut, sexo, pechos, penes, un hermano alocado, más pechos, amishes, tias buenas, situaciones desternillantes, un coche, un chico tímido, un chico salido y una chica guapa rebelde por fuera, tierna por dentro, que forman el trío protagonista. ¡Ah! Y un pizca más de pechos.
Ante todo y es un detalle importante (dentro de lo que cabe), ésta película por el momento es inédita en España y la versión de ésta crítica ha sido escrita basada en la edición “Unrated” (sin clasificación por edades). Antes de empezar la película hay una pequeña y cutre introducción por parte de los dos artífices de la historia (director y guionista) recomendando encarecidamente que primero se visione la versión “normal” y no la “Friki” porque ya advierten que entre una y otra hay grandes diferencias. ¡Y vaya si las hay! Pero vayamos por partes…
Sex Drive es para que se hagan una idea, es una mezcla entre American Pie por la temática del sexo y RoadTrip, por el estilo para narrar la historia. Ian (Josh Zuckerman) es un joven que a sus veinte y pico años todavía se siente avergonzado por ser virgen mientras mantiene una relación por internet con una hermosa chica que vive a unos cuantos estados lejos del suyo. Pero la suerte de Ian cambia cuando su cybernovia le propone, al fín, conocerse “un poco mejor”. Como ella vive lejos, no se le ocurre otra idea mejor que la de robar el coche a su hermano mayor, Rex, para fugarse con su amigo Lance (Clarke Duke), un chico más salido que el pico de una plancha y también de su amiga de la infancia Felicia (curioso nombre, ¿casualidad?) que acaba juntándose con los dos chicos por accidente. Así es como empieza el viaje de Ian hacia la pérdida de su virginidad. Un viaje lleno de excéntricos personajes y situaciones de lo más inverosímiles que les enseñará el auténtico significado del amor, algo muy profundo que encontramos cuando menos lo esperamos.
La versión normal de la película contiene lo que uno cabe de esperar de éste tipo de comedias. Muchos personajes disparatados, chicas bonitas con sugerentes escotes, diálogos de carácter sexual o con muchas palabrotas y todo eso acompañado de música rock y punk sonando de fondo. La versión sin clasificar, en cambio, digamos que amplia algunos de esos elementos a un nivel descomunal. Por poner ejemplos, en la versión normal podemos ver una escena de diálogo en el que no sucede nada fuera de lo común y en cambio, en la Unrated, en esa misma escena, han añadido (con técnicas de croma) a un grupo de mujeres “en pelotas” posando en el fondo del lugar donde ocurre la escena sin ninguna intención concreta. Digamos que la versión friki, es realmente para frikis. Han añadido muchos pechos paseándose por la pantalla cuando uno menos se lo espera e incluso hay un momento (esto se considera spoiler pero es para que os hagáis una idea), en el que otra escena de dialogo ha sido modificada conservando el mismo sonido, pero intercambiando la secuencia por la imagen de un pene en primer plano que nada tiene que ver, con una duración de unos treinta segundos de reloj. Viendo “eso”, uno no puede evitar sentirse algo... incómodo. Es como si un aficionado al montaje cogiera una película e hiciera una edición “personalizada” de ella. A su favor hay que decir que han añadido tomas falsas en el metraje, haciendo de ellos algunos de los momentos más graciosos de la película.
El reparto de jóvenes protagonistas es desconocido para el público español y la única referencia de ellos son varias apariciones en series como CSI, Kyle XY o películas para televisión. El rostro más conocido para muchos será el de Seth Green, por su papel en la serie Buffy Cazavampiros y apariciones en multitud de series y películas, además de ser la voz original de Chris Griffin en Padre de Família. En Sex Drive, Green interpreta a un curioso Amish que sabe mucho de la vida moderna, haciendo reír en más de una ocasión. Y por último, James Marsden cierra el círculo de principales como Rex, el bruto y chulo hermano mayor, con una magnífica interpretación que nada tiene que ver con su papel de apuesto Príncipe Edwards en la auto parodia de las películas de Disney, Encantada.

En general, Sex Drive es una película que puede gustar a mucha gente. Y volviendo al principio, en referencia a que algunas comedias de éste grotesco estilo pueden ser diferentes, pienso que Sex Drive tiene algo especial en comparación a otras y es que, sus personajes tienen una buena química entre ellos y ésta es transmitida al espectador de forma tan positiva, que te hace interesar por la historia hasta su final. Da igual si lo que ves es lo más idiota del mundo y es obvio que no tiene importantes mensajes morales o nos hará debatir éticamente sobre ella tras su visionado, pero es una comedia y ha sido filmada para hacer reír. Personalmente, aprecio más éste tipo de comedias, ya que por lo menos están bien hechas, que no las mil y una “No sé qué MOVIE” que estrenan por lo menos una vez al mes. Virgen a los 40, Lío Embarazoso, etc. son buenas comedias. Olvidables, chorras y sexualmente ofensivas, pero más de uno que dice odiarlas, se ríe cuando ve una. Pienso que por un simple motivo: A todos nos gusta reír.

Trailer con subtitulos en castellano

Cine versus literatura

2009-02-18T13:24:00.013+01:00

Hace pocos días me vino a la mente a raiz de un comentario la extraña y a veces recurrente idea de que aquellas personas que se autodenominan como “amantes del cine” no comparten sin embargo el mismo entusiasmo por la literatura en general. ¿Es eso cierto? La idea me hace cavilar, sólo un breve instante, y decido como excusa escribir un brevísimo artículo, donde con unos pocos ejemplos, se pueda hacer un recordatorio de lo que ha sido y es la literatura con respecto al cine. La generalización es inútil, porque la “literatura basura”, como la comida y el cine basura, abunda por igual.
El escritor Graham Greene decidió escribir la novela de su conocida obra El tercer hombre antes de poder enfrentarse de forma coherente con el guión cinematográfico de la película protagonizada por Orson Welles a finales de los años cuarenta. Greene reelaboró y co-escribió el guión junto a Alexander Korda. Al escritor la película le gustó más que la novela, incluído su final, que difería de la novela. Hoy día El tercer hombre es considerado un clásico de la literatura.
¿Hay alguien que al leer la novela de Mario Puzzo, El Padrino, sea capaz de no pensar en Marlon Brando cuando se menciona al gran jefe? Esta novela que nos habla de una familia perteneciente a la mafia siciliana y que está asentada en Nueva York, fue publicada en una de las grandes editoriales de Norteamérica. La novela de Puzzo y su Corleone parecen estar ya para siempre unidos a la imagen que del personaje nos mostró el actor Marlon Brando, y en la memoria de quienes recuerdan el film de Coppola, nadie puede dejar de ver a Al Paccino en el papel de Michael Corleone. Ambas aproximaciones a la historia de los Corleone van cogidas de la mano.
El éxito de Navokov con su obra Lolita tiene algo que ver con la adaptación cinematográfica que llevó a cabo Stanley Kubrick en 1962, cuyo guión desarrolló también el propio escritor. A Navokov la película le gustó, parece ser, aunque muchos otros dijeran que el film estaba muy por debajo de la obra literaria.
Elia Kazan llevó al celuloide por vez primera la obra teatral Un tranvía llamado deseo, de Tennessee Williams, escritor influido por Faulkner, de alargada prosa y densa y meticulosa carga emocional. La película de Kazan ha grabado en nuestras retinas la imborrable pincelada visual de Marlon Brando y Vivien Leigh.
Si bien el tratamiento difiere, ya que son dos medios distintos, la gran obra maestra de Stanley Kubrick, 2001, una odisea del espacio, sufrió un proceso a la inversa, esto es, el guión precedió a la novela. Arthur C. Clarck empezó a escribir la novela tras haber realizado la primera escritura del guión. El mismo guión fue modificándose a medida que la película tomaba forma, y Clarck hizo uso de todo el material que había para concluir su novela, sin que la película viera aún la luz. Este último es un claro ejemplo de la simbiosis a la que se puede llegar en el tratamiento literario de la obra filmada, y viceversa.
Cada vez más los escritores modernos parecen desarrollar sus novelas pensando que éstas puedan ser trasladadas a la gran pantalla. A bote pronto pienso en Dan Simmons, que me parece un gran narrador, y al mismo tiempo yo diría que es un escritor muy cinematográfico. Creo que la obra literaria pueda verse más afectada en el trasunto conciliador de ambos medios. No digo que tanto la literatura como el cine deban prostituirse, pero lo que sí está claro es que nunca, que yo sepa, ha sido algo definitorio el ser amante de una cosa para no serla de la otra al unísono, y de más cosas, evidentemente. Con la excepción del fenómeno “gafapasta” como se dice, y como se “mal dice”, pero eso nos llevaría ahora por otros derroteros. El pensamiento exclusivista lleva a algunas personas a renegar del cine, o parte de él, porque lo consideran un subgénero, tal vez por encima del injustamente despreciado “subgénero del cómic, o novela gráfica, como se denomina ahora”
Para terminar, te recomiendo a ti lector que veas la película Barton Fink, película estadounidense rodada por Joel y Ethan Coen en 1991. La película nos sitúa en Los Ángeles de 1941, allí un joven escritor intelectual deberá escribir un guión para una película de Hollywood, pero no consigue terminarlo, porque sufre una desastrosa e inoportuna sequía creativa.

Slumdog Millionaire

2009-02-17T13:20:00.013+01:00

Entre tanta basura no es raro que asome la cabeza alguna que otra rata descuidada, anónima, una más entre tantas, y acabe encerrada en una ratonera de por vida. Jamal Malik (Ayuso Mahesh Khedekar) es un pobrísimo niño que vive en los suburbios de Bombay, un “slumdog”, como llaman a los desgraciados que pululan por los vastos basureros que circundan una de las grandes ciudades de la India, que se enamora y lucha por sobrevivir. Entre la basura se hace complicado y más cuando los niños parecen no ser más que sucias cucarachas que corretean alocadas de aquí para allá, sin rumbo ni fin. Es muy duro contemplar estas imágenes y no sentirse culpable cuando uno piensa que muchos no tienen apenas nada con qué vivir. Si el director británico Danny Boyle hubiera decidido acompasar el torbellino de imágenes por entre los grandísimos estercoleros con un violín de fondo, supongo que habríamos echado a llorar más de uno, pero no ha sido así. La fábula de Boyle hace un abusivo, pero agradecido, uso de la música rítmica, alegre y efectista, que parece estar voceando a los críos “¡corred, corred, que os pillan!” Esto parece ser algo característico en la obra de Boyle, no en vano el magistral comienzo de Trainspotting hacía uso del trepidante tema Lust for Life de Iggy Pop.
Un día el joven Jamal (Dev Patel), el que fue niño, se apunta a la versión hindú del famoso concurso ¿Quieres ser millonario? Jamal descubre que la basura no sólo está en los marginales barriuchos de la gran ciudad, sino que embrutece también a las clases privilegiadas, en este caso, a aquellos que se mueven en el negocio de la televisión. Cuando Jamal responde con acierto una y otra vez a las preguntas del concurso acaba siendo sospechoso, y por ello mismo, sin comerlo ni beberlo, es detenido e interrogado de forma abusiva por la policía. El joven hindú ha tenido que ser siempre el mejor para sobrevivir, o por lo menos ser el que más corre, y ahora se enfrenta al reto de su vida, que le cambiará diametralmente la vida, y podrá devolverle al amor perdido. El pueblo lo admira, lo empuja, y desea con entusiasta fervor que gane el concurso, para que pueda escapar de la inmundicia física que los rodea. Y que si no todos, que por lo menos uno pueda escapar, como si de una Cenicienta moderna se tratara.
La película ha ganado recientemente el Globo de Oro a mejor película dramática, director, guión, y mejor banda sonora. Y ahora se le vienen encima los Oscar con diez nominaciones. La película merece el reconocimiento, para tener un argumento a priori tan sencillo, es muy buena; parece que Danny Boyle se mueve bien entre la inmundicia, como hiciera aquella primera vez con Trainspotting. Al respecto recuerdo una escena en la que el personaje que interpretaba Ewan McGregor se zambullía en un sucio inodoro, y que parece tener ciertas similitudes con uno de los momentos más apestosos y graciosos de Slumdog Millionaire.
No tengo muy claro que el film de Danny Boyle sea una crítica social, pero desde luego si tú consigues por un momento no quedarte embelesado por las muchas ramas que conforman el bosque, podrás sin ningún problema adivinar eso mismo, que detrás se oculta verdaderamente un bosque muy sombrío.

Un Chihuahua en Beverly Hills

2009-02-17T01:42:00.023+01:00

Cierto es que con los precios -abusivos- de las entradas de cine, uno tenga preferencias y un criterio más selectivo al realizar una elección ante la cartelera de un cine y es que seguramente, la nueva história de Disney protagonizada por perros que se estrenó hace poco en nuestro país, tendrá más reconocimiento como regalo en dvd para los más pequeños de la casa que como una posible nominación al oscar, pero no se engañen, eso no significa que sea una mala película.
Chloe (doblada por Drew Barrymore) y Papi son dos chihuahuas de dos mundos totalmente opuestos. Ella es una perrita rica llena de comodidades y lujos y él, en cambio, es el perro del jardinero que cuida de las flores de Viv (Jamie Lee Curtis), la dueña de Chloe. Papi en cambio es un chihuahua chulito y travieso, pero está locamente enamorado de la pija Chloe, cual lo ignora por completo. Cuando la sobrina de Viv, Rachel (Piper Perabo), queda al cargo de Chloe por viajes de negocios, ésta decide llevarse de fiesta a la chihuahua y a sus amigas de viaje a Méjico para disfrutar del sol y la playa. Pero el viaje de Rachel se convertirá en una pesadilla cuando descubre que Chloe ha sido secuestrada. Es entonces cuando Papi, su peculiar pero fiel caballero de cuatro patas, emprende un rescate lleno de peligros, nuevos amigos y grandes aventuras por el país de los ricos tacos con chili.
La história de nuestro chihuahua Papi es, aunque para muchos díficil de creer, una película muy entretenida y divertida si se acepta como lo que es, un film de noventa minutos destinado a un público familiar que desea pasar un buen rato y echarse unas risas, viéndo a sus animales favoritos comportándose como personas. Un estilo de guión adaptado de muchas formas pero que siempre funciona con el público al que va dirigido.
A los primeros minutos del comienzo del film, ver la versión canina de Beverly Hills es todo un espectáculo al contemplar la vestimenta y decoración de los animales. Desde vestidos de diseño hasta complementos como gafas, sombreros, guantecitos y hasta zapatos de multitud de colores y formas. Y hago inciso en los zapatos porque, efectivamente, algunos perros de la película incluída nuestra protagonista no andan a cuatro patas, si no a cuatro zapatitos de tacón. Además, especial mención a su peculiar y gracioso modo de transporte ya que en vez de ferraris o mercedes, usan los lujosos 'bolsos' de marca de sus dueñas. Y lo mejor de todo ésto es que no se ha realizado de forma digital. Ya que a excepción de cuando los animales hablan o realizan según que escenas o movimientos que por sí sólos no podrían realizar, el resto se ha hecho con simple adiestramiento real. Aunque he de reconocer en contra que, como amante de los animales, es un crímen a su pobre dignidad...
Lo mejor de la película es su doblaje. Quien la vea en versión original podrá escuchar las voces de Andy García como 'Delgado', un pastor alemán "expulsado" del cuerpo canino de policía que ayudará a la pequeña Chloe; Edward James Olmos (Comandante Adama de Galáctica, para los amigos) como 'Diablo', un feroz y peligroso doberman e incluso al gran tenor Plácido Domingo dando voz a 'Monte', un enigmático chihuahua muy especial.
Sin duda no es de lo mejorcito que ha pasado por las carteleras pero sí la recomiendo como futuro alquiler para la família o para esas tardes de fín de semana cuando no echan nada mejor por televisión. Aunque pocas, tiene escenas muy graciosas, la interpretación de todos los animales está muy bien conseguida y su previsible y ñoña história no engancha pero consigue su principal objetivo: entretener.

Lo mejor: Entretenida y de corta duración para toda la família. El doblaje, ya que con sólo escuchar la voz de Olmos doblando a un perro, uno no puede evitar reír (si sois fans de Galáctica y la veis en V.O.) pero el doblaje castellano es también muy bueno.
Lo peor: Ver a los pobres animales con esas excéntricas vestiduras.

N. del Autor: Por favor, traten a sus animales con respeto y cariño y ni se les ocurra poner ni un calcetín. Tienen su dignidad. Nunca los abandonen ni los maltraten porque los animales, en especial los perros, pueden ser incluso mejores seres que muchas personas en éste mundo tan cruel. Les estarán eternamente agradecidos.

Estrenos 13/02/09

2009-02-13T15:17:00.014+01:00

Empezamos una nueva semana cinematográfica bien cargada de interesantes estrenos. Por desapercibida que pase ante el gran público, el estreno de la semana es el a priori prometedor remake de Viernes 13. Para espectadores menos tolerantes a las ingentes cantidades de sangre, tenemos dos grandes candidatas a los Oscar de este año: Slumdog Millionaire (lo nuevo de Danny Boyle tras su incursión en la ciencia ficción terrorífica) y The Reader (con un estupendo reparto encabezado por Kate Winslet y Ralph Fiennes). La comedia romántica Nick y Norah, la producción hispano-peruana La teta asustada y el falso documental La historia completa de mis fracasos sexuales, completan la oferta semanal.

VIERNES 13 (2009)

Duración: 98 min
Género: Terror
País: Estados Unidos
Director: MARCUS NISPEL
Guionista: DAMIAN SHANNON
Intérpretes: JARED PADALECKI, DEREK MEARS, DANIELLE PANABAKER

SINOPSIS: Remake del clásico de terror Viernes 13. Buscando a su hermana desaparecida, Clay se dirige al espeluznante bosque del legendario Crystal Lake, donde tropieza con los viejos y decrépitos restos de una cabaña que yace detrás de unos árboles cubiertos por denso musgo. Y esto no es lo único que se esconde entre la maleza. En contra del consejo de la policía y las advertencias de los habitantes de la zona, Clay continúa con su búsqueda, ayudado por una joven mujer que ha conocido entre un grupo de jóvenes estudiantes preparados para pasar un emocionante fin de semana. Sin embargo, ellos están a punto de encontrar algo más que no habían tenido en cuenta. Lo que menos se imaginan es que han entrado en el dominio de uno de los más terríficos espectros de la historia del cine americano: Jason Voorhees.

TRAILER

SLUMDOG MILLIONAIRE

Duración: 120 min
Género: Drama
País: Gran Bretaña
Director: DANNY BOYLE
Guionista: SIMON BEAUFOY
Intérpretes: DEV PATEL, FREIDA PINTO, MADHUR MITTAL

SINOPSIS: Jamal Malik, un joven huérfano que vive en una barriada pobre de Bombay, decide presentarse a la versión india del concurso: "¿Quién quiere ser millonario?". Ante la sorpresa de todos, Jamal responde correctamente a todas y cada una de las preguntas. ¿Cómo es posible que un chico cómo él sea capaz de conocer todas las respuestas? Cuando Jamal está a punto de responder a la última pregunta, la que le hará ganar 20 millones de rupias, la policía lo detiene y se lo lleva para interrogarle. Jamal deberá explicar por qué conocía las respuestas, teniendo que recurrir para ello a relatar diferentes momentos de su vida, que además ayudarán a desvelar la verdadera razón de su participación en el concurso.

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THE READER (EL LECTOR)

Duración: 128 min
Género: Drama
País: Estados Unidos
Director: STEPHEN DALDRY
Guionista: DAVID HARE
Intérpretes: KATE WINSLET, RALPH FIENNES, BRUNO GANZ

SINOPSIS: Cuando cae enfermo en su camino a casa desde el colegio, Michael Berg, un joven de 15 años, es rescatado por Hanna Schmitz, una mujer que le dobla la edad. Ambos comienzan un inesperado y apasionado idilio, hasta que Hanna desaparece inesperadamente. Ocho años después, Michael, convertido en un joven estudiante de derecho, vuelve a encontrarse con su antigua amante mientras está como observador en un tribunal donde se está juzgando a colaboradores de la Alemania Nazi. Hanna está acusada de un horrible crimen, y rechaza defenderse a sí misma. Michael, gradualmente, se va dando cuenta de que el amor de su juventud guarda un secreto que considera aún más vergonzoso que el asesinato.

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NICK & NORAH: UNA NOCHE DE MÚSICA Y AMOR

Duración: 90 min
Género: Comedia, Drama, Romántica
País: Estados Unidos
Director: PETER SOLLET
Guionista: LORENE SCAFARIA
Intérpretes: MICHAEL CERA, KAT DENNINGS, ALEXIS DZIENA

SINOPSIS: Nick O'Leary, que frecuenta los locales de música "indie" de Nueva York con su grupo, acaba de romper con su novia, y ahora apenas es poco más que un joven sensible que toca el bajo y que tiene el corazón roto. Una noche, una chica le pedirá que finja ser su novio para evitar a una antigua pareja. Así conocerá a Norah Silverberg, con quien no parece tener nada en común, salvo su gusto por el mismo tipo de música. Juntos se embarcarán en una noche llena de aventuras.

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LA TETA ASUSTADA

Duración: 94 min
Género: Drama
País: España y Perú
Director: Claudia Llosa
Guionista: Claudia Llosa
Inérpretes: MAGALY SOLIER, SUSI SÁNCHEZ, MARINO BALLÓN

SINOPSIS: Fausta padece de "La teta asustada", una enfermedad que se transmite por la leche materna de mujeres maltratadas durante la época del terrorismo en el Perú. Los infectados nacen sin alma, porque del susto se escondió en la tierra, y cargan un terror atávico que les aísla por completo. Pero Fausta esconde algo más; guarda un secreto que no quiere revelar, hasta que la súbita muerte de su madre desencadenará hechos inesperados que transformarán su vida y la de otros

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LA HISTORIA COMPLETA DE MIS FRACASOS SEXUALES

Duración: 89 min
Género: Documental, comedia
País: Reino Unido
Director: Chris Waitt
Guión: Chris Waitt y Henry Trotter
Intérpretes: Chris Waitt, Hilary Waitt, Alexandra Boyarskaya

SINOPSIS: El realizador Chris Waitt decidió un día que algo tenía que cambiar en su desastrosa vida sentimental. Todas sus parejas le han abandonado y por las vías más diversas; teléfono, correo electrónico, mensaje en el contestador. Una de ellas incluso escribió un libro en el que al personaje del novio le asesinaban brutalmente. Para conseguir su objetivo y tener por una vez una relación satisfactoria con una buena chica, debía escrutar primero las causas de precipitaron el final de sus anteriores tentativas. Primero, habrá que realizar un listado con todas sus antiguas novias. Después, tendrá que localizarlas, una a una, en un trabajo casi detectivesco. Chris les propondrá entrevistarlas para el documental pero, como cabría esperar, muchas de ellas rechazan telefónicamente la extravagante proposición. Finalmente, consigue que algunas de ellas acepten el encuentro.

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El Curioso Caso de Benjamin Button (Crítica 2)

2009-02-09T20:59:00.004+01:00

Llegará un día, dentro de mucho tiempo, en el que alguien mucho más joven que vosotros os preguntará: “¿Quién es Benjamin Button?”. Será entonces cuando esbozaréis una sonrisa de puro orgullo y contestaréis: “Yo estuve ahí. Yo estuve ahí el día en que Benjamin nos contó su historia por primera vez”. Iréis a buscar corriendo vuestro DVD, o Blu-Ray, o cualquiera que sea el formato que entonces se use y os sentaréis con él a disfrutar, una vez más, de la memorable historia de Benjamin Button. Pero vuestra atención se desviará con facilidad de la pantalla para centraros en el rostro de ese pequeño mientras contempla embelesado la película. En sus facciones reconoceréis todos los sentimientos transmitidos por la historia, el cariño hacia Benjamin, el amor entre Benjamin y Daisy, la impotencia frente al imbatible destino, y recordaréis todo lo que sentisteis muchos añas atrás, cuando la luz se desvaneció de la sala, y con ella cualquier cosa que no estuviera relacionada con el curioso caso de ese hombre llamado Benjamin Button. La magia del cine brilla con todo su esplendor en esta nueva obra del no menos brillante David Fincher, a día de hoy uno de los directores con un currículum más ejemplar. Benjamin Button es la bofetada que todos los espectadores nos merecíamos por haber asumido que el cine es únicamente mero entretenimiento, una bofetada que nos devuelve a la orígenes del cine y que nos recuerda que un día Hollywood fue conocida como la Fábrica de Sueños. Porque de sueño se puede calificar a esta cinta, un sueño de puro realismo mágico, en el que todos los detalles están cuidados al milímetro, todas las emociones y reacciones perfectamente estudiadas, conformando una realidad tal que la imposibilidad de la enfermedad de Benjamin siquiera asoma.

Minuto a minuto, la cinta transcurre a un ritmo exagerada y deliberadamente lento, como año a año transcurren las propias vidas que retrata. No hay lugar aquí para golpes de efecto, giros de guión ni subidas de ritmo innecesarias. Y no nos importa, puesto que lo único que deseamos es seguir en compañía del entrañable Benjamin durante todos los años que nos sea posible. Y es que, sin ningún género de duda, el personaje interpretado con brillantez por Brad Pitt ha pasado ya mismo y por derecho propio a la historia del cine. Y aunque su sola presencia ya bastaría para llenar de forma satisfactoria las cerca de 3 horas de metraje, su vida, como la de cualquiera de nosotros, se entrecruza en compleja maraña con las de muchos otros personajes singulares, que aún apareciendo durante escasos minutos reales están tan bien caracterizados que al acabar la película tenemos la sensación de que los conocemos mucho más que a los protagonistas de la mayoría de películas que podamos haber visto antes. Entre todos los personajes que acompañan a Benjamin en su largo recorrido vital destaca, por supuesto, Daisy Williams, no ya sólo por su importancia en la historia, sino por la aplastante interpretación de una Cate Blanchett que con su feérica belleza y su omnipotente presencia te deja literalmente congelado en la butaca.

El mundo gira bajo Benjamin Button, rejuveneciendo mientras todos a su alrededor envejecen. El peso del envejecimiento cae sobre nosotros mientras contemplamos como aquellos que un día estuvieron llenos de vitalidad y hermosura ceden sin opción al peso de la edad. Y es cuando nos damos cuenta que el destino de Benjamin es, a fin de cuentas, el mismo que el de todos nosotros, que tampoco él se libra del paso del tiempo, por mucho que sus manecillas sigan girando hacia atrás. A partir de este instante se desmontan por completa todos los esquemas narrativos mantenidos hasta el momento y la cinta se precipita frenéticamente, escena a escena, año a año, hacia ese ineludible destino final, alcanzando una intensidad dramática desorbitante. No hay tregua. No hay compasión. No hay tiempo apenas para asimilarlo. Cuando se encienden las luces necesitamos esos minutos de asimilación antes de poder levantarnos. Para poder asimilar todas esas vidas. Para poder asimilar todas esas muertes. Y para poder asimilar, y celebrar, que el cine sigue siendo una mágica fábrica de sueños, y mientras los sueños no tengan fin, el camino será ilimitado.

Ficha IMDB

El curioso caso de Benjamin Button (Crítica 1)

2009-02-08T21:11:00.010+01:00

La mirada de alguien que ve el mundo del revés y se empecina en no encerrarse en obtusos convencionalismos nos fascina. El director David Fincher, nos lleva de la mano a lo largo de ciento sesenta y siete minutos en los que se nos narra la curiosa vida de Benjamin Button, un hombre que le lleva la contraria al imparable tiempo, rejuveneciendo con el paso de los años. La nueva película del director norteamericano es un asombro, una maravillosa meditación sobre la muerte; la mirada de Benjamin Button es la extraordinaria y melancólica contemplación de la futilidad de las preocupaciones que nos asaltan a lo largo de nuestra corta existencia. A veces aterradora la película me ha parecido más una oda a la insignificancia, la “pequeñez” de los compromisos y relaciones entre las personas que se quieren o se aman, que una poesía a la vida en sí. No te engaño, yo no digo que esté del todo de acuerdo con el escritor F. Scott Fitzgerald, cuya obra ha adaptado el guionista Eric Roth, de hecho creo no estarlo, y tampoco quiero caer en el melodrama cuando conscientemente pienso en lo agridulce que resulta en ocasiones la vida. La vida de Benjamin Button es la vida despojada de ruido, la síntesis profunda de aquellos momentos que, encadenados, han conformado el lienzo vital de su existencia. El amor de Benjamin Button, un desconocido Brad Pitt, por Daisy, una siempre excelente Cate Blanchett, nos habla precisamente de la algo deprimente finitud de las cosas, porque uno desearía detener el tiempo y perpetuar aquellos momentos en los que somos más felices, y son precisamente esos momentos los que pasan luego a ser los recuerdos del futuro; recuerdos en los que hallamos refugio cuando la vida nos golpea. La idea de dos personas que se aman y cuyas vidas discurren por separado magnifica el amor de ambos, lo hace trágico, sí, pero es que incluso cuando no es así y seguimos la historia con una sonrisa en la cara, la película tiene que darnos un toque de atención y obligarnos a pensar eso de que “lo que Dios nos da, Dios nos lo quita”, porque de nada sirve aferrarse a algo finito; el tiempo en su más grotesca ironía puede incluso borrar esos recuerdos, una de las mayores jugarretas del correr del tiempo. Benjamin Button encarna por la curiosa anomalía que padece la expresión pura del paso de los años. Uno siempre está a tiempo de cambiar su vida, de volver a empezar, de descubrir cosas nuevas, todo cambia, nada perdura, todo perece.
Esta película es exuberantemente lírica, técnicamente se funde a la perfección con la tranquila narrativa de Fincher. Nada de movimientos de cámara imposibles sobre escenarios digitales a los que nos tiene acostumbrado este interesantísimo director. Los efectos especiales me han parecido sorprendentes de puro invisibles. Algunas de las secuencias son memorables, los momentos, como en la vida misma de Button, son muchos, y se van hilvanando a lo largo de la historia de modo que abandonamos la sala agradecidos por tan espléndidos recuerdos, olvidándonos del "ruido" inadvertido, tal vez un metraje algo excesivo para quienes han disfrutado menos con la nueva fábula de Fincher.

La duda

2009-02-04T20:43:00.008+01:00

Mientras veía La duda no podía evitar pensar en Sor Carmen, una monja que, siendo yo un retaco, decidió estirarme las orejas hasta hacerlas sangrar, literalmente. Allí, suspendido de las orejas, mis amiguitos contemplaban inquietos. La muy bruja no consiguió que luego, más adulto, pasara a ser un llorón quejoso sin criterio, ni siquiera tras un encuentro tan desafortunado. Y en fin, que la actriz norteamericana Meryl Streep me recuerda a la monja en cuestión, y yo diría que a mi madre también, sobre todo físicamente. La hermana Aloysius Beauvier es muy dura, es inflexible, es de las que creen que una férrea disciplina desde la más tierna infancia es la mejor manera de llevar a los retoños por el buen camino. Pero en este colegio católico del Bronx se ha colado un intruso, un carismático sacerdote, el padre Flynn, encarnado por el actor Philip Seymour Hoffman, que no comparte aquello de “la letra con sangre entra”. La hermana Beauvier comenzará una cruzada personal contra el sacerdote cuando sospeche que éste ha abusado del nuevo alumno, Donald Millar; un niño negro que ve en el padre Flynn un protector capaz de tratarlo con afecto. Tanto Meryl Streep como Philip Seymour Hoffman realizan un trabajo espléndido, y en general, yo diría que no hay ningún secundario que desmerezca las brillantes actuaciones de los primeros, en especial Amy Adams, la tímida hermana James.
La película está basada en una obra ganadora del Premio Pullitzer y de un Premio Toni en su adaptación teatral. El director John Patrick Shanley realiza un encomiable trabajo, la película parte de una historia muy sencilla, pero lo suficientemente jugosa como para hincarle el diente y hacer de la obra una película. La duda trata sobre todo del estado de incertidumbre en el que nos hallamos sumidos en numerosas ocasiones, cuando somos incapaces de hablar de la “verdad de un hecho”. Dudar nos puede llevar a la inacción ante la falta de certeza, pero en contadas ocasiones uno cree que a falta de ella, y dadas unas determinadas circunstancias, deberíamos “mojarnos” y entrar en acción. Se dice que en tiempos de crísis es mejor tener un líder que tome decisiones expeditivas sin el apoyo de la certeza, que uno que siga las más estrictas precauciones ante la duda. La hermana Beauvier pertenece a la primera clase, quien careciendo de pruebas, y guiándose de la intuición, es capaz de luchar fieramente por expulsar al padre Flyn. Un interesante debate que nos hará oscilar entre uno y otro a lo largo del metraje. La duda es una propuesta sobria, madura, y que da que pensar, al menos un rato, que no hace daño a nadie.

Valkiria

2009-02-03T19:10:00.003+01:00

Después de la por completo decepcionante Superman Returns, Bryan Singer retoma el pulso de anteriores trabajos y nos vuelve a brindar un excelente thriller a la altura de sus ya demostradas cualidades. Thriller. Según el Pocket Oxford Spanish Dictionary, thriller significa misterio o suspense. Y si de algo debería carecer la adaptación cinematográfica de un suceso histórico, y más tan reciente como el que se trata en esta ocasión, eso sería precisamente misterio o suspense. La operación Valkiria, eje central de la película de mismo nombre, fue el último intento conocido de acabar con la vida de Hitler y tuvo lugar en el verano de 1944. Ergo, desde antes incluso de sentarnos en la butaca del cine, ya sabemos que el plan fracasó, y aunque puede que no sepamos todavía cómo acabaron exactamente sus protagonistas, nos podemos hacer una idea bastante clara. Pues bien, todo lo comentado hasta aquí, no sirve absolutamente de nada. En cuanto se apagan las luces y comienza a rodar la cinta, nos vemos sumergidos completamente en la épica y ejemplar historia que nos propone Singer, haciéndonos olvidar todo lo que sabemos al respecto más allá de lo que sucede en cada momento ante nosotros. Cada vez que la resistencia planea una estrategia para acabar con Hitler empezamos a notar cierta esperanza de que pueda salir bien y de que Europa se acabará librando de semejante monstruo. Mientras dichos planes comienzan a desarrollarse, acompañamos a los héroes con miedo incluso a respirar a sabiendas de que la más mínima indiscreción podría acabar con toda esperanza de éxito. Todas las piezas van encajando casi, casi, a la perfección e incluso podemos llegar a pensar que todo lo que sabíamos era una mentira, que estábamos equivocados, que Alemania se alzó contra Hitler en ese verano del ’44 acabando así con la amenaza del nazismo. Casi. Por supuesto, todo acaba desmoronándose. Bryan Singer nos lleva con mano maestra por este emocionante y épico homenaje a todas esas personas que, sin tener nada que perder bajo la égida del tirano, decidieron sacrificar sus vidas para construir una nación regida por la libertad. Un homenaje servido a su vez bajo la forma de una película de entretenimiento puro, espectacular cuando debe serlo, llena de suspense y de situaciones que estiran la tensión hasta límites extremos, y que te mantiene en vilo hasta el último fotograma. Por una vez, lo que importa es todo, y no sólo un final inesperado como viene siendo norma en el género de un tiempo a esta parte. Sin embargo, si algo se le puede achacar a la película es quizá la falta de interpretaciones apabullantes que acabaran de conformar un producto redondo. Todos los actores cumplen con sus papeles, e incluso Tom Cruise como el coronel Stauffenberg resulta convincente, pero por lo general carecen de la fuerza necesaria para dejarte embelesado con su actuación, especialmente un Adolf Hitler muy lejos de la magistral e inolvidable interpretación de Bruno Ganz en El Hundimiento. Mientras todavía degustamos la última obra de Mendes y ya se nos hace la boca agua sólo de pensar en lo que ya mismo se nos echa encima de Fincher y Boyle, la Valkiria de Singer resulta un excelente entremés que nos hace desear que este director nos siga deleitando en el futuro con cintas de acción tan elegantemente dirigidas como hasta el momento.

Siete almas

2009-01-31T12:25:00.056+01:00

Lo reconozco, cuando fui a ver esta película al cine no me sentía especialmente entusiasmado, a pesar de la poca curiosidad que pudiera sentir, porque, para ser sincero, el actor y rapero Will Smith me cae simpático. Ya ves que tontería, porque al fin y al cabo nos pertrechamos con a veces inevitables y lamentables prejuicios sin demasiado fundamento. Más allá de la conocidísima comedia televisiva El príncipe de Bel Air, y que tanto me ha condicionado a mi, que disfrutaba de lo lindo viéndola, el actor estadounidense abordó después una serie de papeles que no hicieron sino reafirmar su fantástica faceta cómica, aunque a mí me molestara a veces, cuando creía que no venía a cuento.
Sin embargo, poquito a poco Will Smith ha ido recorriendo el camino que conduce a la madurez interpretativa, dejando de lado las gracietas cuando estas no vienen a cuento. Me sorprendió en su papel de Muhammad Ali, injustificadamente, porque el papel no daba lugar a la comedia al ser un biopic acerca del famoso boxeador. Y con En busca de la felicidad del director Gabriele Muccino nos demostró que sí podía ser versátil como actor si le daba la gana, y que no había sido algo fortuito. Ahora de nuevo de la mano del director Gabriele Muccino nos recuerda lo bien que puede hacerlo como actor dramático. En la película interpreta a un tal Ben Thomas, un agente del Departamento de Tesorería de los Estados Unidos que guarda un secreto, él debe solucionarles la papeleta a un grupo de individuos cuyo denominador común es la enfermedad, física, económica, o espiritual. Él tiene la opción de redimirse del pasado y hacer uso de su secreto.
Tanto Will Smith como Rosario Dawson, que interpreta a una de los desesperadamente necesitados, Emily Posa, lo hacen muy bien, y su historia aunque algo cursi, le mantiene a uno atento. Lo que pasa es que la fórmula de meter a Smith en un papel dramático funcionó con En busca de la felicidad, porque a fin de cuentas la historia se basaba en hechos reales y la historia era interesante, nos importe o no su mensaje, y ahora con Siete almas la cosa no acaba de funcionar tan bien. Ya lo estoy viendo, Will Smith reunido con su amigo Gabriele Muccino y hablando de su futuro proyecto, algo dramático y con mensaje si puede ser, que hinche los corazones de la gente, que la emocione, y si puede ser llore al final de la misma, aunque el asunto que se traigan entre manos carezca de la credibilidad o trascendencia necesaria. Porque al fin y al cabo los sentimientos mueven a las masas, las que están metidas en las salas de cine con las palomitas; yo me emociono, luego pienso que la película guarda un secreto trascendente, o que realmente me importa. Bueno, no te aconsejo a ti, lector, el que seas, que te lo tomaras muy a pecho, la película en mi opinión, no es del todo mala, porque realmente algunos de los mensajes proyectados a través de la oscuridad son ejemplo para muchos que hacen de sus vidas un continuo y egoísta deambular sin rumbo ni fin. Gabriele Muccino ha construído una película alrededor de la figura de Will Smith, protagonista absoluto, olvidándose de nosostros a lo largo de casi toda la película. La primera hora me pareció aburrida, y la segunda así así, creo que la última media hora es intensa, me gustó, supongo que porque me emocionó, porque me gusta la ética que destila, cargada de buenas intenciones, y porque me cae muy bien el tal Smith, y ni siquiera lo conozco personalmente. Así que ya ves, en el colmo de la subjetividad te recomendaría que priorizaras otras películas antes que esta, y con lo caro que está el asunto imagino que siendo optimista no te diría que no la alquilaras cuando esté disponible en DVD y puedas verla en casa, donde podrás levantarte para mear sin riesgo a perderte nada.

La Semilla del Mal

2009-01-30T13:16:00.004+01:00

La Semilla del Mal es el desafortunado título que se le ha adjudicado por estas tierras a esta nueva cinta de supuesto terror recién llegada a nuestras pantallas. Desafortunado porque, en primer lugar, resulta de por sí muy manido e incluso suena a remake, y en segundo lugar, porque su título original The Unborn, le hace mucha más justicia, ya que esta película no debería haber llegado a nacer nunca, como el cansino niño que la protagoniza. Con sólo cuatro obras en su haber, David S. Goyer se consagra como uno más de ese preocupante grupo de directores descafeinados e impersonales que lamentablemente copan con asiduidad nuestras pantallas. En su labor como guionista también fracasa estrepitosamente al firmar una historia sin ningún sentido ni interés, repleta incluso de contradicciones, y poblada por unos personajes insulsos y pueriles. En este aspecto sí que La Semilla del Mal supone una decepción, puesto que frente al papel, Goyer se había mantenido hasta el momento a una altura envidiable, con grandes trabajos en su haber como la injustamente olvidada Dark City, o las más reconocidas Batman Begins y El Caballero Oscuro. Por mucho que uno lo intente buscar, no encontrará en esta película absolutamente nada digno de mención. La historia bebe del ya hace tiempo agotado esquema del terror japonés, absorbiendo y vomitando todos los tópicos y clichés del género, incluyendo fantasmas de niños atormentados, poseídos contorsionistas que de ridículos hacen reír más que causar la más mínima incomodidad, ya no digamos terror, la ya cansina escena del jodido espejo en el baño (sí señores guionistas, ya sabemos que la tercera vez que cierre la puertecita del espejo será cuando se vea al fantasma o asesino en la puerta del baño), una investigación que acaba en un personaje encerrado en un asilo que tiene todas las respuestas, exorcismos donde vuelan objetos de lado a lado, y así podríamos seguir interminablemente. A la insulsa historia se le debe sumar la completa falta de recursos en la dirección de la que hace gala la cinta, que constantemente recurre a las por completo inefectivas subidas de volumen para intentar rescatar al espectador del estado de sopor en el que inevitablemente va cayendo minuto a minuto. Los pocos sustos presentes en la película están además terriblemente mal acabados, puesto que lejos de profundizar en la escena y sus consecuencias, la historia salta instantáneamente a la siguiente secuencia que nada tiene que ver con la anterior, contribuyendo así a la ya absoluta desconexión del espectador. La Semilla del Mal es pues otro ejemplo lamentable de cine de terror ridículo y mediocre, que fracasa por completo a la hora de crear angustia, y que no se salva ni por la presencia de un desaprovechado Gary Oldman ni por los incitantes paseos en ropa interior de Odette Yustman.

Ficha IMDB

Revolutionary Road (Crítica 2)

2009-01-30T11:31:00.004+01:00

Sam Mendes sigue empeñado en mostrarnos la familia desde su perspectiva poco convencional. Recogiendo el testigo de American Beauty, el realizador británico nos vuelve a mostrar su peculiar punto de vista según el cual la familia supone un sacrificio de la individualidad en pos de una existencia colectiva en la que el conjunto familiar reemplaza a esa individualidad como unidad existencial. El sacrificio del yo por el nosotros. ¿Es necesario ese sacrificio? ¿Salimos ganando al realizarlo? ¿Se puede formar una familia sin renunciar a uno mismo? Cada cual tendrá sus propias respuestas a estas preguntas, y Mendes tiene las suyas. Como ya dejara ver en su debut cinematográfico, su posición al respecto es más bien pesimista, pero le atribuye la culpa no al proceso en sí, sino a las personas mismas. Son las personas quienes, consciente o inconscientemente, deciden ceder a un estado de pasividad ante las circunstancias y dejar que éstas les controlen a ellos y no a la inversa. La historia de Revolutionary Road es la historia de una pareja que se pensaba por encima de todas estas cosas y que, por supuesto, se engañaba. Una historia fiel al estilo de su director en la que la tragedia pende en todo momento de un ya desgastado hilo que se sabe va a romperse en cualquier momento. Para representar a la pareja, que copa la práctica totalidad de los planos del film, Mendes escogió a los mediáticos Leonardo DiCaprio y Kate Winslet en lo que a posteriori queda patente que fue una excelente elección. Si de la calidad interpretativa de Kate Winslet ya no teníamos ninguna duda, y en esta película vuelve a deleitarnos con una gran interpretación, la elección de DiCaprio para cargar con el peso de semejante papel era ligeramente arriesgada, puesto que a pesar de haber demostrado sus correctas cualidades, no había llegado a destacar especialmente en ningún papel. Afortunadamente, Mendes ha sido capaz de sacar todo el potencial presente en el actor y éste ha configurado el que es sin duda el mejor papel de toda su carrera. Gracias a las dos excelentes interpretaciones, somos testigos de los continuos vaivenes emocionales de la pareja, alzándonos hasta la más alta ilusión para caer a continuación hasta el pozo más profundo de la desesperación. La soberbia labor de la pareja protagonista se ve acompañada por unos secundarios igualmente inspirados que a pesar de contar con pocos minutos en pantalla, éstos son suficientes para cincelar unos personajes cargados de ingenio entre los que destaca por encima de todos el personaje del trastornado John Givings, interpretado con maestría por Michael Shannon, y que protagoniza los momentos más delirantes a la par que socarronamente sinceros de toda la película y que nos retrotraen al humor negro del que hacía gala la ya mencionada American Beauty. El conjunto de guión e interpretación se ve envuelto de la siempre perfecta dirección de Sam Mendes, que con ya cuatro películas a sus espaldas se consagra como uno de los mejores directores actualmente en activo. La forma de rodar de Mendes sigue fiel a su estilo del todo clásico, donde cualquier detalle está cuidado hasta el exceso, y en el que cada plano es una fotografía perfectamente encuadrada y enfocada, aunque en más de una ocasión el director se toma la libertad de mantener la acción de la escena en un segundo plano desenfocado para centrar nuestra atención en la expresividad de los protagonistas. Revolutionary Road es una de esas películas para disfrutar del cine. Buena historia, buenos personajes, buenas interpretaciones, y buena dirección. Un conjunto envidiable en estos tiempos y que por tanto no se debe dejar pasar por alto.

Ficha IMDB

Revolutionary Road (Crítica 1)

2009-01-26T18:09:00.017+01:00

Sam Mendes dirigió en 1999 la agridulce American Beauty, película existencialista preocupada por la búsqueda de la felicidad personal en el seno de una familia de clase media norteamericana. El “éxito” y las “apariencias” se convierten en esta sociedad occidental en puro “becerro de oro” al que hay que idolatrar. De nuevo el director estadounidense nos plantea un drama existencial, adaptando la novela original de Richard Yates, centrado en la vida de un joven matrimonio obsesionado con el llamado “sueño americano”, y que no es otra cosa que la creencia absoluta en la determinación propia, y el esfuerzo personal, como medios para conseguir el objetivo deseado, que suele ser el éxito. La premisa a priori no es mala si el objetivo es acertado, porque da esperanza, y nos habla de una sociedad en la que todos tienen las mismas oportunidades. Pero esta idea parece más una ilusión, hipócrita la mayoría de las veces, y en otras simple y llanamente despiadada, sobre todo, aunque ya no exclusivamente, entre la sociedad estadounidense, obsesionada con el éxito económico. Todo el mundo tiene derecho a buscar la felicidad, y hallar pedazos de ésta es ya un éxito. El espejismo occidental, no sólo el norteamericano, incita a la obtención del éxito, por encima de los demás si es necesario, sobre los vecinos, los amigos, quienes sean, y sobre todo, a la ostentación de éste.
Frank Wheeler, un excelente Leonardo Di Caprio, está casado con April Wheeler, una magnífica Kate Winslet, ambos cansados de la rutinaria vida que llevan deciden embarcarse de lleno en el “sueño americano” cambiando sus vidas radicalmente. La valiente decisión será criticada a sus espaldas por aquellos que envidiosos recelan de las decisiones de los Wheeler, capaces de salirse del camino recto, el más sensato. En realidad da igual si los Wheeler deciden viajar al extranjero, o montar un negocio propio, lo inoportuno de su conducta deviene del mero atrevimiento a intentar hallar la felicidad de un modo tan inusual. Y sin embargo, unos y otros se justifican ciegamente, cuando, buscando el refrendo en los demás, insisten en reafirmar aquellas decisiones que marcaron indefectiblemente el curso de sus vidas en el pasado. Al fin y al cabo todos persiguen “el sueño americano”, unos luchan por conseguirlo, y otros prefieren no arriesgar, y de ese modo no perder. El meollo de la tragedia deviene de manejar conceptos egoístas acerca del éxito, a veces ingenuos, en el caso de los Wheeler, porque tener un hogar y unos hijos que criar parece más una maldición que una bendición, tanto para los que critican a los Wheeler por la afrentosa decisión, como para la misma April Wheeler, tan insatisfecha con la vida que lleva. Al parecer nadie tiene verdadera vocación, ni siquiera Frank Wheeler, cuando confundido le confiesa a su mujer que realmente no sabe qué le gustaría hacer fuera del aburrido trabajo en el que está, porque no sabe hacer nada más. Tal vez April sea la única con algo de vocación, pero las circunstancias llevarán a que ese “sueño americano” sea para ella más una pesadilla que un sueño. El deseo irracional por ser especial y sobresalir, económica y socialmente, envenenan la mente de los vecinos de Revolutionary Road.
El trabajo de Michael Shannon en el papel del hijo perturbado de la Sra. Helen Givings es una gran revelación, y le da la oportunidad al director de poner en boca del “loco” los ocultos temores de los personajes, agitando demonios, y levantando ampollas al revelar las frustraciones disimuladas de cada uno de ellos.
La película no da un respiro, la atmósfera es tensa e intensa. Nada está puesto al azar, nada sobra, una soberbia y “teatral” puesta en escena de la mano de una pareja inolvidable, y que hacen de Revolutionary Road una muy buena película acerca de la falacia occidental, la de una sociedad que tiene en general una estropeada concepción de la felicidad. La película llega en momentos de crisis, y nos habla de un mundo donde las oportunidades no son las mismas para todos, y cuyos motivos exceden a las narcisistas fantasías de una parte de la población convencida de tener aquello que merece. Vivimos en un mundo lleno de miserias y decepciones que nada tienen que ver con las películas de Frank Capra. Hay una América Profunda que no comparte el “sueño americano”, y a ésta no hay que olvidarla.

Peter Jackson,adaptando a Tolkien - 3ª parte

2009-01-25T02:16:00.017+01:00

Los films dirigidos por Peter Jackson contaron con un presupuesto de 280 millones de dólares, y el proyecto entero tardó en llevarse a cabo un total de ocho años. Jackson siempre quiso que las películas tuvieran una pátina realista e histórica, alejándose así de un estilo demasiado fantasioso y “falso”; en este sentido las decisiones del director y la extraordinaria labor creativa de los especialistas, diseñadores, dibujantes, y artistas en general, consiguieron provocar sobre los espectadores aquello que Tolkien daba en llamar “creencia secundaria”. La creencia inherente del espectador/lector en la verosimilitud del relato. Más que la “realidad” de un relato, lo que importa es su "verosimilitud", de manera que el espectador/lector pueda dar por válidas las reglas de la historia, y las acepte sin reparo alguno. Sin embargo Jackson no acabó de creerse a Tolkien, y lo llevó por los derroteros de lo que para él debía ser lógico en el relato, apartándose de la visión mítica y desviando literalmente la verdadera esencia de muchos de los personajes. Analizarlo aquí ahora sería exhaustivo. Por otro lado tanto quiso incidir el director en el trasunto “histórico” que olvidó finalmente el elemento evocador de la obra original. Jackson se equivoca al recurrir a la exageración y a la intromisión más descarada cuando no comprende algo. En ocasiones Jackson sintetiza ideas hasta la más de las risibles literalidades (por ejemplo, A Sauron el Señor Oscuro en la novela se le nombra también como el El Ojo de Fuego, o El Ojo Sin Párpado porque con su "mirada" es capaz de abarcar todos sus dominios; Peter Jackson decidió recrear un gigantesco ojo de fuego situado en lo alto de la Torre Oscura en Mordor, a modo de faro, capaz de ver e iluminar a lo lejos)
Tolkien en la carta citada al inicio, decía con respecto al tratamiento de algunos de los personajes: “Se basa en una concepción errada de los Jinetes Negros […] El peligro con que amenazan es casi por entero consecuencia del miedo irracional que inspiran. No tienen gran poder físico […]” De hecho Tolkien insinúa más que muestra, y evoca; él siempre habla de la “presencia del Bien” o de la “presencia del Mal”, como algo intangible, hermoso, y terrorífico, más allá, en las películas, de evidentes y exageradas muestras del Bien (algo torpes a veces) o del Mal (sobre todo) Como si del paisajista impresionista Joseph William Turner se tratara, Tolkien da forma a la historia a través del “espejo del mito”, evocándonos o recordándonos ese algo que no podemos explicar, pero que podemos “percibir”. Peter Jackson no nos lo permite, la obra es demasiado obvia, e incluso demasiado irregular en ocasiones, alternando situaciones y diálogos ridículos con momentos y diálogos verdaderamente dramáticos. Lo cual, irónicamente, arruina la “creencia secundaria” de la que antes hablaba.

“En el cine no se intenta fotografiar la realidad, sino fotografiar la fotografía de la realidad” decía…Kubrick, quién sino.

Peter Jackson,adaptando a Tolkien - 2ª parte

2009-01-25T02:09:00.014+01:00

Al profesor y escritor J.R.R.Tolkien se le ha tildado siempre de escritor de “literatura fantástica”, lo que es lo mismo que decir “juvenil”, cuando no “infantil”. Un género de evasión conduce al mero entretenimiento, y para nada a la reflexión. La crítica literaria, y todos sus detractores, incluso aquellos que hablan de oídas, han vapuleado sin piedad al escritor inglés, y lo han relegado a las estanterías donde lo que predomina es la literatura “poco seria”, obligándola a convivir con todo género de dragones y elfos a lo World of warcraft. Para la “comunidad literaria” esta clase de literatura juvenil distrae al lector de tareas intelectuales más enriquecedoras. Y por ello resulta injusto que aún hoy día Tolkien no pueda ocupar el sitio que de verdad le corresponde dentro de la gran literatura. Ahora, gracias a la adaptación cinematográfica de Peter Jackson la obra parece indefectiblemente condenada a ser considerada como “literatura poco seria”.
En palabras de Eduardo Segura, doctor en Filología inglesa y experto en la obra de Tolkien, eso significa hablar de Tolkien como un “urdidor de engaños que la razón debe combatir como demonios o entelequias que distraen al ser humano del verdadero conocimiento”. Esta poca “seriedad” ha traído consigo el inevitable sanbenito de asociar a esa pléyade de individuos comúnmente llamados “freaks” con la obra El Señor de los Anillos. Ser considerado un freak no es necesariamente despectivo, aunque se utilice peyorativamente por algunas personas, sobre todo si ello significa ser alguien que simple y llanamente se apasiona por un tema, pero el caso es que el freak más extremo lleva la afición a sus máximas y no deseadas consecuencias, convirtiendo el interés en un estilo de vida. Al respecto me viene a la memoria una anécdota que no tiene desperdicio, la de un empedernido jugador de rol que aseguraba sin rubor alguno que él, en el caso de poder retroceder lo suficiente en el tiempo, sería sin género de duda un guerrero aventajado, entre otras cosas por las muchas vacunas que se había inyectado desde su más tierna infancia, haciéndolo menos vulnerable a las enfermedades, por poseer además vastos conocimientos en el arte de la guerra, consecuencia de la asidua participación en juegos de rol en vivo. El freak en cuestión es un hombre de treinta y tantos años, grande y rollizo pero flojucho, e incapaz de brincar un buen rato con una espada de poliespán en la mano. Un legionario romano debía cargar sus pertrechos de guerra: puñal, espada, escudo y lanza, grandes bolsas impermeables de cuero con ropa de recambio, amuletos, recuerdos, y comida para dos o tres días, botas de cuero llenas de agua; además cada unidad debía cargar en ocasiones pilotes, la tela de las tiendas y estacas. Todo ello podía suponer cargar con un total aproximado de treinta kilos de peso en caminatas diarias de hasta veinte kilómetros, cuando no más, y luego estos mismos legionarios debían ser capaces de combatir durante horas. Esto sólo nos da una leve idea del mar de irrealidades y concepciones del todo preocupantes en las que se hallan sumidos algunos de los extremistas que campan a sus anchas por un mundo imaginario, y esto nos da una idea también de la cruz que deben cargar algunos de los amantes de la obra literaria del profesor Tolkien ante asociaciones tan bufas.
La tarea que Tolkien emprendió fue la de la creación de una mitología, posicionándose como creador absoluto, imaginando mundos con apariencia de realidad, pero cuyo sustrato principal iba a ser puramente humano y reconocible. Tolkien separa lo “meramente real” y por ende empíricamente comprobable, y lo “metafísicamente verdadero” que responde a anhelos e inquietudes más profundos en el ser humano. De manera que la fantasía que destila Tolkien no es una “mentira”, sino que halla su pleno sentido en la reflexión que se deriva de la épica del relato mismo, un reflejo de la “verdad” que novelas aparentemente más realistas no consiguen. El mito es el “espejo” a través del cual percibimos una Verdad que va más allá de la propia realidad, aunque se esconda en la veracidad de un mundo imaginado. Tolkien hablaba de “la pugna por evadir la muerte y el olvido”

Peter Jackson,adaptando a Tolkien - 1ª parte

2009-01-25T01:40:00.021+01:00

“Estoy absolutamente en contra de la adaptación a la pantalla de grandes novelas, sobre todo de las que me han gustado especialmente. Esta es la razón por la cual, cuando estoy buscando un tema y abordo una novela, no quiero considerar más que obras que, literalmente, no estén demasiado logradas"; "[...]Hay pocos buenos libros, y los buenos son difíciles de adaptar sin echarlos a perder. Por lo tanto, encontrar una buena historia que dé como resultado un buen film, es realmente un milagro. Cuando se produce este milagro, hago un film.”
Stanley Kubrick hablaba de este modo acerca de las adaptaciones cinematográficas al periodista Raymond Haine, en una entrevista concedida para Cahiers du Cinema, en julio del 57, y a Michèle Halberstadt para Première en octubre del 87. Estas reflexiones personales del director Stanley Kubrick nos recuerda la gran cantidad de catastróficas y endebles adaptaciones al celuloide que la industria cinematográfica ha llevado a cabo durante años. ¿Es posible realmente plasmar y transcribir fielmente el espíritu de una “gran novela”? Generalmente las obras encuadradas en la categoría de literatura seria resultan demasiado extensas o complejas como para poder ser transcritas en su totalidad a un medio temporalmente limitado. Porque en verdad hay excelentes películas que son fruto de la adaptación de novelas consideradas menores, incluso mediocres. Pero a nadie le importa si una novela mediocre tiene una adaptación mediocre, con la salvedad del propio escritor. El peligro sin embargo está en adaptar novelas de gran calado, que no pueden evitar la comparación. No ser capaz de discernir lo esencial en la novela, perdiendo de vista la intención principal del escritor original, puede echar al traste la bienintencionada tarea del más esforzado de los directores. Las imprecisiones pueden llegar a enmarañar la trama con acciones secundarias que poco aporten a la historia que realmente nos importa. Eso en el caso de que el guionista sepa cuál es la verdadera esencia que da vida a la novela. Está claro que para que “obre el milagro” lo que se quiere narrar y el modo en que se quiere narrar deben ir de la mano en perfecta conjunción. Esto mismo es aplicable a cualquier clase de narración sea el medio que sea.
Al respecto sólo me interesa ahora opinar acerca de la titánica labor del director neozelandés Peter Jackson adaptando la épica literaria de J.R.R. Tolkien El Señor de los Anillos. Como curiosidad anotaré que a Stanley Kubrick le fue ofrecida la dirección de la adaptación cinematográfica de la obra cuando ésta iba a ser protagonizada por los Beatles en el año 67, pero éste rechazó la oportunidad de cargar con el proyecto, y no porque considerara que El Señor de los Anillos fuera una gran novela, sino porque simple y llanamente no se había leído el libro, y además en aquellos momentos se hallaba inmerso en el frustrado proyecto sobre la vida de Napoleón. Pero, ¿es realmente El Señor de los Anillos una “gran novela”? Si lo es, ¿ha sido la adaptación cinematográfica de Peter Jackson realmente fiel al original? ¿Se obró “el milagro” del que habla Kubrick?
Tolkien habla en una carta de junio del 68 dirigida a Forrest J. Ackerman del tratamiento cinematográfico de El Señor de los Anillos, cuando se estaba barajando la posibilidad de una adaptación cinematográfica : “Los cánones del arte narrativo en cualquier medio no pueden ser del todo diferentes; y el fracaso de las malas películas consiste a menudo precisamente en la exageración y en la intromisión de material impropio, que son consecuencia de no percibir dónde se encuentra el meollo del original […] El Señor de los Anillos no puede ser manoseado de ese modo.” En opinión de quien firma esto, en conjunto la adaptación de El Señor de los Anillos no ha sido completamente fiel al original, aunque se nos haya repetido hasta la saciedad lo contrario, e incluso ha sido del todo desafortunada en repetidas ocasiones. Peter Jackson rodó tres películas para poder contarnos la historia, con todo la primera de las tres podría decirse que ha sido la más fiel, y en mi opinión la mejor. La Comunidad del Anillo es una gran película a pesar de todo. Sin embargo El Señor de los Anillos es una novela limítrofe cuya lectura da pie a muy distintas percepciones, y que responden a la sensibilidad del lector, de modo que ésta se pueda disfrutar a diferentes niveles, de mayor a menor profundidad; yo diría que una lectura superficial encuadraría a la novela dentro de la llamada “literatura poco seria”, y así es como la enfocó Peter Jackson.

Mi nombre es Harvey Milk

2009-01-18T17:32:00.035+01:00

La ciudad de San Francisco es hoy día considerada como la más liberal dentro de los Estados Unidos, sino lo es del mundo entero, donde artistas y bohemios pasean a sus anchas, y donde la comunidad gay goza de una enorme tolerancia. Esto es debido sobre todo al movimiento hippie a mediados de los años 60, con la revolución contracultural, inconformista y rebelde con el establishment. Pero en los años 70 el pensamiento conservador acosaba aún a la creciente comunidad gay, y líderes como Harvey Milk combatían políticamente y con ferocidad contra los movimientos antigays.
El director Gus Van Sant recrea a través de la vida del político y activista homosexual Harvey Milk, esos primeros años en la ciudad de San Francisco donde la contracultura gay comenzaba a dar la cara enfrentándose a la brutal incomprensión de los más intolerantes frente a la homosexualidad. La película nos habla más que de la propia aversión de las comunidades cristianas fundamentalistas, sobre todo aunque no exclusivamente, hacia los homosexuales, de la incomprensible persecución y restricción de los derechos individuales, de quienes sean. Harvey Milk consiguió que muchas personas modificaran sus arcaicos convencionalismos en pro de ideas tan obvias como pueda ser el hecho de que los gays sí pueden tener éxito y llevar una vida honesta, e incluso una carrera en la política. Para entender esto hay que comprender que el éxito para muchos americanos va de la mano de la más impoluta correción moral, la suya. Esta gran batalla con la que aún hoy día hay que lidiar, la de aceptar a los homosexuales como individuos completamente normales, es la que ganó Milk en San Francisco en esos turbulentos años de la contracultura donde había que abandonar radicalmente algunos desfasados conceptos sociales. Harvey Milk se presentó en repetidas ocasiones a concejal de la ciudad, hasta que ganó en 1977, cuando tuvo que combatir contra una denigrante iniciativa antigay. El aspirante a gobernador de California John Briggs, claro representante republicano que se erige como estandarte de la moral cristiana más recalcitrante para así conseguir votos, redactó una ley que prohibía la docencia a profesores y profesoras gays y lesbianas respectivamente. En Miami un grupo llamado “Save Our Children”, propiciada por la retrógrada Anita Briant afirmaba sin reparo alguno que ordenanzas que ilegalizaran la discriminación por orientación sexual infringían el derecho de los padres a enseñar a sus hijos “moralidad bíblica”, acusando a estos de pederastas.
Desde luego el actor Sean Penn borda el papel protagonista, puede que le haya ayudado el hecho de ser una persona manifiestamente antirrepublicana. Sus exaltadas arengas tienen fuerza, porque cree en su personaje, y en su discurso. El actor Josh Brolin parece estar encontrando papeles a la altura de su talento últimamente, encarnando esta vez a otro concejal, Dan White, un político pusilánime incapaz de “salir del armario”, y cuya mezquindad será determinante para la carrera política de Milk.
Gus Van Sant intenta combinar el tono documental, mostrándonos imágenes de archivo reales de cuando en cuando, y un montaje rápido, para narrarnos la ajetreada vida política de Milk, y un tono más intimista y pausado para hablarnos de la vida privada de éste y cómo ésta se ve afectada por la primera. En ocasiones la carrera política de Milk resulta confusa, que no su mensaje, y que al cabo parece ser lo que de verdad importa. El fondo en esta ocasión resulta lo suficientemente interesante como para pasar por alto esa en ocasiones comedida mirada del director. La película es altamente recomendable, sobre todo en estos días en los que la lucha por los derechos más evidentes sigue siendo cuestionable, especialmente por aquellos que dentro de la Iglesia Católica hacen alarde de intolerancia al esgrimir insólitas invenciones morales. Y es que no es raro aún hoy día encontrarse con individuos que recelen de la homosexualidad, y desgraciadamente no sólo en el seno de la Iglesia, o cualquier otra institución o creencia del estilo, sino entre cualquiera que se haya criado en un entorno homófobo, por desgracia algo para nada excepcional.

El Hijo de Rambow (Son of Rambow)

2009-01-11T20:58:00.014+01:00

Todos hemos tenido de niños un héroe que hacía volar nuestra imaginación. Soñabamos con grandes aventuras surcando peligros y enfrentándonos a villanos y monstruos de todo tipo, llenando cuadernos y hojas con dibujitos y caricaturas. Un día podíamos imitar a superman vestidos con una capa roja y al día siguiente ser como el Barón Rojo pilotando un enorme avión de guerra, corriendo por la casa con los brazos abiertos e imitando el característico sonido del "Ra-ta-ta-ta-ta!!".

Ambientada en la Inglaterra de los años 80, en una época en la que el VHS era toda una alta tecnología, las películas de los cines empezaban tras una apertura de cortinas y la gente canturreaba los grandes éxitos de The Cure o Duran Duran, El Hijo de Rambow nos cuenta la história de Will Proudfoot (Bill Milner), un niño criado desde su nacer en un estricto ambiente religioso de un modesto pueblo inglés, en el cual le está prohibido placeres como la música y las diversiones como la televisión, para así seguir el recto camino del buen cristiano. Pero su puritana vida se tambalea cuando conoce a un chico llamado Lee Carter (Will Poulter), un jovencito con una fama muy reconocida por su gran rebeldía, que realiza un cortometraje con la cámara de su hermano mayor para presentarla a un concurso de jovenes talentos para la televisión. Es cuando Will descubre a su héroe de la infancia, el más famoso de los mercenarios del celuloide, el inigualable: ¡Rambo!. Juntos, iniciarán una gran amistad que les enseñará el camino hacia la madurez llena de aventuras y variopintos personajes.

Quizás el nombre del director, Garth Jennings, no les suene de mucho a primera vista, pero si són aficionados a la ciencia-ficción, tal vez recuerden una comédia galáctica que se estrenó (aunque de forma "discreta") no hace mucho en los cines de nuestro país que contaba la história de un humano y un extraterrestre que con la ayuda de una guía espacial, buscaban la respuesta al sentido de la vida y del universo de una forma cómica e irónica. Así es, el director de "Guía del Autoestopista Galáctico" ha cambiado de género presentandonos una comédia sobre la amistad pero sin dejar a un lado su lado más fantasioso que le caracteriza.

Una muy entretenida comédia que gustará al público en general ya que en el fondo, se trata de un melodrama protagonizado por niños que prentende enseñarnos la importancia de la amistad, el valor de la família indiferentemente del ambiente en el que crezcamos y la honradez de ser uno mismo en una realidad en el que la apariencia, prevalece sobre la verdad. Todo con un agradable ritmo narrativo entremezclando momentos graciosos y dramáticos, sin avorrecer en ningún momento.

El punto amargo es que es de esas películas que a los pocos minutos de su final, volará lejos de nuestro recuerdo ya que peca de no tener nada especial al ser un argumento que aunque funcional, es muy simple. Pero si que se ha de elogiar la gran interpretación de la joven pareja protagonista por ser su primera incursión en la gran pantalla, habiendo trabajado antes en alguna serie de televisión. Sin duda lo mejor del film, que les hará pasar un buen rato durante su hora y media de duración.

Lo Mejor: La interpretación de niños imitando a adultos con la peculiar y cómica visión del director. La moraleja de la história. Y por supuesto, el gran homenaje a Sylvester Stallone.

Lo Peor: Que como muchas otras, sea de esas películas que llegan a muy pocos cines y de ser así, las proyectan en las salas más escondidas.

Por los Fisher. Descansen en paz. (Sentimentos e impresiones del final de A Dos Metros Bajo Tierra)

2009-01-09T11:57:00.012+01:00

Nota: En el siguiente artículo comento mis impresiones sobre el final de la serie A Dos Metros Bajo Tierra (Six Feet Under). A pesar de que no contiene spoilers importantes, sí que comento algunas escenas (sin nombrar ningún personaje concreto) y sobretodo hablo de los sentimientos que me despertó dicho final. Por tanto, si estáis viendo la serie o la pensáis ver (si no la pensáis ver ya os aviso que os perderéis la mejor serie de televisión de la historia y vuestra vida no será lo plena que podría haber llegado a ser en caso de haber visto esta serie, haced lo que creáis) y queréis llegar por completo vírgenes al final, quizá no deberíais leer este artículo, y dejarlo para cuando hayáis completado la serie. Si no os importa tener alguna pista (aunque nunca datos concretos) sobre qué tono tiene el final, creo que podéis seguir leyendo tranquilamente. Este gran final es algo que debe vivir en persona cada uno, así que nada más lejos de mi intención el chafarlo. Y tranquilos, el mismo título del artículo y sus útlimas frases no son spoiler, sino que hacen referencia a la "defunción" de la serie en sí misma. Bueno, decidid si seguir leyendo.

Por los Fisher. Descansen en paz.

“Que descanse en paz”. Fundido en blanco. Fin. Tras 63 episodios y alrededor de nada menos que 50 horas de duración concluye la que sin ningún tipo de complejo debe ser declarada como la mejor serie de televisión de la historia, A Dos Metros Bajo Tierra (Six Feet Under). Sin duda un final excelente para una serie igualmente excelente. A lo largo de todos esos episodios hemos acompañado a la familia Fisher a través de su viaje personal por la vida, hemos estado con ellos siempre que han sufrido, pero también en sus celebraciones. Pero toda historia tiene su final, y por mucho que nos duela aceptarlo, ésta también. Desde el momento en que comienza el capítulo (con un comienzo que finalmente rompe voluntariamente la regla establecida desde el mismísimo primer episodio), no se puede dejar de pensar que estás acompañando a los Fisher por última vez, que todo lo que te queda por saber de ellos te lo van a contar en los próximos minutos, y por supuesto eso hace que todo el capítulo en sí sea tremendamente agridulce. Transcurren los minutos mientras degustamos lentamente cada uno de estos últimos momentos, mientras se sientan las bases de cómo quedarán las cosas al acabar por fin la serie. Y llegamos al final. Un excelente plano secuencia nos conduce por toda la casa Fisher, mostrándonos cuánto han cambiado las cosas desde esos primeros días que pasamos junto a la familia. Una escena que supone un auténtico canto de esperanza al futuro. Pero todavía queda un demonio por exorcizar. Los Fisher tienen una espina clavada en la garganta que debe ser finalmente tragada para poder avanzar con esperanza hacia ese porvenir que les espera. Una última reunión por los viejos tiempos a punto de acabar. Una última cena. Una última frase. “Que descanse en paz”. Atrás queda el pasado. Fundido en blanco. Fin. Un final excelente para una serie excelente.

Durante unos breves segundos, que sin embargo transcurren endiabladamente lentos, asimilamos todo lo que hemos visto y nos disponemos a incorporarnos en el sofá. Y es ahí cuando Alan Ball, creador y principal guionista de la serie, se apodera del más duro de los bates y nos golpea en todo el estómago. Nos inclinamos de dolor y aprovecha para batearnos la cabeza. Caemos al suelo y aprovecha para patearnos el estómago. Y ahí, indefensos, sin nada a lo que aferrarnos, nos abandona con su macabra sonrisa. Mientras le vemos alejarse lentamente no podemos dejar de preguntarnos: “¿Por qué? ¿Por qué has hecho esto? ¡Tenías un final excelente! ¿Por qué no te paraste ahí?”. ¿Por qué? Pues simplemente porque este hombre no se conformaba con un final excelente. No. Este hombre quería cerrar su serie con el mejor final, no ya de la historia de la televisión, sino superando incluso cualquier final que hayamos podido ver en pantalla grande. Y es que esos últimos 5 minutos, históricos, sólo pueden considerarse como el mejor regalo para todos aquellos que hemos compartido tantos y tan buenos momentos con la familia Fisher. Un regalo duro, muy duro, sí, pero imprescindible y, sobretodo, merecido. Cuando empieza este maravilloso epílogo, lo recibes con una inocente sonrisa, sin apenas darte cuenta de qué significa realmente. Una sonrisa cuya única función es tratar de contener esas lágrimas que luchan por salir. Las imágenes se suceden rápidamente, sin tiempo para pensar en lo que estás viendo, y de repente lo comprendes. La sonrisa desaparece, el último bastión cae, las lágrimas son finalmente libres. Y todo acaba. Definitivamente. Pero no puedes alejar esas últimas imágenes de tu mente. Vuelven y vuelven, una y otra vez, mientras sigues oyendo esa música melancólica. Y cada vez que vuelven de nuevo, adquieren un mayor sentido. Cada vez que vuelven son un poco menos tristes, hasta que alcanzan su verdadero valor. Es un final feliz. El final más decididamente feliz con el que pudiéramos haber soñado. Pero entonces, ¿Por qué cada vez que lo volvemos a ver (porque, oh sí, lo volvemos a ver, ¡vaya si lo volvemos a ver! Y no sólo una vez) caemos de nuevo en la trampa y cedemos a las lágrimas? ¿Por qué sólo de recordarlo se nos acelera el corazón, se nos forma el nudo en la garganta y debemos luchar por contenernos? Ahí radica la grandeza de este final, la grandeza de esta serie. A lo largo de toda la serie, un mensaje resulta evidente. Podemos, debemos, aceptar y asimilar la muerte. Debemos ser conscientes de su presencia, incluso de su proximidad. En cualquier momento caeremos, y si no somos nosotros primero, será el de al lado. Algunos consiguen aceptarla, otros no. Pero aún habiéndola aceptado, en cuanto golpea es inevitable sentir dolor, innecesario evitarlo. De quien se ha ido, quedan todos los recuerdos. Para quien queda, el camino continúa. El coche debe arrancar de nuevo, volver a la carretera, y dirigirse a su próximo destino. Durante los maravillosos 63 capítulos se nos había lanzado este mensaje, y habíamos sido testigos de cómo los diferentes personajes hacían frente a la muerte. Pero al final, los protagonistas somos nosotros. A nosotros es a quién se le pregunta directamente. Casi como si asistiéramos al colegio, los últimos cinco minutos son un examen de lo que hemos aprendido. ¿Estamos preparados para la llegada de la muerte? Me ha quedado claro que no, yo nunca lo estaré. ¿Podemos finalmente aceptarla? Sí, por supuesto que podemos. Y debemos hacerlo.

Como los Fisher en su cena de despedida de los viejos tiempos, yo también debo tragarme esta espina que se me atraganta para poder continuar el camino. Como ellos, voy a brindar. Por Nate. Por Ruth. Por Keith. Por David. Por Brenda. Por Claire. Por los Fisher. Descansen en paz.

Australia

2009-01-08T10:19:00.005+01:00

Con aires de superproducción de los años ’50 llega a nuestras pantallas la nueva película de Baz Luhrmann, el controvertido director de Romeo + Julieta y Moulin Rouge. Lo mejor que se puede decir de Australia es que en sus casi tres horas de duración no llega a hacerse cansada, aun tratándose de una historia hasta cierto punto ya manida y que no llega a sorprender en ningún momento. La clara división de la película en actos marcadamente diferenciados ayuda a mantener al espectador entretenido y pendiente de la historia que transcurre en pantalla. Tras un comienzo ciertamente desesperanzador, plagado de situaciones desenfadadas ajenas al tipo de producto que se presumía, la cinta logra encauzar rápidamente el rumbo pretendido y a medida que transcurre la historia ésta se va oscureciendo y dejando atrás las notas más humorísticas de los primeros compases. Sin embargo, el problema radica en que lamentablemente Luhrmann se muestra incapaz de conectar emotivamente con el espectador y aún haciéndonos testigos de desastres como el bombardeo de una ciudad o de una misión plagada de niños, por imposible que parezca no logra emocionarnos por lo reticente que se muestra el realizador a mostrarnos la verdadera dimensión de la tragedia. Así, tanto este esperado tramo final anunciado desde los mismos comienzos de la película como los diferentes episodios dramáticos que van aconteciendo a lo largo de la historia fallan completamente a la hora de despertar los supuestamente pretendidos sentimientos de angustia o tristeza. La presencia de unos personajes absolutamente planos y carentes de interés, propios de una desfasada visión maniquea de la condición humana, no ayudan tampoco a que nos sintamos en ningún momento identificados con los protagonistas y contribuyen a mantenernos en todo momento alejados emocionalmente de lo que estamos viendo. Por tanto, Australia debe ser vista no como un producto serio sobre la guerra o el racismo (temas que se tratan de forma directa en la película) sino como una entretenida película romántica de aventuras, con el agradable y colorido estilo visual tan propio de Luhrmann, y con las siempre correctas interpretaciones de Nicole Kidman y un Hugh Jackman en clara trayectoria ascendente. Con todas sus deficiencias, es sin duda un producto más que recomendable para pasar una distendida tarde de estas fiestas navideñas.

Ficha IMDb

RocknRolla

2009-01-05T15:48:00.028+01:00

Rápida y fugazmente os olvidaréis de esta película dirigida por el ex de Madonna, Guy Ritchie. Sí, ya sé que parece lamentable que uno se acuerde de este señor por ser el ex de la famosa reina del pop, pero es que aparte de Snatch. Cerdos y diamantes, servidor apenas sabe nada más, y ésta tampoco la vi en su momento. El escaso interés que siento ahora por el director se debe principalmente a que en estos momentos se encuentra rodando la para mí esperada Sherlock Holmes, con Robert Downey Junior en el papel del detective. No sabría decir qué se puede esperar, la elección de Downey Junior aunque extraña no me disgusta en absoluto, y la elección de Guy Ritchie tras ver RocknRolla me deja indiferente. RocknRolla es una película divertida y entretenida, hay que reconocerlo, pero al cabo de poco tiempo la misma idea de la película se difumina y acaba por evaporarse. La historia gira en torno a unos mafiosos que luchan por ocupar su particular reinado de corrupción en Londres, comprando terrenos ilegalmente y moviendo dinero de un sitio a otro, dinero que por supuesto desea cualquier criminal que se precie en la ciudad, desde políticos corruptos a ladrones sin la mayor importancia. Parece ser que el director se mueve bien por los terrenos del humor negro, de la violencia canalla, los chistes cargados de insultos, y los robos perpetrados esta vez en el submundo londinense, a través de efectistas movimientos de cámara, y donde su particular mitología de yonkis, asesinos sin escrúpulos, y corruptos trajeados se pasean y delinquen a sus anchas. Gerald Butler da vida a "Uno Dos", un ladrón de poca monta que parece llevarnos de la mano por los caminos de la perdición suburbial de Londres. Butler consigue arrancarnos unas cuantas sonrisas mostrándonos su faceta cómica, apartándose de su ya icónica imagen de Leónidas en la película 300, y de la que se aprovecha Ritchie. El también espléndido Tom Wilkinson da vida a un mandamás del crimen organizado que decide dejar de lado las drogas para invertir esta vez en el sector inmobiliario, su espléndido trabajo beneficia mucho a esta irregular producción. Y es que narrativamente la película resulta algo desigual, con un muy buen comienzo y con momentos en donde lo narrado apenas tiene importancia. Un conjuto de set pieces, que componen el mural de historias paralelas, destinadas a converger en el definitivo acto de violencia a través del cual se supone el puzle acabará por solucionarse.
La fórmula de Guy Ritchie, sobre todo para quien ve por vez primera una película del director, funciona, en general resulta muy entretenida, aunque a veces parezca que los personajes deban adoptar una fingida pose para poder rellenar el lienzo de ocurrencias y tópicos que conforman esta historia de casi dos horas de duración.

El valiente Despereaux

2008-12-30T19:18:00.034+01:00

Érase una vez un lejano reino llamado Dor donde la desgracia acabó un día con las sonrisas y la alegría del pueblo, dejando a su rey abatido y a la princesa triste y desconsolada. En esos aciagos días nació Despereaux Tilli, un valiente ratoncillo dispuesto a darle la vuelta a las tornas del destino. El cuento infantil de Kate DiCamillo es un libro de 272 páginas que ha sido reducido a 94 minutos de metraje, y eso a veces se nota, sobre todo hacia el final de la película, y en algunas de las historias que conforman la bonita fábula ideada por la escritora de cuentos infantiles norteamericana. La película está dirigida por Robert Stevenhagen, realizador de la inadvertida Ratónpolis, y codirigida por Sam Fell. El diminuto ratón de desmesuradas orejas nos recuerda a veces al ratón gourmet de Ratatouille, la magnífica película de los siempre magistrales artífices que trabajan en Pixar Animation, ya que en sendos relatos la cocina tiene una importancia considerable, aunque de manera muy distinta diría yo. En aquella el acto creativo de cocinar nos llevaba por unos derroteros poco comprensibles para un niño, y en ésta los temas tratados en cambio resultan llanos y simples, pero no por ello menos válidos. Es más, si algo falta en las películas de animación de hoy en día es la inocente simplicidad propia de los relatos de estas características. Lamentablemente muchas de las películas de animación que se vienen haciendo desde que la tridimensionalidad opacó al dibujo tradicional en dos dimensiones, obvian la creativa labor de contar algo más allá de la gracia facilona e irreverente. No siempre es desdeñable, cuando como en el caso de Pixar el espectador inteligente adivina un trabajadísimo guión, que esconde siempre mucho más de lo que se nos cuenta con un primer vistazo, operando a distintos niveles, y haciéndose así con un público más adulto, permitiendo siempre la revisión, y siempre arrancándonos una sonrisa. La historia del ratoncito Despereaux nos habla del perdón, del coraje, y sobre todo de lo superficial que es a veces juzgar a los demás por la apariencia.
El Valiente Despereaux retoma la siempre agradecida labor de adaptar un cuento clásico, como antaño Disney, o no tan clásico, evitando la interminable sucesión de gags, sin dejar por ello de divertirnos. Tal vez en ocasiones el ritmo de la narración acabe por aburrir a un niño, dada la penosa falta de atención que padecen muchos de los niños hoy en día, y no tan niños, acostumbrados a frenéticos metrajes, donde poco se insinúa, y todo se expone, donde la pausada narración da paso a la inmediatez más desconcertante, y donde la reflexión más nimia apenas tiene cabida. Tal vez digo, porque la película tiene momentos muy buenos, sobre todo cuando el pequeño Despereaux deja atónitos a sus mayores en la escuela al mostrar una total falta de temor a todo lo que lo rodea, cuando precisamente en la escuela les enseñan a tener miedo, y a saber huir. Despereaux no huye y no teme a nada, y tiene el coraje de hablar con humanos, porque el ratoncito es más grande que los demás, pues su valor no tiene cabida entre seres tan medrosos, que recelan de su coraje y lo culpan por ello, porque ellos son cobardes. Un paria que deberá aceptar una vida que no esté guiada por el miedo, un mundo gobernado por dragones, y doncellas en peligro.
Cuando la película recurre a los flashbacks opta por el dibujo bidimensional, acercándose al dibujo tradicional, cuya estética acompaña perfectamente a la narración. Framestore Feature Animation es la compañía que se ha encargado de la realización visual del cuento, un muy buen trabajo, los decorados y fondos de la ciudad de Dor aunque a veces resulten algo pobres son espléndidos, y siempre se nos muestran bajo el velo pergaminoso del pintor renacentista Brueghel; sin embargo algunos de los personajes adolecen de una caracterización poco acertada, fallida en mi opinión, en cambio otros, sobre todo los principales, y muy especialmente el ratoncito Despereaux y sus progenitores, son perfectos, y resultan entrañables.
Todos nos sentimos atraídos por el diminuto roedor, cuyo valor es aún más grande si cabe que las orejotas que luce.

The Spirit (Crítica 2)

2008-12-30T13:53:00.007+01:00

Frank Miller acaba de mearse en la tumba de Will Eisner. Mearse en la tumba de alguien ya es algo grave de por sí, pero cuando encima lo haces en la de tu reconocido maestro e incluso amigo la cosa ya alcanza una dimensión excepcional. Varios días después de haber visto la película, sigo intentando encontrar algún sentido a lo que ha hecho Miller, pero por mero hastío creo que ya es momento de dejarlo aún sin haber alcanzado ninguna respuesta. Es completamente inconcebible que el autor que un día escribiera el Batman: Año Uno, 300 o Sin City, todas ellas grandes obras del cómic, haya pergeñado un auténtico despropósito de adaptación de uno de los mayores clásicos del noveno arte. Cuando saltó por primera vez la noticia de que Frank Miller se iba a encargar finalmente de la adaptación de The Spirit a la gran pantalla creo que todos los seguidores del mundo del cómic en general se sintieron muy satisfechos. De la unión de semejantes talentos no podía salir nada malo, y además el aprecio personal de Miller por Eisner era garantía de fidelidad, honradez y, sobretodo, respeto a la hora de trasladar las viñetas a la pantalla. ¿Fidelidad? ¿Honradez? ¿¿¿Respeto??? ¡Desvergüenza! Quizá lo que mas duela de todo este asunto no es que The Spirit sea una de las películas más patéticas y ridículas proyectadas jamás en un cine, tampoco el desengaño de que el otrora gran autor haya escrito un guión que podría haber firmado un niño de 4 años, lo que más duele es precisamente que haya cogido el nombre de una obra y de un autor grandes para hacerlo, de forma que la mierda no sólo le salpique a él sino también, para quien lo desconozca, al verdadero Spirit de Eisner.

Lo que ha hecho Miller no tiene nombre, pero una sola palabra basta para definirlo: “ridículo”. Al menos esto bueno se le puede sacar a la película, es un producto del todo homogéneo. Todo, absolutamente todo en esta película es ridículo. Partiendo de un argumento inexistente que no da ni para un capítulo de serie de TV mediocre de media hora Miller ha escrito un guión absolutamente ridículo, sin pies ni cabeza, lleno de diálogos y monólogos vergonzosos que provocan incluso vergüenza ajena y repleto de supuestos chistes que ni siquiera tendrían cabida en un programa de Cruz y Raya. Un guión ridículo está perfectamente protagonizado por personajes ridículos: un Spirit cansino en sus vacíos y repetitivos monólogos interiores y un Octopus que es la perfecta personificación de la ridiculez que presenta el conjunto de la obra. Del resto de personajes baste decir que cada vez que aparecen en pantalla deseas firmemente que sea la última y desaparezcan por completo de la película y de tu mente, con la única excepción del personaje de Sand Saref, no sólo por el atractivo visual que siempre acarrea su presencia sino también por ser el único personaje tratado con un mínimo (mínimo en sentido literal, no nos vayamos a emocionar) de coherencia. Y para cerrar el círculo del ridículo no podía faltar una dirección ridícula. Queda patente que Miller no tiene ni la más remota idea de dirigir cine. Por ser un autor proveniente de un medio muy diferente, y por ser ésta su primera incursión en solitario, se le habría perdonado que fallara en la dirección si al menos hubiera cumplido con un guión acorde a su talento. Sabiéndose incapaz de dirigir una película, ha optado por copiar tanto en estilo visual como narrativo el trabajo que hicieron juntos Robert Rodríguez y él mismo en Sin City. Si hasta hace cuatro días pensaba que el mérito de dicha película debía recaer más en la labor de Miller que en la de Rodríguez, ahora mismo pienso todo lo contrario. Todo lo que en Sin City era majestuosidad y elegancia en The Spirit es ridículo artificio. Vestir al personaje con una corbata roja digital movida caprichosamente o hacer las suelas de los zapatos tipo dibujo animado no son más que tretas visuales para desviar nuestra atención del patetismo que las rodea.

Nadie debería ir a ver esta película a un cine. Cada euro o dólar que pagamos por esta broma de muy mal gusto es un atentado contra nuestra dignidad como espectadores y/o lectores de cómic. El espectador no aficionado al cómic saldrá disgustado por lo ridícula de la película. Los seguidores de Miller o Eisner saldrán infinitamente encolerizados, realmente enfadados, y no dejarán de preguntarse durante mucho tiempo qué cojones le ha pasado a este hombre para llegar a hacer algo así.

Ficha IMDB

The Spirit (Crítica 1)

2008-12-28T11:20:00.024+01:00

Francamente, la película me ha aburrido, me ha aburrido muchísimo. Parece mentira que un artista de la talla de Frank Miller, cuyas novelas gráficas justifican ya de por sí el que merezca un puesto de honor entre los dibujantes de comics, haya sido capaz de amuermar de tal modo a los espectadores en la que es su primera película como director. El creador de obras como 300, El regreso del Caballero Oscuro, Batman, año Uno, o Sin City, decidió lamentablemente embarcarse esta vez en la aventura de dirigir y guionizar los comics de Will Eisner`s The Spirit, obteniendo unos muy pobres resultados visto lo visto. El héroe en cuestión, y retomando una de las constantes del director, la de hallarnos frente a un cuerpo de Policía incompetente que tiene la buena suerte de contar con alguien que sí es capaz de sacarles las castañas, es en este caso the Spirit, cuyo alter ego es un Gabriel Macht resucitado, y que deambula por la oscura, nunca mejor dicho, ciudad de Central City, salvando a damas en apuros, o persiguiendo al malvado Octopus, la némesis del héroe, cargado de codicia y malas intenciones, y cuyos acólitos clonados son de lo más ridículo. Porque de hecho la película de Frank Miller resulta ridícula, extraña, y a los cinco minutos de metraje uno sabe que desgraciadamente sólo le queda esperar pacientemente sentado en la butaca si no quiere perder el dinero que ha pagado por la entrada, aunque sea una ilusión y al cabo del tiempo uno sea capaz de admitir por fin que el dinero se perdió ya en la taquilla al pagar la entrada de la sala donde se proyecta el experimento de Miller.
La película es arriesgada, pero tampoco aporta nada nuevo, imitando la predecesora Sin City, los planos en blanco y negro, salpicados con saturadas cargas de color rojo, y brochazos en los que el rojo pasa a ser blanco, jugando con las manchas, y las sombras, rellenando las viñetas, a veces eternas, de esta insulsa historia, tal vez anacrónica hoy día, y extraña cuando se pasean sin pudor alguno elementos propios del siglo XXI, y otros propios de mediados del XX. Aunque importa poco, porque eso es lo de menos, la falta de coherencia histórica, la exageración, importan poco, ya que forman parte del juego, al igual que la brillante Sin City, pero aquí nada importa porque la narración nunca llega a involucrar al espectador, da igual lo que vaya a suceder, más allá de esperar con alegría el siguiente plano donde podamos deleitarnos con la belleza de Eva Mendes. En realidad los actores lo hacen muy bien, sobre todo Samuel L. Jackson, que parece estar involucrado en cualquier fregado del estilo, pero no es suficiente cuando la agonizante narración da coletazos continuos en busca de un aire que nunca llegará a insuflar con vida a unas viñetas bonitas y planas de puro insustanciales.
La película no es muy recomendable, ni siquiera para quienes se consideren fans del dibujante y guionista Frank Miller.

Las tinieblas de Coppola - 3ª parte

2008-12-26T13:36:00.017+01:00

En la novela de Conrad, al menos para quien escribe esto, el horror perpetrado por la Compañía belga, se me antoja incluso más horrible aún que la barbarie de Vietnam, e incomprensible. Una hipócrita actitud colonialista que vistió de progreso y de cruzada moral a las más espantosas vesanias cometidas por alguien tan injustamente olvidado, y que cuenta con inmerecidas estatuas en su país, que lo recuerdan, no como lo que fue, un sanguinario alter ego de cualquiera de los otros genocidas que han infestado a la Humanidad, sino como un monarca de poca monta que figura en los libros de historia, y poco más. Hipócrita resultó también el apoyo norteamericano, vestido de cruzada moral, al dictador Ngô Dinh Diem, protegido de Washington, con ayuda militar, y contra las fuerzas comunistas de Vietnam del Norte que apoyaron la FNL (Fuerzas Armadas de Liberación Popular), organización rebelde que luchó primero contra el colonialismo francés, y luego contra la República de Vietnam del Sur, y al Viet Cong. Éstos controlaban gran parte de las poblaciones rurales del sur y por eso Estados Unidos intervino aún a pesar de que no fueran una amenaza a la dictadura de Ngô Dinh Diem. El Viet Cong y las Fuerzas Armadas de Liberación Popular, comenzaron entonces la guerra de guerrillas abastecidos a través de la ruta Ho Chi Minh por el ejército norvietnamita, y que habría de durar más de diez años. Ambas realidades, la del genocida rey Leopoldo II, y la de la imposible guerra contra los comunistas de Vietnam del Norte, son igualmente “sucias” y terribles. Leopoldo II acabó al menos con la mitad de la población congolesa en veintiún años como quien dice, y consiguió destruir las instituciones, tradiciones, y dignidad de los nativos. La guerra del Viet Cong y el ejército norvietnamita contra los norteamericanos fue el fruto de las continuas hostilidades ya existentes en aquel entonces. Ho Chi Minh, en Vietnam del Norte, había comenzado ya una profunda reforma agraria a través del terror, donde miles de personas fueron ejecutadas, torturadas y encarceladas, acusadas de ser terratenientes, por lo que muchos huyeron a Vietnam del Sur, donde gobernaba el nepotista dictador Ngo Dinh Diem, admirador de Adolf Hitler y adicto al opio, y que hizo encarcelar en campos de concentración y ejecutar a cientos de personas que amenazaban su dictadura.
Francis Ford Coppola desterró los elementos ficticios con que se había maquillado la guerra de Vietnam a lo largo de los años, y ya desde el año 1955 con Jump into Hell, durante la colonización francesa en Vietnam y su lucha contra la guerrilla de Ho Chi Minh, hasta la panfletaria Boinas verdes con John Wayne a la cabeza del reparto, o películas con tintes de comedia como MASH o Los chicos de la compañía C. La huella del conflicto no se ha dejado de sentir, aunque sea veladamente, en muchas películas que no son tan siquiera bélicas. Pero ninguna como la de Coppola ha sido capaz de mostrar la locura incoherente de una guerra tan oscura como fue la de Vietnam. “La Guerra de Vietnam no fue una guerra como las demás, y por ello mientras la hacía, no quería que esta película fuera una película de guerra como las demás”, decía Coppola. Y por ello el realizador norteamericano encontró en la obra de Conrad el sustrato narrativo necesario con el que poder desarrollar una historia mural que desembocara en el torbellino alucinatorio que sufre quien se adentra en el corazón de las tinieblas, y que cubrieron la horrenda guerra contra los norvietnamitas, y el Viet Cong del sur de Vietnam, como denominaban los vietnamitas del Sur, el “Víctor Charlie” de los norteamericanos.
La pesadilla de Coppola nos recuerda, en palabras de Joseph Conrad, que “vivimos como soñamos, solos”

Las tinieblas de Coppola - 2ª parte

2008-12-26T13:32:00.017+01:00

Apocalypse Now se construyó sobre la base de la novela de Joseph Conrad, El corazón de las tinieblas, y de la que emanaron los aspectos fundamentales de la película, aunque con distinto cariz, dada la diversa naturaleza de las situaciones planteadas. La primera utilizaba la guerra de Vietnam como ”telón de fondo”, en palabras del mismo realizador, y abarcaba cuestiones que finalmente superaban a la propia guerra, conduciéndonos a los abismos del “horror” que asola el corazón y la mente del desesperado Kurtz. El horror mismo de la guerra, pero incluso más diría yo, el horror de quienes creen haber encontrado en la primordial brutalidad del ser humano la perfección sobrehumana, carente de sentimientos, desapasionada, y sin juicio alguno, capaz de vencer las fronteras entre lo que está bien y lo que está mal. Una absurda y terrible teoría defendida por una persona anímicamente destrozada por las circunstancias, las de la impía guerra cuya infinita voluntad de destruir y vencer al enemigo pueden conducir a las más atroces acciones, porque “es el juicio” según Kurtz, “lo que nos derrota”. La obra de Conrad en cambio nos lleva de la mano por la pesadilla de Charlie Marlow, alter ego del capitán Willard en la película, a lo largo del Río Congo, a finales del siglo XIX, durante la aventura colonial europea en África. Marlow al igual que Willard también debe encontrar a Kurtz, jefe de una explotación de marfil, y del que se sabe poco desde que desapareció río arriba. El “horror” del que el coronel Kurtz hablaba en la película comparte su más íntima naturaleza con la del “horror”del Kurtz de la novela. Es la vuelta a la primordial brutalidad del ser humano de la que hablaba antes, pero en esta ocasión, el caos del que surge éste viene dado por el espantoso período en el cual la Compañía belga del olvidado rey Leopoldo II, cometía las más espantosas atrocidades en nombre del progreso. El sanguinario rey Leopoldo II gobernó su colonia africana, el Congo, hasta 1906, año en el que no tuvo más remedio que claudicar y ceder su propiedad al Estado belga, dada la enorme presión pública, por los horrores y la cantidad tan enorme de crímenes cometidos en la desafortunada población centroafricana.
Durante mucho tiempo se fraguó la mentira en la cual muchos intelectuales vieron la oportunidad, respaldados por el genocida belga, de civilizar a los salvajes que habitaban esa parte de África. El rey Leopoldo II fue en palabras del escritor Vargas Llosa “condecorado, bañado en incienso religioso y periodístico, y considerado un redentor de los negros” En realidad la Compañía belga se ocupó de torturar a miles de infelices para que llegaran a cubrir las cuotas especificadas de caucho y marfil. A través del terror, el asesinato, las mutilaciones y los castigos corporales para quienes no cumplían con las cuotas. Como consecuencia murieron entre cinco y ocho millones de nativos, y Leopoldo II de Bélgica pasó a ser el hombre más rico de Europa. La experiencia africana transforma al capitán Charlie Marlow, del mismo modo que la experiencia a través del río en Vietnam opera la mutación del capitán Willard. Ambos personajes admiran, y de forma contradictoria, al enigmático Kurtz, mientras ascienden por un río peligroso plagado de nativos que acechan en los recodos, y en medio de una naturaleza feroz, de calor sofocante, que va moldeando las ideas que ambos personajes fraguan en sus mentes. “Remontar aquel río era como volver a los inicios de la creación cuando la vegetación estalló sobre la faz de la tierra y los árboles se convirtieron en reyes” Marlow mitifica a Kurtz, un agente comercial capaz de enviar cantidades de marfil muy superiores a las de cualquier otro agente o de todos ellos juntos, de mente lúcida, y cuyos planes e ideales de progreso parecen brillantes. Kurtz había redactado un manual que pudiera guiar la tarea civilizadora y comercial en esa parte del Congo: «Cada estación de la compañía debería ser como un faro en medio del camino, que iluminara la senda hacia cosas mejores». Del mismo modo, Willard no comprende cómo alguien como el coronel Kurtz, con un pasado militar y académico intachable, pueda haber sucumbido finalmente a una barbarie tan ancestral, abandonando la luz por la tiniebla más impenetrable, la que se oculta en el corazón de cada hombre y que emerge furiosamente cuando éste se ve rodeado de las tinieblas de la guerra, o la codicia desmedida en las colonias europeas. Charlie Marlow dice: “No podíamos entender porque nos hallábamos muy lejos, y no podíamos recordar porque viajábamos a la noche de los primeros tiempos; de esas épocas ya desaparecidas, que dejan con dificultades alguna huella…pero ningún recuerdo. La tierra no parecía la tierra. Nos hemos acostumbrado a verla bajo la imagen encadenada de un monstruo conquistado, pero allí…allí podía vérsela como algo monstruoso y libre” Kurtz en ambos casos, en la película de Coppola, y en la novela original, acaba apartándose drásticamente de la luz inmerso como está en la oscuridad hostil de la jungla, y cuando Willard/Marlow lo encuentra está ya totalmente corrompido. El Kurtz de Conrad yace enfermo en una miserable choza rodeada de cabezas humanas empaladas, una situación muy similar a la de la película de Coppola, pero en vez de soldados “montagnard” fieles seguidores de su “dios”, el Kurtz de la novela somete a través del terror a los adoradores indígenas, y padece un ansia ilimitada de poder y riqueza. “La selva había logrado poseerlo pronto y se había vengado en él de la fantástica invasión de que había sido objeto. Me imagino que le había susurrado cosas sobre él mismo que él no conocía, cosas de las que no tenía idea. Al quedarse solo en la selva había mirado a su interior y había enloquecido. El denso y mudo hechizo de la selva parecía atraerle hacia su seno despiadado despertando en él olvidados y brutales instintos, recuerdos de pasiones”

Las tinieblas de Coppola - 1ª parte

2008-12-26T13:19:00.024+01:00

“Yo estaba allí, en medio de la selva, y todo el mundo me miraba. Teníamos problemas, no sólo a causa de las terribles tormentas y las tensiones en el trabajo, sino porque habíamos llegado a un punto en el que no podíamos continuar con la película […] Tenía dificultades y a nadie a quien pedir ayuda […] Al final llegué a un punto en el que dejé de luchar y me iba a la cama pensando: “Se acabó; no puedo, no puedo hacerlo”. Una vez desperté y me di cuenta de que daba igual. Al igual que el tipo que dice: no necesito el trabajo, no necesito un coche nuevo, no necesito triunfar en mi carrera; en la vida hay cosas más bellas e importantes que eso. Así que empecé a pensar que podía convertir la película en algo personal, que podría seguir mis instintos sin preocuparme de nada más. Aunque fracasara, al menos habría rodado la película que quería.”
Con estas palabras definía Francis Ford Coppola su personal experiencia a lo largo de los 238 días del rodaje en Filipinas de la que es ya su obra magna, la mítica Apocalypse Now; y al igual que el capitán Willard, el personaje de ficción que remonta el río en pos del coronel Kurtz, Coppola tuvo que remontar su propia senda de las pesadillas para poder finalmente concluir la filmación de la misma, en un insensato empeño por hallar respuestas a modo de catarsis, y a través del viaje, en este caso por entre las entrañas de Vietnam, al horror de la guerra, una guerra sucia y extraña, extraña como la película.
“El film trata en un principio de situar al espectador en un lugar agradable y luego le hace remontar el curso del río. Y realmente remontas el río, y al final te das cuenta de que te has vuelto loco y que no sabes cómo has podido llegar hasta aquí. Y Vietnam era un poco eso” Coppola quiso con esta película plantear las grandes preguntas que la guerra de Vietnam suscitó en los americanos, y poder tratar de la noción del bien y el mal, “algo con lo que uno siempre se encuentra al tratar un tema en que hay personas que creen ser muy buenas, muy morales y que hacen cosas que parecen terribles”. Recuerdo que la primera vez que vi la película pensé en lo extraño que resultaba el hecho de comenzar a ver una película bélica al uso, y acabar viendo una inclasificable sucesión de secuencias en las que ya se había operado el cambio, a lo largo del río, y que derivaba en la locura de llegar a no cuestionarse a Kurtz y sus actos de terror. Un personaje mítico que ha sabido adaptarse a la violencia del entorno en su pequeño reino construido en lo más recóndito de la selva. La mesiánica presencia del coronel también llega a subyugar al transformado Willard, que duda de la misión que le han encomendado, la de acabar con un enloquecido coronel Kurtz, carente de método alguno, como le apunta el capitán Willard a éste. Al respecto Willard dirá: “En el río pensé que en el momento que le viera sabría que hacer, pero no fue así. Estuve allí con él durante días, sin vigilancia, me tenía libre. Sabía que no me iría a ningún lado” Willard es sin embargo para Kurtz, “el chico obediente que mandan los tenderos a cobrar la factura. “
Coppola de hecho pensó en concluir su Fitzcarraldo personal con el pesimista devenir a que la nefasta rueda de la vida conlleva, un infinito círculo sin principio ni fin, y que en el caso de Willard le llevaba a ocupar en realidad el puesto de líder de los soldados “montagnard”, que custodiaban al loco de Kurtz antes de su asesinato, en el pequeño reino selvático. Aún así, el final alternativo adoptado por la Distribuidora United Artists, el que todos conocemos, parece de igual modo arrastrar a Willard al principio de la historia, cuando desmoralizado espera una misión que lo arranque de su soledad en Saigón: “Mierda, aún sigo solo en Saigón. A todas horas creo que me voy a despertar de nuevo en la jungla. Cuando estuve en casa durante mi primer permiso era peor. Me despertaba y no había nada […] Cuando estaba aquí quería estar allí; cuando estaba allí, no pensaba más que en volver a la jungla.” Irónicamente, los créditos iniciales arrancan al son de la canción de Jim Morrison que nos advierte ya de que lo que estamos viendo es el fin.

Superfumados

2008-12-24T14:05:00.005+01:00

Si alguna vez os acercáis aunque sea lo más mínimo a una sala en la que se proyecte esta película, haced caso a Gandalf y huid, ¡huid insensatos! En caso contrario os encontraríais presenciando la más insustancial, sosa y vacua de las comedias. Dos palabras bastarían para describir a esta película: Basura infumable. Realmente hacía mucho tiempo (quizá desde la insufrible Guardianes de la Noche) que no me aburría tanto en un cine. Este año me he reído a carcajadas viendo Zohan, y por poner un ejemplo de película de argumento similar a la que nos ocupa, Airbag se encuentra entre mis comedias preferidas. Superfumados es una soberana estupidez. Intenta ir de comedia transgresora utilizando camellos y colgados como protagonistas o añadiendo relaciones entre adultos y menores, pero en ningún momento llega a plantear situaciones políticamente incorrectas. La cinta gira y gira y uno no sabe si está viendo una comedia sin gracia o una película de acción de serie B, más que nada porque sus propios responsables son los primeros sin saber qué estaban haciendo. Ni un solo gag encontramos capaz de hacernos reír, puesto que la cinta carece por completo de humor ya no digamos verbal sino visual siquiera. Entre tanta basura, sólo James Franco se libra de la quema por su correcta interpretación dando lugar a un simpático personaje al que, en una película con la dosis mínima de interés, se le podría haber sacado un gran partido cómico. Y ya he perdido más tiempo del que se merece esta película para hacer la crítica, pero me sentía obligado a avisaros de que ni os acerquéis a tamaña bazofia. Y no, ni aunque fuéramos emporrados hasta las cejas llegaríamos a reírnos viéndola.

Ficha IMDB

Crepúsculo

2008-12-22T13:20:00.004+01:00

El vampiro es sin duda una de las figuras más románticas salidas de la imaginación humana. Si el nacimiento del vampiro literario se lo debemos a los grandes escritores románticos del siglo XIX como Polidori, Le Fanu o Stoker, el renacimiento se lo debemos a Anne Rice cuando hace ya más de 30 años publicó su Entrevista con el Vampiro, dando inicio así a una larga saga que se ha extendido hasta hace pocos años. Por lo que se intuye tras ver Crepúsculo, la saga literaria de Stephenie Meyer bebe mucho de la concepción del vampiro de Rice, pero siempre lejos de la profundidad a la que nos tiene acostumbrados la bruja de Nueva Orleáns. Crepúsculo no es una historia de terror, ni misterio ni acción. Crepúsculo es una historia de amor, una película romántica protagonizada por vampiros. La pega que se le puede achacar a la película es que no acaba de aprovechar todo el potencial que brindan estos seres de ultratumba y por ello acaba resultando un producto ciertamente deshinchado. El utilizar el vampiro como un inmortal seductor no es nada nuevo, todos los autores mencionados anteriormente ya lo hicieron hace cerca de 200 años. Desde este punto de vista, la película consigue sus mejores momentos durante la primera mitad de la cinta en la que la joven Bella Swan es seducida por los encantos del vampiro Edward Cullen y somos testigos de la caída de Bella a los precipicios de la locura amorosa. A lo largo de todo esta parte de la película se nos dejan caer poco a poco todos esos rasgos que han caracterizado al vampiro moderno como ese inmortal seductor, capaz de crear una atracción casi animal en los mortales que le rodean, esclavo del precio de la sangre para mantenerse con vida, y con una fuerza y sentidos sobrehumanos. Lamentablemente, una vez la pareja se ha consolidado la cinta no consigue adquirir la consistencia suficiente y el interés decae a una velocidad estrepitosa. A partir de este momento nos encontramos con toda una serie de secuencias tan desaprovechadas como el momento Los padres de él o tan innecesarias como el partido de béisbol, que apenas aportan nada a la historia que se nos contaba hasta el momento. En lugar de estas escenas tan asépticas, en el tramo central de la película se hace evidente la necesidad de situaciones mucho más conflictivas, aprovechar la innata dualidad del vampiro como fuente de vida y muerte más que diferenciar tan descarada e irrealmente a los vampiros buenos de los vampiros malos.

Siendo la adaptación de una novela de gran éxito a nivel mundial, sorprende el bajo presupuesto del que dispone la cinta y el enfoque intimista que se le ha otorgado, totalmente opuesto a las grandes superproducciones que nos suelen ofrecer en estos casos. En este sentido cabe destacar la estupenda interpretación de la pareja protagonista, unos poco conocidos Kristen Stewart y Robert Pattinson que cumplen a la perfección con sus papeles de adolescente perdidamente enamorada la una y vampiro chulo y sobrado pero a la vez tierno el otro. Las interpretaciones individuales de cada uno de los dos actores confluyen en una actuación conjunta fruto de una química innegable desde su primer encuentro, y que sostiene en todo momento el peso de la cinta. El contrapunto negativo lo ponen unos personajes secundarios totalmente planos y carentes de interés, con la única excepción del padre de Bella, que consigue escaparse de los estereotipos del sheriff de pueblo para configurar un personaje propio y lleno de interesantes matices. Siguiendo con el tono general de toda la película, en la factura técnica nos volvemos a encontrar con una de cal y otra de arena. La preciosa fotografía de los paisajes naturales de la frontera estadounidense con Canadá, con esos lluviosos bosques en los que los escasos rayos de luz deben luchar contra metros y metros de enmarañados ramajes para alcanzar el suelo, contrasta con la tosca e inexperta utilización de unos efectos especiales a años luz de la tecnología que se maneja hoy en día incluso en proyectos de bajo presupuesto.

Estamos pues ante una película con un planteamiento interesante, que devuelve a los vampiros a la primera línea de actualidad, y sostenida por unas interpretaciones sólidas y convincentes. Lamentablemente el resultado se ve empañado por un desarrollo simplista, que aleja al espectador de cualquier atisbo de conflicto moral frente a lo que está viendo, y una dirección por momentos tosca que no acaban de fraguar el producto final que podría haber sido. Esperaremos a ver si la siguiente entrega, en la que Chris Weitz (La Brújula Dorada) sustituirá a Catherine Hardwicke tras las cámaras, solventa los mencionados errores llevando la historia a terrenos más tenebrosos a la vez que mantiene los aciertos de esta primera parte. Si todo sigue según lo previsto, tendremos la respuesta allá por noviembre de 2009.

Ficha IMDB

El intercambio

2008-12-21T20:53:00.012+01:00

Los Ángeles 1928, Christine Collins, la protagonista del nuevo drama presentado por el actor y director Clint Eastwood, deberá enfrentarse a la angustiosa experiencia de perder un hijo, para luego padecer la desesperada impotencia de quien se sabe engañada por un corrupto y despreciable Departamento de Policía que busca a toda costa lavar su imagen, anteponiendo para ello sus deleznables intereses al bienestar de la madre y el hijo; un hijo al que la Policía deja de buscar cuando afirma por fin haberlo encontrado, aún a pesar de las repetidas negativas de Christine Collins que desesperada clama por el error de estos, al descubrir que el niño hallado no es en realidad su hijo. La historia nos depara aún otros oscuros acontecimientos. Con precisión, y con una ya característica pausada elegancia, el director de Million Dollar Baby, y Sin Perdón, nos transporta esta vez, ya desde el primer instante en el cual el logo de la Universal aparece en pantalla con el aspecto que lucía en los años 20, a la ciudad cinematográfica de Los Ángeles en aquellos años antesala del cine sonoro, cuando Chaplin conseguía sus mejores comedias, y el Western triunfaba alcanzando su carácter emblemático, no en vano el niño Collins tiene como héroe a un actor de westerns en el Hollywood de aquel momento, y sueña con poder cabalgar un día sobre el lomo del caballo del héroe. La ambientación es perfecta, transpira realidad y verdad en todo momento, y los planos, siempre con la austeridad característica en Eastwood, no dejan nunca de resultar majestuosos y armónicos con el resto de la historia, que no hace alardes, y se beneficia de una narración precisa. Los abominables acontecimientos que tuvieron lugar durante aquellos años nos dejan pasmados cuando comprobamos la indefensión de la mujer por aquel entonces, rodeada de un incomprensible machismo, y donde una tolerada violencia, cuando éstos pegan a sus mujeres, da pie incluso a una aún más deleznable canallada, la de encerrar en un manicomio a las mujeres que llegan a quejarse en exceso por la violencia soportada. La historia emana tensión, sin exponer a los personajes en exceso para no caer en el melodrama más absoluto, aunque la cosa es para echarse a llorar, dada la dureza de la historia. El maestro Eastwood, porque para quien esto suscribe desde luego lo es, peca en ocasiones de maniqueo, porque aunque la actuación de Angelina Jolie es brillante, su personaje en ocasiones acaba distanciándose demasiado del espectador, tal vez por la “perfección” que parece exhibir a lo largo de las dos horas y veintidós minutos que dura la película, tal vez por una marcada diferencia con cualquiera de las otras mujeres que la rodean a lo largo de la pesadilla, y que hace que ella sobresalga siempre, provocando la falta de atención sobre tan dramático personaje.
La película nos sorprende con un giro inesperado cada vez que el extenso metraje parece estar dilatándose más de lo necesario, creando por momentos la extraña sensación de estar presenciando el final, cuando de hecho, la historia no ha pronunciado aún su última palabra con respecto al asunto Collins.
Un drama conmovedor narrado con el característico buen hacer del septuagenario realizador norteamericano.

Ultimátum a la Tierra

2008-12-15T22:50:00.039+01:00

Ultimatum a la Tierra es el título en español de la película norteamericana The day the Earth stood still, como se ve, la susodicha adaptación al castellano nos indica ya por adelantado el ultimátum que se nos está lanzando, y a modo de advertencia, por parte de vete a saber tú quién, para que dejemos ya de una vez de gastar el dinero ante insulseces del estilo. La película, que se une a la ola de remakes de películas de ciencia ficción que ya cuentan con cinco décadas al menos a sus espaldas demuestra con creces lo inútil del esfuerzo, y uno se pregunta por qué debería tomarse nadie tantas molestias en hacerlo. El realizador Scott Derrickson nos sorprende con una nada memorable revisión de la primera versión, basada en la historia de Harry Bates Farewell to the Master, y dirigida por Robert Wise, que fue rodada durante la Guerra Fría, cuando proliferaron las películas alarmistas en una sociedad temerosa ante cualquier invasión comunista, o para el caso, extraterrestre, en definitiva, que pudiera acabar con el estilo de vida norteamericano; los extraterrestres con avanzadas tecnologías eran muy adecuados para la tarea destructiva, y más rentables, cinematográficamente hablando.
La película de Derrickson carece de aliento, y nos recuerda por enésima vez lo malvada que es la raza humana con la Naturaleza, y cómo la irresponsable conducta de éstos, los humanos, tiene sus consecuencias. El asunto, así planteado, carece de relevancia hoy día, porque ya no necesitamos robots ni alienígenas que nos recuerden lo desastroso de nuestra conducta. La historia, a pesar de ello, podría haber intentado ser más interesante, si no hubiera decidido dormirse en los laureles de los efectos digitales, impresionantes para variar, y haber evitado la rutina narrativa, a la cual ni tan siquiera el buen hacer de Jennifer Conelly consigue sacar a flote. La película no convence y cuando los créditos aparecen en pantalla por fin, es difícil evitar preguntarse cómo consiguen hoy en día muchos directores que no sintamos emoción alguna ante algo que se presupone debería ser un gran espectáculo, y uno tenga la sensación de haber estado suspendido en el vacío durante dos horas.

Índice

2008-12-15T10:54:00.130+01:00

Índice de todas las críticas y artículos del blog.

0-9

300 (Miguel)

A

A ciegas (g4f5g6)
A Dos Metros Bajo Tierra: Por los Fisher. Descansen en Paz (Artículo) (Miguel)
Australia (Miguel)

C

Camino (Gabriel)
Crepúsculo (Miguel)
Cine versus literatura (Gabriel)

D

Déjame entrar (Miguel)

E

El Caballero Oscuro, o el efecto Lucifer - 1ª parte (Artículo) (Gabriel)
El Caballero Oscuro, o el efecto Lucifer - 2ª parte (Artículo) (Gabriel)
El curioso caso de Benjamin Button - Crítica 1 (Gabriel)
El Curioso Caso de Benjamin Button - Crítica 2 (Miguel)
El desafío: Frost contra Nixon
El Greco (Gabriel)
El Hijo de Rambow (John)
El Intercambio (Gabriel)
El luchador (Gabriel)
El valiente Despereaux (Gabriel)
En el Nombre del Rey (Miguel)

G

Gomorra (Gabriel)
Gran Torino (Gabriel)

I

Indy IV, lo que pudo ser y no fue - 1ª parte (Artículo) (Gabriel)
Indy IV, lo que pudo ser y no fue - 2ª parte (Artículo) (Gabriel)

L

La duda (Gabriel)
La Semilla del Mal (Miguel)
La teta asustada (Gabriel)
Las tinieblas de Coppola - 1ª parte (Artículo) (Gabriel)
Las tinieblas de Coppola - 2ª parte (Artículo) (Gabriel)
Las tinieblas de Coppola - 3ª parte (Artículo) (Gabriel)

M

Madagascar 2 (Miguel)
Mongol (Gabriel)
Mi nombre es Harvey Milk (Gabriel)

O

Outlander (Miguel)
Ong Bak 2 (John)

P
Peter Jackson, adaptando a Tolkien - 1ª parte (Gabriel)
Peter Jackson, adaptando a Tolkien - 2ª parte (Gabriel)
Peter Jackson, adaptando a Tolkien - 3ª parte (Gabriel)

Q

Quantum of Solace - Crítica 1 (Gabriel)
Quantum of Solace - Crítica 2 (Miguel)

R
RocknRolla (Gabriel)
Revolutionary Road - Crítica 1 (Gabriel)
Revolutionary Road - Crítica 2 (Miguel)

S

Saw V (Miguel)
Señales del Futuro (Miguel)
Sex Drive (John)
Siete almas (Miguel)
Slumdog Millionaire (Gabriel)
Superfumados (Miguel)

T

Terminator Salvation (John)
The Fall - Crítica 1 (Miguel)
The Fall - Crítica 2 (Gabriel)
The Spirit - Crítica 1 (Gabriel)
The Spirit - Crítica 2 (Miguel)

U

Ultimátum a la Tierra (Gabriel)
Un Chihuahua en Beverly Hills (John)

V

Valkiria (Miguel)
Viernes 13 (2009) (Miguel)

W

Watchmen (Miguel)

X

X-Men Orígenes: Lobezno (Miguel)

El caballero oscuro, o el efecto Lucifer - 2ª parte

2008-12-14T19:13:00.035+01:00

A través de los resquicios que asoman por entre la acción uno adivina que hay algo más, la insistencia de Batman no es vana, pues de hecho, él más que nadie persigue al héroe que cada uno de los ciudadanos de Gotham puede llegar a ser, y poder así desechar la máscara, retirándose definitivamente de las calles de Gotham. No es raro hoy en día que, sobre todo entre los ávidos lectores de comics, exista la creencia de que dado que los héroes tienen superpoderes sólo éstos pueden combatir al mal, dándose el gustazo de ser héroes. Pero eso no es del todo cierto, con las evidentes diferencias que hay respecto de las fantasías de la mayoría de éstos. El caballero oscuro ahonda en el asunto cada vez que aparecen en escena Harvey Dent, Rachel, Alfred, o el comisario Gordon. Porque estos cumplen la función del ciudadano medio que debe rechazar día a día el mal que los acecha, sin tener que recurrir a las artimañas del hombre murciélago, y sin una máscara que oculte su rostro. Un heroísmo más prosaico por lo general, pero que puede sortear exitosamente los caminos de transformación en el carácter.
El efecto Lucifer se manifiesta a través de siete procesos, que son: primero el dar mecánica y estúpidamente el primer pequeño paso, cometiendo pequeños males. Segundo deshumanizando a los otros, como pueda ser el hecho de excusar las malas acciones con la ausencia de respeto o el desprecio total hacia los demás, ya sea por racismo, clasismo, elitismo, o lo que uno quiera inventar para justificarlo a uno mismo. Tercero, desindividualizarse, creando el anonimato, al ponerse uno una máscara, y que en el caso de la policía de Gotham abre las puertas de la corrupción, del mismo modo que los soldados en Abu Ghraib aplicaron la tortura a los prisioneros de guerra respaldados por la autoridad, lo que nos lleva al cuarto proceso, difuminar la responsabilidad personal, la del soldado que sigue las órdenes de un superior mediante la ciega obediencia a la autoridad. El comisario Gordon resiste al efecto Lucifer, no dejándose nunca atrapar por la tolerada corrupción silenciosa que lo rodea, esto sucedía, sobre todo, en la primera entrega de Batman. Quinto, mediante una conformidad carente de autocrítica hacia el grupo y las normas. Sexto, a través de la tolerancia pasiva hacia el mal, mediante la inacción, o la mera indiferencia, Rachel y Harvey Dent como abogados comprometidos, encarnan todo lo contrario, aunque lamentablemente, al final, Harvey Dent sucumba al efecto Lucifer, dando paso al nuevo villano, Dos caras. Y séptimo y último, frente a nuevas situaciones, o frente a lo nuevo, cuando el bien da paso al mal.
El caballero oscuro, representa más que ninguna otra película del género, la lucha no contra el mal, sinó contra el mismo efecto Lucifer, de hecho el Jócker hará todo lo que esté en sus manos para conducir a los buenos hacia el mal, y por eso mismo la victoria del Jócker, en el colmo de su cinismo, no consistirá únicamente en conducir a los demás a la destrucción y a la muerte, sino que vencerá cuando los demás sucumban al mal. El gran acierto de Christopher Nolan radica en haber compuesto un imbricado de relaciones, donde las decisiones de unos afectarán las de los demás, volviéndose incluso más doloroso en el caso de Batman, que ostenta una posición de poder, físico, y que debe sufrir las consecuencias nefastas de las decisiones equivocadas.
Nolan dejó claro desde la primera película sobre el hombre murciélago cuáles eran los derroteros por los que pensaba discurrir la narración, apartándose de la caricaturesca estética de las anteriores y nefastas versiones cinematográficas, con las excepciones aportadas por Tim Burton, sobre todo la primera de las mismas. No voy a entrar ahora en comparaciones, lo que es inútil, por la excesiva diferencia, y al respecto reseñaré que igualmente resulta cansino intentar defender una y otra vez cuál de los dos Jóckers cinematográficos puede ser considerado como más acertado. Si nos atenemos a los cómics tal vez el asunto no quede claro, pero para Nolan la fidelidad al cómic importa poco mientras los personajes reflejen los conflictos que verdaderamente le importan. El Jócker de Nolan no es ni mejor ni peor, es llanamente coherente con la propia filosofía interna orquestada por él mismo. Aquí los héroes y los villanos giran en torno de la pátina realista con que envuelve a la historia, aunque a veces idealizada, buscando claramente confrontar el cinismo asesino del Jócker con las esperanzadoras posibilidades del ser humano al ser tentado, como sucede en el episodio donde los pasajeros de dos ferrys se ven obligados a tomar una desastrosa decisión para salvar la vida, y con un desenlace tal vez en exceso optimista, pero cuyo mensaje deja en evidencia al Jócker. El realizador de Memento, supo distinguir desde el principio cuáles eran los verdaderos males que afectaban al universo de Batman, separando muy acertadamente a los villanos disposicionales, las llamadas manzanas podridas, como el Jócker, de los villanos situacionales, influídos externamente y que se hallan dentro del barril corrupto, y de los villanos sistémicos, cuya influencia, legal, política, económica, dan origen a los barriles corruptos. Rachel se lo dejó claro a Bruce en la primera entrega de la serie, y éste aprendió a separar a unos y otros, combatiendo preferentemente a tipejos como Falcone, y policías y jueces corruptos, en detrimento de otros asesinos que, como Joe Chill, campan a sus anchas por la ciudad gótica, arrepentidos, tal vez, por los crímenes cometidos. Porque en el Batman de Nolan, el verdadero enemigo habita potencialmente en cada uno de los personajes, que hacen de su comportamiento algo bueno o cruel, compasivo o indiferente, creativo o destructivo, y que los eleva a la categoría de villanos o de héroes.

El caballero oscuro, o el efecto Lucifer - 1ª parte

2008-12-14T19:03:00.029+01:00

El efecto Lucifer que potencialmente hay dentro de cada uno de nosotros es la celebración de la infinita capacidad mental para hacer de nuestro comportamiento algo bueno o cruel, compasivo o indiferente, creativo o destructivo, y hacernos villanos, o héroes. Así define el psicólogo social Philip Cimbrado al “efecto” que a través de siete procesos sociales que engrasan la resbaladiza pendiente del mal nos aparta del bien.
La última película de Christopher Nolan nos habla, sobre todo, del mal que acecha dentro del corazón humano, pero también nos habla de los “héroes”, no sólo el héroe, Batman, dedicado a pescar criminales, y a saltar de tejado en tejado esgrimiendo portentosos gadgets, haciendo alarde de una nada despreciable resistencia física ante los innumerables golpes, y que el héroe soporta con estoicidad envidiable, no, también nos habla de los héroes que como Harvey Dent son capaces de en situaciones extremas mantener la dignidad, el gusto por la verdad, los valores tradicionales, y resistir con firmeza la ignominiosa maldad que salpica a la ciudad de Gotham.
La película se aparta de cualquiera de las demás propuestas cinematográficas sobre superhéroes, y apuesta por el héroe de carne y hueso, aprovechando las limitadas capacidades de Bruce Wayne, el alter ego de Batman, que carece de superpoderes, y más que nunca, se eleva como héroe por encima de la media, por su inquebrantable resistencia al mal en todas sus formas, y por su denostado empeño en no abandonar nunca la autocrítica, característica esta que convierte a Batman en un héroe siempre en conflicto consigo mismo, debatiéndose entre las decisiones viscerales y las cerebrales, tan determinantes dada su posición de poder sobre los demás. Batman encarna al héroe bueno por encima de todo, pues el mal se define como el ejercicio del poder, y Batman lo tiene, para intencionalmente hacer daño (psicológicamente), herir (físicamente), y/o destruir (mortalmente), o cometer crímenes contra la humanidad en el peor de los casos. El Jócker, archienemigo de Batman, en cambio, encarna todo lo contrario de éste. El Jócker comparte muchas de las características del hombre cínico de hoy día, que se ríe de todo y de todos cuando quiere hacer daño psicológicamente, y va más allá cuando riendo, hiere físicamente a los demás, o destruye matando sin remordimiento alguno, el Jócker, peor aún, es un genocida indiferente.
Christopher y Jonathan Nolan estructuran una historia de acción en la que las frases con mensaje, y las citas del I-ching, acaban conformando el juego de moralejas a que los hechos de unos y otros derivan. Concluyendo la historia con un magnífico epitafio, cuando el héroe enmascarado elige, en detrimento propio, la condena, porque el pueblo merece al héroe, que es capaz de batirse contra el mal, y necesita al tiempo creer en alguien capaz de mantenerse íntegro, alguien capaz de evitar caer por la resbaladiza pendiente del mal. El silencio resignado de Batman, y su determinación en proseguir con su particular cruzada contra el mal, lo colocan en una posición idealizada, la de alguien dispuesto a ser un héroe en la oscuridad, porque nadie alabará su esfuerzo y su lucha, y peor aún, será tratado como criminal, y perseguido por la ley. Eso, en los tiempos que corren, donde las etiquetas y las medallas lo son todo, y donde el contenedor casi siempre prima más que el propio contenido, es decir mucho.

Madagascar 2

2008-12-12T17:08:00.013+01:00

Por mucha gente que pueda pensar lo contrario, hablar del cine de animación como género no tiene ningún sentido. Es absurdo intentar comparar Madagascar 2 con Wall•E y ya no digamos con el Beowulf de Zemeckis, por poner algunos ejemplos recientes. Todas ellas están rodadas en animación 3D, sí, pero no por ello pertenecen al mismo género ni deben compararse. Aún así, todavía habrá gente que verá el cartel de esta película, y directamente la desechará simplemente por ser una “película de dibujos”. Madagascar 2 es, por encima de todo, una comedia. Una muy buena comedia para todos los públicos que hará reír, y mucho, a gente de todas las edades. Como buen producto comercial que es, su pretensión es la de captar al mayor número de público posible, y para ello recurre a un argumento sencillo y típico de las películas infantiles, protagonizado por animalitos simpáticos para atraer a la chiquillada, y luego lo salpica con gags y situaciones totalmente hilarantes que harán disfrutar al sector más crecido. De auténtica antología es sin ninguna duda una de las primeras secuencias en la que nuestro extraño grupo protagonista intente abandonar Madagascar a bordo de un supuesto avión. Desde que se inicia esta secuencia, y hasta que se acaba de forma desastrosa, uno puede estar riéndose sin parar durante varios minutos, tal es la cantidad de detalles y situaciones absurdas. A partir de este disparo de salida no dejan de sucederse situaciones igual de cómicas a lo largo de toda la cinta, muchas de ellas con elevadas dosis de crítica y humor negro que nada tienen de infantil. Los morideros de las jirafas, el atropello con ensañamiento o las apariciones de Moto Moto son sólo unos pocos ejemplos de ello.

Para hacernos una idea del tipo de humor que debemos esperar de la película, basta decir que uno de los guionistas de la cinta (un Etan Cohen que no es Ethan Coen) es autor del guión de la estupenda Tropic Thunder, capítulos de Padre Made in USA y Beavis and Butthead, y de un corto titulado Mi mujer es retrasada. Ahí es nada. Para dar rienda suelta a este humor gamberro, el guionista tira principalmente de la divertidísima cuadrilla de pingüinos, acompañados brillantemente por los monos. Pero a diferencia de lo que puede pasar en otras películas del estilo (como en Ice Age, que sin la presencia de la ardilla Scrat perdería muchos enteros), Madagascar 2 no necesita sólo a los pingüinos para hacer reír, ya que también está plagada de situaciones divertidas protagonizadas por el grupo principal y otros animales secundarios. Siendo una película que apuesta tan descaradamente por este humor grueso, la pega que se le puede poner es el intentar colar la típica historia Disney de fondo para atraer también a los niños. Así, la historia central sobre la que gira el argumento de la película no llama en absoluto la atención por ser algo ya visto en multitud de películas infantiles anteriores. Cada vez que salimos de un gag y volvemos a esta historia principal se deja notar en demasía una bajada de ritmo e interés que acaba perjudicando a la película en su conjunto, convirtiéndose en una especie de montaña rusa llena de altibajos. Por fortuna las secuencias cómicas están lo suficientemente inspiradas como para volvernos a meter de lleno en la cinta en cuanto aparecen, y la sonrisa que nos generan no ha acabado de desaparecer cuando ya la volvemos a esbozar. En definitiva, Madagascar 2 es una comedia muy divertida que no se debería dejar pasar por alto por el mero hecho de ser una película de animación, ya que sin ninguna duda ha sido una de las mejores comedias de este ya casi agotado 2008.

Ficha IMDB

Mongol

2008-12-07T11:25:00.024+01:00

Ya desde el inicio, cuando en pantalla leemos “1192, Año de la Rata negra”, intuimos con qué clase de historia vamos a lidiar durante las dos siguientes horas. El director ruso Sergei Bodrov nos ofrece una sorprendente y cautivadora historia, en la cual se entremezclan el gran espectáculo y el más intimista de los dramas, alejándose del vertiginoso narrar fílmico que caracteriza normalmente a las producciones del estilo. Al parecer la película pretende ser la primera de tres películas que cuenten la vida del temible Genghis Khan, de manera que con ésta el director se pueda sumerjir de lleno en los trágicos acontecimientos de los primeros años del gobernante Temujin, sin necesidad de insertar atropellados planos que nos lleven de un año a otro y poder así abarcar la historia en su totalidad. Cada vez más siento que las historias que realmente valen la pena ser contadas merecen el beneficio de un metraje generoso, templado, evitando la excesiva síntesis a veces insustancial, sobre todo en las grandes adaptaciones de novelas de considerable extensión, y muy propio de los biopics que quieren abrazar más de lo que pueden en un tiempo y en un formato que de por sí impiden la detención necesaria, reduciendo a los acontecimientos y a los personajes a unas simplonas pinceladas inmerecidas. Es desde luego más afortunada la decisión de querer abarcar en una película sólo unos cuantos de los muchos acontecimientos que conforman una más vasta historia. Se diría que a las series televisivas el propio formato las beneficia en este sentido, permitiéndose el lujo de matizar mucho más a los personajes, las motivaciones que los mueven, y sus preocupaciones, consiguiendo llevarnos de la mano a través de unos acontecimientos siempre supeditados a los protagonistas, y no a la inversa, esto es, primando la acción sobre todas las cosas. Es difícil en cine, encontrar el equilibrio, en el caso de Mongol, se logra aunar acción con una suficiente caracterización. Las batallas son tremendas, muy bien realizadas, violentas, pero la sangre nunca llega a opacar la historia de amor de Temujin, encarnado por un magnífico Tadanobu Asano, con su leal esposa Borte, interpretada por la también espléndida Khulan Chuluun, y el crudo relato de la esclavitud a la que es sometido en sus primeros años, antes de la batalla definitiva, y que le llevará a convertirse en el Khan de todos los mongoles.
Mongol es una superproducción épica que fue seleccionada el año pasado por Kazajstán como candidata al Oscar a la mejor película de habla no inglesa. La película lo merece. Visualmente es impactante, rodada en las tierras originarias del Gran Khan, nos paseamos por las extensas estepas mongolas, plagadas de peligro, y donde el frío y el calor acechan para poder acabar con los habitantes nómadas. El realizador ruso y el co-escritor Sergei Bodrov prescinden del CGI a la hora de narrar las batallas, lo cual es de agradecer en esta ocasión, porque no siempre éste beneficia a la historia, más bien lo contrario, cuando se hace uso y abuso del mismo.

Tal vez la película no ofrezca lo que algunos esperan, o les parezca en exceso pausada en ocasiones, pero no defraudará a quienes realmente sepan apreciar la Historia, y una visión nostálgica de la infancia que tuvo que superar/padecer el terrible conquistador, no tan terrible en aquel entonces. Una infancia en el caso de Temujin que preludia al personaje histórico en que se convertirá, una infancia y juventud donde la tenacidad y el valor juegan un papel preponderante en medio de una sucia y dura realidad. Mongol es una arriesagada película cuyos méritos no son pocos, y cuyo visionado hace que espere con ansias la segunda entrega de la saga.

Outlander

2008-12-05T11:51:00.005+01:00

De auténtica sorpresa se puede calificar a esta película que sin ninguna promoción ha llegado a nuestras pantallas para hacer las delicias de los seguidores de la Espada y Brujería, demasiado a menudo huérfanos de interesantes propuestas. Lo poco que se sabía de esta producción no auguraba nada halagüeño: argumento manido e incluso rayano en lo ridículo, aspecto de serie B, director completamente desconocido, etc. Nada más lejos de la realidad. Outlander llega para romper con la racha de fantasía de estos últimos años que nos ofrecía productos destinados mayoritariamente al público infantil, entre crónicas de Narnia y de Spiderwick, brújulas doradas y signos de la luz. El veterano aficionado al género se sentirá enormemente reconfortado desde los inicios del metraje y hasta el final, pues se encontrará con un producto que recoge lo mejor de la muy variada fantasía de la década de los ’80, y lo mezcla todo para formar un producto que, a pesar de no dejar de ser un pastiche de ideas ya vistas, resulta enormemente entretenido. El argumento central del film no deja de ser una revisión del legendario poema Beowulf (adaptado ya en tres ocasiones a la pantalla grande), con la salvedad de que en este caso es el mismo héroe quien trae consigo a la bestia, y a la que se le añade un tratamiento de la criatura que no puede dejar de recordarnos a las ya míticas Alien y Depredador. Siendo el elemento sobre el que gira la película, la bestia debía de ser tratada con esmero, y así ha sido. Los héroes se enfrentan a una criatura básica pero inteligente, con un evolucionado e infalible sistema de caza, y que además presenta un tamaño y un aspecto absolutamente terroríficos. Sus apariciones, que suponen los momentos álgidos de la película, están enfocadas de forma muy diferente a lo largo del metraje. Así, durante las primeras incursiones, y siguiendo la estela del cine clásico de monstruos, apenas se ve a la bestia y la cinta apuesta por el terror más que por la acción. A partir de la mitad de película, ésta se decanta ya de forma definitiva por el género de la acción y nos ofrece espectaculares combates entre el hombre y la bestia. Y si la historia es poco original, sus personajes lo son menos aún: él es Beowulf, el típico extranjero que llega para convertirse en héroe y salvador (aunque al menos los guionistas se molestaron en crearle una trágica historia de fondo), y ella es, descaradamente, la Eowyn de El Señor de los Anillos, la hija guerrera del rey que a pesar de sus aptitudes no puede reinar por ser mujer (y el homenaje se extiende hasta el extremo de calcar cierta escena hacia el final de la película).

Pero a pesar de esto, lo que más llama la atención, y más en estos tiempos que corren, es el respeto, la seriedad y las ganas con las que los responsables de la película la han tratado. Se deja notar en todo momento el estupendo trabajo de preproducción que se llevó a cabo a la hora de diseñar decorados, vestuario y, por supuesto, criatura. En pantalla este trabajo previo se traduce en una ambientación perfecta en todo momento, desde el poblado vikingo perfectamente recreado hasta la aterradora guarida de la bestia, que permite que el espectador se crea lo que está viendo y se sienta inmerso en la historia. Nos encontramos pues ante una película cuya mayor virtud es su sinceridad, una película que asume desde su partida sus carencias de originalidad y las suple con creces con una generosa dosis de buen hacer, lo que hace del producto final una película de fantasía y terror tremendamente entretenida.

Ficha IMDB

El Greco

2008-12-02T09:33:00.022+01:00

El Greco es una de estas películas que le hacen pensar a uno qué hubiera sido de ella si la misma se hubiera beneficiado con algo más de presupuesto. Algo me hace pensar, sin embargo, que no habría sido demasiada la diferencia. Una narración fallida puede condenar al olvido a una buena historia, y a la inversa, una buena narración puede dotar de interés a una historia que en principio resulta poco atractiva. El Greco está a medio camino entre esas dos opciones, la historia es buena, muy interesante a mi parecer, y la narración en cambio en ocasiones encarece de interés al asunto, y en otras consigue matizar la historia con signos visuales que por sí solos hacen que valga la pena aproximarse a la historia propiamente dicha. El momento en el cual el compañero protector de Domenikos Theotokopoulos, el “Greco”, vacía el contenido de su pequeña bolsa, cargada con monedas, sobre el suelo, para poder llenarla con un puñado de tierra, justo antes de abandonar el hogar, la isla de Creta, y dirigirse a Venecia, deja patente con un simple retazo visual, la peculiar añoranza que padecen los isleños que se ven avocados a abandonar el hogar, y para quienes el recuerdo manifiesto de la isla puede resultar más importante incluso que el cargar con un puñado de monedas, de las que prescinden alegremente si deben elegir.
La película de Iannis Smaragdis, compatriota de Domenikos, lleva a las pantallas la novela El pintor de Dios, obra del también griego Dimitris Siatopoulos, y narra en pocos retazos la vida del genial pintor cretense, el “Greco”, centrándose sobre todo en su relación con el inquisidor general Niño de Guevara. La película es una coproducción greco-española, rodada en inglés, griego y castellano, y fue todo un éxito comercial en el país griego. Destaca la labor de Juan Diego Boto en su papel de gran Inquisidor; el actor británico que encarna al Greco, Nick Ashdon, padece de las deficiencias de una dirección más bien floja, quedándose en una correcta interpretación, a veces poco convincente. En general todos los actores se resienten por una narrativa lenta, con pretensiones, y que no llega a expresar plenamente lo que la historia parece querernos contar. El doblaje perpetrado en castellano, cabría decir, le hace un flaco favor a la película.
Es algo muy característico, ya nos van acostumbrando a ello, el que se nos intente colar como superproducción de corte histórica algo que en realidad acaba convirtiéndose en un escasamente riguroso estudio histórico del personaje en cuestión, y con visos panfletarios, en un sintético mostrarnos y no mostrarnos casi caricaturesco, del que sólo nos queda una tópica pincelada de lo que realmente fue la España del Siglo de Oro. Con todo, confieso que la idea parece tener más de lo que pueda desprenderse al visionar la película. Porque cuando Iannis Smaragdis se dedica a narrar lo que Domenikos ve en los rostros de quienes posan para sus lienzos, es cuando uno se da cuenta de que aquello que parece ser el verdadero elemento unificador, el elemento en torno al cual se construye la idea, prometía mucho más, regalándonos a pesar de ello momentos verdaderamente interesantes, como cuando Tiziano aconseja al discípulo no mostrarles toda la verdad a quienes digan querer conocerla a través de los retratos que éste hiciere de sus almas, porque eso es algo que nunca podrán perdonar. Al final, el antagonismo con el antes amigo Niño de Guevara, ahora gran Inquisidor, nos sabe a poco.
Una historia, una idea, un antagonista, que realmente podían dar más de sí, y que se quedan a medio camino. Es sin embargo una película recomendable para quienes estén algo interesados en la vida del pintor griego, pero tampoco esperaría demasiado.

Quantum of Solace (Crítica 2)

2008-11-25T11:20:00.005+01:00

Apenas dos años después del estreno del nuevo Bond con Casino Royale nos llega la inmediata segunda parte de lo que apunta a ser una interesante trilogía. El mismo equipo y reparto de la anterior entrega se reúnen de nuevo, pero en este caso bajo las órdenes de Marc Foster, director de reconocido prestigio tras firmar obras como Monster’s Ball (2001), Descubriendo Nunca Jamás (2004) o Más extraño que la ficción (2006). Como viene siendo habitual en estos últimos años, se les está encargando la realización de películas de acción a directores nada habituales de este género. Lamentablemente, lo que podría suponer todo un soplo de aire fresco en la forma de rodar la acción por la procedencia artística de estos realizadores, suele devenir en fracaso. Al igual que le pasó a Christopher Nolan en su primera incursión en el mundo de Batman, Marc Foster solventa su inexperiencia en las escenas de acción optando por la vía fácil, un continuo bombardeo de fotogramas a toda velocidad que dejan al espectador descolocado y sin poder disfrutar realmente de unas secuencias que deberían ser espectaculares y dejarte boquiabierto. A una película de bajo presupuesto se le puede perdonar que recurra a estos trucos para paliar la falta de medios. A todo un 007, sin embargo, con todo el presupuesto que maneja, no se le puede pedir menos que dejarte pegado a la butaca y, literalmente, flipando. En Quantum of Solace no es así. Un buen ejemplo del mal haber de Foster para la acción desenfrenada es la apertura de la película, en que lo que podría haber sido una espectacular persecución de coches, primero por carretera y finalmente por una cantera con unas curvas de escándalo, acaba resultando en simplemente entretenida, por los continuos cambios de plano y por colocar la cámara donde no tiene ningún interés. Cuando veo una salvaje persecución de coches quiero ver coches derrapando, dando vueltas de campana, golpeando con otros coches, saltando en pedazos, y no la cara de Daniel Craig, que sí, es muy guapote él, pero ya tiene multitud de escenas luego para demostrarlo. Y como esta secuencia también podríamos citar las posteriores persecuciones en lancha y avioneta (y es que al igual que uno de los personajes de la película, Bond toca todos los palos, tierra, mar y aire, y siempre sale airoso). A pesar de esto, se le debe reconocer a Foster que las escenas de acción en las que se prescinde de vehículos se le dan mucho mejor. Así, también al principio tenemos una muy buena persecución a la carrera sobre tejados y que culmina con la que es sin duda la mejor escena de acción de toda la película, una explosiva pelea cuerpo a cuerpo con caídas libres incluidas y en la que se destroza todo lo destrozable.

Y es que esta progresión de menos a más que se deja notar ya desde el mismo comienzo es lo que nos acabará ofreciendo la película. Lo que parece un arranque titubeante y confuso de la historia resulta estar perfectamente planeado. Así, el argumento de Quantum of Solace se nos va mostrando a medida que avanzamos en la historia, casi como si lo fuéramos descubriendo nosotros mismos acompañando al propio Bond y a través de las pistas que él va recogiendo. Mientras el uso de esta forma de contar la historia a menudo deviene fallido y el espectador acaba sintiéndose engañado, en esta película todas las preguntas obtienen progresivamente su respuesta, y lo que parecía inconexo al comienzo adquiere sentido al final. Otro claro ejemplo de la mencionada progresión de menos a más la encontramos en la relación con la siempre presente chica Bond. Muy falta de garra al principio, transcurrida media película y especialmente en su tramo final, la relación adquiere su verdadera dimensión al conocer que ambos están actuando por los mismos sentimientos. Y es que si por algo se mueve 007 en esta película, y contra todo lo que pudiéramos pensar hace sólo tres años, es por sentimientos. James Bond deja de ser el perfecto agente secreto de Su Majestad para pasar a ser un humano en toda regla, con sus principios y su lealtad bien altos, sí, pero también esclavo de sus sentimientos. Mucho se ha hablado de que en esta película se pierde por completo el espíritu del personaje clásico e incluso el de la anterior película, que más que un agente secreto es un asesino sin escrúpulos, que actúa sólo por venganza. ¡Mentira! Si por algo debemos destacar a esta Quantum of Solace es precisamente por la evolución del personaje principal, una evolución que se antoja en todo momento natural, nunca forzada, y siempre coherente con la personalidad desarrollada en Casino Royale. En la anterior entrega descubrimos que el nuevo Bond es un tipo duro, que no se lo piensa dos veces antes de matar si su vida va en ello, y al final descubrimos que a pesar de esa frialdad también tiene su corazoncito, llegando incluso a dejar la Agencia para poder mantener una relación de pareja. Entonces, una organización criminal secreta hace que el amor de su vida le traicione y encima muera. ¿Cómo se supone entonces que debería reaccionar sino con una macrovenganza que además de vendetta personal coincide con los intereses de su Agencia? Sí, Bond utiliza a la Agencia para su propio interés, pero la Agencia también utiliza a Bond para el suyo propio.

El principal defecto de la película es que el acertado guión en cuanto a la evolución interior de 007 no acompaña a una historia especialmente trabajada ni compleja, y en la que poco se avanza en lo que parece la trama central de esta nueva saga, la organización secreta Quantum. Nos encontramos pues ante lo que es sin duda una película de transición antes de llegar al desarrollo ya completo de la historia de Quantum, y por tanto debe ser vista como lo que es, una parte más de un todo mayor. Por sí sola no acaba de sostenerse, no es tan buena película como fue Casino Royale y no acaba de convencer en las escenas de acción, pero a menudo las piezas centrales de una trilogía suelen ser las más inestables. Veremos si con su pieza final el puzle acaba ensamblando a la perfección y nos encontramos con lo que en conjunto será la mejor obra cinematográfica de Bond, James Bond.

Ficha IMDB

Quantum of Solace (Crítica 1)

2008-11-25T08:37:00.029+01:00

Quantum of Solace es ya la número veintidós de la saga Bond, y llega con una extarordinaria carga publicitaria implícita, mayor en comparación a la media, y que sufraga gran parte del film. Esta vez la dirige Marc Forster, director que se dio a conocer allá por el año 2001 con el drama Monster’s Ball. El director “suizo”, retoma la historia allí donde la anterior terminaba. Esta novedad, la de contar con un Bond que para poder ser entendido en su integridad obliga al visionado de la primera, disculpa las aparentes carencias de la misma. Todo en el nuevo Bond transcurre a un ritmo frenético, furioso, y a veces confuso, siguiendo la estela dejada por la nueva saga del desmemoriado y letal asesino de la CIA, Jason Bourne, que ha marcado innegablemente tendencia, y que Paul Greengrass llevó a extremos a veces insufribles al hacer uso y abuso de la shaky camera. El excesivo temblequeo de la cámara hasta en las situaciones más “estables” llevó a que algunos como yo pensáramos que el cámara padeciera parkinson. Es innegable que con la última de Bond, se intenta imitar, aparentemente, aquello que mejor funcionó en la mencionada saga del asesino Bourne, como es, por ejemplo, el hecho de que haya un montaje trepidante que nos hable de un asesino-agente implacable, eficiente, rápido, y que sin llegar a flirtear con lo imposible e inverosímil, decida posicionarse más bien en el lado de lo posible. Porque Bourne a diferencia de Bond nos trajo la idea de un “superagente” creíble, lejos de la parafernalia tecnológica del agente 007. Casino Royale abandonó la imagen que del agente británico teníamos hasta el momento, potenciando los orígenes militares y violentos del mismo, y su lado menos glamouroso, lejos ya del Bond bon vivant. En Casino Royale 007 mantuvo ciertos elementos de la saga, y no ha sido hasta esta última que se le haya despojado del todo de los más clásicos elementos Bond, o de casi todos. A Bond le pueden arrebatar el Aston Martin, le pueden arrebatar los gadgets más ingeniosos que uno pueda imaginar, y hasta le pueden arrebatar su interés por los “martinis agitados”, pero no le pueden arrebatar su inquebrantable faceta mujeriega, ni tan solo cuando no viene a cuento, que es el caso de Quantum of Solace, resultando hasta ridículo en esta ocasión. Daniel Craig borda su papel, el de nuevo y eficaz Bond, deshumanizando por momentos, al ya de por sí estereotipado personaje. Craig nos muestra a un despechado y oscilante agente, que duda entre la venganza más directa, y la propia conclusión efectiva de la misión. La traición de Vesper en el anterior 007 pesa demasiado aun sobre el personaje, de manera que durante toda la película veamos el rostro de un Bond desencantado, furioso, frío pero poco calculador, más bien destructivo. En esta ocasión, ni siquiera la bella y combativa Camille, una correcta Olga Kurylenko, parece importarle demasiado, más allá de ser quien podrá finalmente conducirle hasta Dominic Green, Mathieu Amalric, siniestro pero poco pomposo villano de la nueva entrega. Uno de los grandes aciertos de la película ha sido, sin embargo, la beneficiosa potenciación del personaje de "M", una magnífica Judi Dench, relegado en la sombra desde siempre, se nos aparece ahora como un personaje más, yo diría que imprescindible, a la hora de lidiar con los excesos de Bond.
Quantum of Solace es una nueva y trepidante aventura que podría haber sido redonda si no hubiera dependido tanto de la anterior, convirtiéndola en un “desenlace alargado” donde apenas se tiene tiempo para otra cosa que no sea disparar, golpear, y saltar. Una sombría apuesta que parece vaticinar lo mejor de Bond para las nuevas entregas, pero que parece reticente aún a abandonar lo peor de la saga.

Indy IV, lo que pudo ser y no fue – 2ª parte

2008-11-23T09:54:00.041+01:00

No considero que El reino de la calavera de cristal sea necesariamente una mala película, eso dependerá del público al que vaya dirigido, y si cumple o no con una expectativa previamente creada. A mí no me gustó, no cruzaré la línea que me lleve a aseverar que es más de lo mismo, en el buen sentido, yo esperaba una aventura más agresiva, valiente y descarada, y menos de lo que en realidad fue, una aventura apta para toda la familia, cómoda y fácil de colar, de modo que me sentí muy defraudado. Otros muchos no, por lo visto colmó sus expectativas, de lo cual se deriva que ambos públicos difieren en la concepción del héroe. La nueva película de Spielberg ha infantilizado más, si cabe, las aventuras del arqueólogo, que ya desde la tercera entrega, iba adquiriendo tintes en exceso inverosímiles con el tratamiento del Grial en aquella ocasión (a la película le benefició mucho la presencia de Sean Connery, que dotó con un tinte más que interesante a una aventura que comenzaba ya a descafeinarse) La mezcla que del humor se hacía comenzaba ya entonces a parecer inviable por no encajar con el tono del resto, síntoma que empezó a gestarse con la segunda de las aventuras. Cada vez que los personajes se enfrentaban con la muerte, las graciosas ocurrencias introducían un elemento puramente programado, donde nada de lo que ocurría en realidad representaba un peligro verdadero, llevando en contadas ocasiones a la autoparodia. Con esta tercera entrega se introdujo además por vez primera el elemento familiar, y el personaje adquirió un mayor trasfondo psicológico, no pudiendo sin embargo evitar las incoherencias. Uno nunca sabe qué mueve realmente al arqueólogo-aventurero. Como ejemplo sirva el hecho de que en Indiana Jones y el templo maldito parecía buscar sólo la fama y fortuna que las piedras Shankara pudieran aportarle, cinismo que le hacía capaz incluso de intercambiar sin escrúpulo alguno y con un mafioso los antiquísimos restos de un emperador chino, a cambio de un diamante, que supongo no iba a ser expuesto en un museo, o ni tan siquiera iba a aumentar las arcas de éste; mientras que en la tercera entrega se desvivía por proteger el patrimonio cultural asegurando que los objetos hallados, cuales sean, debían estar en un museo. En fin, incoherencias que poco importan para el desarrollo de las aventuras del arqueólogo. De hecho el personaje perdió parte de su aura enigmática al introducir en las aventuras el elemento familiar arriba mencionado, que funcionó con La última cruzada, pero que con El reino de la calavera de cristal, en la que nos encontramos con la aparición estelar de un hijo secreto, el reencuentro con su partenaire femenina de la primera entrega, la madre de la criaturita, y las excesivas auto referencias, terminaron por cargar a la aventura con un ligero tufo a sitcom, que a mí me molestó. Con esta nueva entrega Spielberg se despachó a gusto autoparodiando la autoparodia. Para mí, a lo largo de los años el estilo ha degenerado hasta el punto en que uno se da cuenta de que Indiana Jones apenas está teniendo ya el mismo protagonismo que antaño tenía, y sus temeridades son ahora respaldadas por una familia capaz de seguirle los pasos allá donde vaya. La infantilización de los diálogos y las situaciones, nada creíbles, como el ridículo reencuentro entre Marion Ravenwood e Indy hicieron que me ruborizara de vergüenza al recordar lo bien que funcionaba todo con En busca del arca perdida. No ayudó el hecho de que luego se superaran a sí mismos introduciendo una secuencia en la que los personajes se veían atrapados por unas arenas movedizas, en una escena del todo risible, y Marion le revelaba a Indy su recién adquirida paternidad. El personaje ha envejecido dicen algunos y por tanto debe cambiar y evolucionar, cierto, pero puede perfectamente no interesarme nada de lo que haga el arqueólogo aventurero a partir de ahora si esa va a ser la tónica general de la aventura. Afirmar que la última aventura de Indiana Jones está a la altura de la anterior saga es un puro acto de orgullo, en el caso de Spielberg, Lucas y Ford, que se remiten a las cifras de recaudación, y de cinismo, si creen de veras que es así. Desde luego no lo es con respecto a la original, filmada con un ajustadísimo presupuesto, en unas condiciones francamente incómodas, a temperaturas bochornosas allí en el desierto de Túnez. Eso se aprecia en los personajes, que son creíbles, que se benefician de un espléndido guión, y cuyo aroma a serie B nunca chirría. Todo lo contrario le sucede a esta última entrega, donde resuena el eco del cartón piedra por los cuatro costados, y cuyo presupuesto se adivina más holgado, cosa que parece no haberla beneficiado. La villana, interpretada por Cate Blanchett, ha sido absolutamente desaprovechada, desembocando en un clímax final falto de emoción, donde apenas nos importa que muera o no. Peor es el caso de Oxley o de Mac, personajes prescindibles donde los haya, que apenas aportan nada a la historia. Una historia cuyos acontecimientos están demasiado deslavazados, y donde uno a uno los personajes van avanzando por la historia como por la jungla, como si de un parque temático se tratara, hasta la desastrosa, para ellos, consecución final. El trasunto con los alienígenas, finalmente aprobado por Spielberg y Ford, nunca llegó a molestarme, si acaso se hubiera tratado de mejor manera; debo reconocer sin embargo que lo mismo sentí con la idea del cruzado inmortal que esperaba setecientos años aburrido en una cripta, reduciendo el concepto de inmortalidad a una mera literalidad carente de sentido, ya en la anterior película del aventurero. Unos personajes que rozan lo ridículo, unas situaciones absurdas, un guión poco consistente, y una total falta de heroicidad convierten a la nueva película de Indiana Jones en un lamentable caldo de acelgas sin sal que tal vez satisfaga los paladares de quienes nunca han creído que el personaje de Indiana Jones sea algo más que lo visto en esta última . La película no aguanta la comparación, que es inevitable para quien ha disfrutado horrores con las primeras, y quien diga lo contrario miente. Porque a uno puede encantarle la película, como quien disfruta viendo cualquier otra aventura fílmica a las que nos tienen acostumbrados desde Hollywood, mejor que la mayoría desde luego, en los últimos años, pero nunca afirmar y reafirmar con total descaro que es más de lo mismo, que somos nosotros los espectadores los que hemos cambiado. Por supuesto, seguro que es eso. Tal vez siempre lo fue y yo creí lo contrario, engañado por una primera aventura excepcional, que me hizo creer que aquello no fue sólo algo fruto del azar.

Indy IV, lo que pudo ser y no fue – 1ª parte

2008-11-22T17:52:00.025+01:00

Este 2008 cercano a concluir fue para algunos de nosostros el año en el cual tras diecinueve años, no de espera en mi caso, iba a poder disfrutar de nuevo con las aventuras del más famoso arqueólogo dentro del celuloide, Indiana Jones. El entusiasmo del equipo creativo en la realización de la nueva entrega parecía presagiar una más que probable cuarta entrega a la altura de la trilogía, ahora ya clásica. Los distintos problemas con el guión, el rechazo del que parecía ya definitivo guión de Frank Darabont, provocaron el resquemor y la desconfianza de algunos que no veían con buenos ojos la labor de George Lucas, entrometiéndose en algo que, nos agrade o no, le pertenece. Y de quien por cierto, se tiene un muy bajo concepto al entender de muchos de los que se sintieron defraudados con la nueva y deficiente trilogía de Star Wars, mal que les pese a algunos enfebrecidos fans.

Cuando en el año 1989 Lucas como productor, Spielberg como director, y Ford como actor protagonista, barajaron la posibilidad de una cuarta entrega, el desacuerdo entre los tres por la insistencia del primero en introducir el trasunto de las calaveras de cristal, y su consecuente, para Lucas, origen alienígena, hicieron imposible seguir adelante con la nueva entrega. Ni Ford ni Spielberg parecían convencidos con la idea de apartarse del tragín mitológico-místico de las anteriores, que le daba a las aventuras de Indy un aura folclórica muy atractiva, un animismo que envolvía a los protagonistas y dotaba a las tramas, sobre todo en las dos primeras, de un intangible peligro al acecho, incontrolable, y que cuestionaba el cinismo pragmático del aventurero. Ahora Lucas pretendía llevar la historia por los derroteros de la experiencia OVNI, más propia de los seriales de los años cincuenta, con el trasfondo de la amenaza nuclear y el secretismo de la CIA, agencia creada en el año 1947 por el presidente de los Estados Unidos, Harry S. Truman. Retomado de nuevo en el año 2000 el empeño de llevar definitivamente una cuarta aventura de Indiana Jones, se planteó la duda, entre mucha gente, de la viabilidad del proyecto dada la avanzada edad por aquel entonces de Ford. Finalmente Lucas, Spielberg y Ford aprobaron conjuntamente el guión de David Koepp, y la película comenzó a rodarse en junio de 2007. Siete años después de que muchos nos cuestionáramos la propia eficacia de una película basada en un aventurero, que en los años ochenta daba saltos y era vapuleado de continuo, y que debía hacer otro tanto ahora después de diecinueve años.
Algunos como yo creímos que Spielberg sabría sacar lo mejor de sí mismo tras su larga experiencia rodando películas, y que certeramente sabría, junto a Lucas, discernir cuáles fueron los elementos que cautivaron al espectador de los años ochenta, y cuáles funcionaron peor, siendo prescindibles en esta nueva entrega. No fue así, Spielberg ha madurado como cineasta, pero por ello mismo parece incapaz de retornar a la frescura gamberra de sus obras iniciales.
Tanto en Star Wars como en Indiana Jones, Lucas debía lidiar con unas expectativas creadas en torno a la obra de proporciones a veces inaguantable. Lo sucedido con estas secuelas demuestra que las originales no le deben tanto su éxito al ideador de las mismas, como a la buena fortuna que conjuró y reunió en un mismo momento a guionistas, directores, actores, en un tiempo en el cual la industria todavía no imaginaba las posibilidades de una era digital que la iba a emborrachar de banalidades, y desfases donde los alardes digitales primarían por encima de cualquier otra consideración. No voy a hablar aquí de lo que supuso la nueva trilogía de Star Wars para quienes habían admirado y seguido la primera, pero el asunto constatará que algo está pasando con las expectativas de esa generación de críos que crecieron en los ochenta y que quedaron atónitos por vez primera cuando vieron rodar a una gigantesca roca que prometía aplastar al intrépido arqueólogo, y que sorteaba una y otra vez las mortíferas trampas del templo en la jungla, o cuando cientos de momias pútridas se avalanzaron sobre la impotente y horrorizada heroína, o cuando el héroe mismo no dudaba un momento cuando tenía que arrastrarse por la panza de un camión que trata inútilmente de aplastarlo. Algo ha cambiado, muchas cosas diría yo. La reacción, sobre todo de los fans de las aventuras de Indiana Jones, se ha polarizado, hasta el absurdo extremo de llegar a la rabia por quienes han disfrutado de la nueva entrega de Indy, que no tragan a quienes disgustados por la misma han clamado al cielo. Desde luego la industria del cine ha cambiado, y entre esos cambios nos encontramos con el fenómeno del fan que habla y discute a través de la red, de modo que parte de las campañas de marketing se hayan visto obligadas a no subestimar al público potencial con engañifas. Porque ahora el espectador puede machacar literalmente, y difundir si lo desea, su rechazo por el engaño perpetrado. Esta vez la película desarrolló una promoción publicitaria basada principalmente en la nostalgia de los seguidores de la serie, llegando a prometer incluso el no abusar de los efectos digitales generados por ordenador.
Ahora los que han quedado encandilados con la nueva aventura acusan a los decepcionados seguidores de que la expectativa frustrada se debe única y exclusivamente al cambio generacional, y que, como en mi caso, simple y llanamente somos gente que nos hemos hecho mayores, y por ello hemos perdido la capacidad de fascinación ante un cine que nunca pretendió ser creíble, y que siempre discurrió por los derroteros de la llamada serie B. Eso no es del todo cierto, y el argumento esgrimido se me antoja ahora poco honesto, puesto que la trilogía siempre fue eso y más. En todo caso, valga la comparación, El reino de la calavera de cristal es a En busca del arca perdida, lo que las aventuras de Tintín son a las aventuras de Corto Maltés. Al menos en mi caso, sigo sintiendo la misma fascinación por En busca del arca perdida, que aguanta el paso de los años estupendamente.

Camino

2008-11-20T11:08:00.038+01:00

En una pequeña salita austeramente decorada un hombre de unos cuarenta años de edad habla con un joven de dieciocho años, le hace preguntas para de este modo saber si será o no admitido en el Colegio Mayor Universitario ese año. Las plazas son limitadas y poco a poco se van agotando aquí y allá. En un momento dado el hombre mayor le asegura que no es obligatorio rezar el rosario si no lo desea, pero todos lo señalarán con el dedo. Es un Colegio Mayor del Opus Dei, y la escena podría tranquilamente formar parte de la ficción crítica que Javier Fesser ha orquestado contra el Opus Dei, cuya ética rigorista decidió desde un inicio suprimir el libre albedrío de quien quiera que se cruzara por su camino. Libre albedrío entre la condenación eterna en las llamas del Infierno, literalmente, o el Paraíso, cual sea, y cuyo argumento más sólido para justificar la no elección de sus dictados y reglamentos, es una innegable falta de carácter, el que ellos sí tienen. Todo un ejercicio de pura demagogia lo del libre albedrío que ellos dicen poseer. Una absurda idea medievalista que aún hoy día profesan muchos acólitos. Libre albedrío supeditado a unos mandatos claramente tipificados en unos textos sagrados que veneran, y que han sido concienzudamente interpretados-distorsionados. Una organización cuyos fieles han decidido auto excluírse de una mayoría ortodoxa, católica, y silenciosa.
La nueva película de Fesser sorprende por lo valiente de la propuesta. El tema tratado no es baladí, y es en realidad mucho más complejo, o más sencillo, al menos en mi caso, de comprender si uno se ha preocupado por conocer cuál es la religión sobre la que se ha construído el mundo occidental actual, uno de los cimientos de nuestra cultura, la profese uno o no. Puede resultar más complejo incluso si uno deliberadamente prefiere enarbolar la bandera de la ignorancia pintada de sabio y comprometido altruísmo, sobre todo pacifismo, machacando impunemente, valga la incoherencia, insultando, y faltando al respeto insistentemente a la religión cristiana, a sus instituciones, y a cualquier cosa que se pinte con colores clericales. Una tacha manifiesta, la de siquiera simpatizar con la religión católica, por la que todos te señalarán con el dedo, como auguraba aquel acólito asentado en uno de los muchos centros del Opus Dei, si decidías negarte a rezar el rosario. Hay en todo esto, por supuesto, falta de honestidad. Ni unos ni otros quieren entender, comprender, o tan siquiera respetar, que es llanamente reconocer que algo o alguien tiene valor. Es cierto, tenemos la libertad de elegir, elegir entre el rechazo y la mirada acusadora de los otros, cuando no el insulto, o la de integrarnos con su clan, para de este modo pasar desapercibidos y poder estar en paz con los demás.
La historia de una niña llamada Camino, que se inspira directamente en Alexia González-Barros, muerta por una grave enfermedad cuando tenía tan solo catorce años, y que lo hizo, dicen, muy cristianamente, es tratada por el director de forma contundente, y en ello Nerea Camacho, la niña protagonista, juega un papel determinante. La joven actriz nos arrastra por su drama agonizante camino de la muerte, es creíble, lo mismo que la asfixiante madre, encarnada por Carmen Elías, o un padre en exceso débil e impotente ante los abusos consensuados de quienes rodean a su mujer e hijas. Fesser radiografía, y no caricaturiza en absoluto, esta organización católica en el entorno austero y sencillo de una familia que se ve obligada a lidiar con la enfermedad mortal de una de las hijas. Lo que para una gran mayoría parecería evidente, no lo es tanto para quienes se ven continuamente sondeados por aquellos que creen velar por la salud espiritual de su congregación. La enfermedad y el sufrimiento son para este grupo religioso un fin en sí mismo, y la santidad que predican se basa exclusivamente en un dolor provocado, como el padecimiento que en su momento eligiera Cristo para la salvífica misión, cuando no fue sinó la lógica consecuencia de un actuar comprometido, al menos en opinión de quien esto suscribe.
Hay que decir, que Fesser ha sabido interpretar a la perfección el impertinente sentimiento de quienes predican la santa coacción, la santa intransigencia, y la santa desvergüenza, contra quienes no acatan su verdad, la que ellos aseguran nos va a salvar del fuego eterno. Algo que ninguno de ellos puede negar, por mucho que hayan lanzado acusaciones malintencionadas contra el director Javier Fesser. La crítica, que casi siempre es muy certera, resulta ambigüa cuando parece cuestionar algo más que la propia organización, llegando a cuestionar si se quiere pensar, la propia existencia de Dios, a través del personaje de Mr. Peebles, aunque no parece quedar claro si acaso esté hablándonos de la propia pérdida de la inocente fantasía de una niña enfrentada a una realidad funesta, y carente de respuestas. La niña Camino se interna por los senderos oníricos de los sueños, propios de una niña de su edad, fantasías que dada su falta de madurez se entremezclan con una contundente y rigorista moral católica, que abusa y hace utilización indebida de los sufrimientos de la familia, desposeída de su natural esencia, humanamente hablando. La cuestión no es si Fesser pretende o no criticar a la religión católica en conjunto, o sólo a la organización protagonista, porque hay que saber que así como hay muchas éticas laicas, las hay también religiosas cristianas, rigoristas y laxistas, y cuyas diferencias son fundamentales, sinó que se cuestiona la obtusa posición de quienes se atreven a señalar con el dedo si no se es partidario de tal o cual pensamiento o creencia. Los jueces-verdugos del Opus Dei pueden juzgarte y condenarte con el dedo acusador porque así lo quiere Dios. El rigorismo en el que se basa el Opus Dei proviene del jansenismo, movimiento religioso de pensamientos cartesianos cuya moral habla de un Dios-legislador, que crea unas leyes exhaustivas, y un Dios-juez, a quien se le debe obediencia ciega. Para estos grupos el hombre está en pecado casi siempre, lo cual no es difícil, dado que casi todo lo es, y si no es por una Gracia o favor proveniente de Dios, éste es incapaz de evitarlo. El mal o el pecado, para quienes siguen los pasos de Josemaría Escrivá de Balaguer, está perfectamente tasado, y ellos, como perfectos intérpretes y salvadores, tienen la obligación de importunar a sus semejantes con un persistente camino de santificación en toda regla. Camino de santificación burdo hacia el cual impelen a una ignorante madre, a un marido incapaz de revelarse, a una hija engañada, y a una inocente niña que muere sin remedio, ante el apacible y conciliador susurro de unos desmedidos hipócritas que se otorgan conocimiento y autoridad suficiente para hurgar en las heridas de la família. En definitiva, una película que posee la fuerza necesaria para conmover, a mí me conmovió.

Gomorra

2008-11-19T20:10:00.032+01:00

Gomorra es la película seleccionada por la Academia de Italia para competir por el Óscar a la Mejor Película de Habla no Inglesa, y es también la película que ha surgido a raiz de la polémica novela que la precede, y a cuyo autor debemos la co-escritura del guión cinematográfico de la misma. Roberto Saviano ha retratado el terrible mundo de la Camorra, que asola el suelo napolitano desde hace ya muchos años, contando por lo menos con unos cuatro mil muertos en su haber. Amenazado de muerte por los mismos desalmados el escritor se ve obligado a llevar continuamente una escolta policial desde octubre de 2.006.
Matteo Garrone ha realizado con su nueva película un retrato supuestamente fidedigno a la realidad que asola el territorio que se disputan los numerosos clanes que integran la Camorra. El director se ha limitado a mostrar con absoluta indiferencia, sólo en la forma, los intrincados acontecimientos que se suceden uno tras otro en los periféricos barrios de Nápoles. La idea del espectador casual que se pasea cámara en mano registrando todo lo que se cruza por su camino puede resultar un sencillo y acertado método para mostrar visualmente al espectador qué está sucediendo en tal o cual calleja, casa, o recoveco de Scampia, un cochambroso barrio que rezuma miseria por los cuatro costados, y que, como dicen algunos de sus ingenuos protagonistas, está en guerra, por si la miseria que padecen no fuera ya suficiente. A Matteo Garrone la experiencia le habrá parecido perturbadora, porque la historia lo es, y al tiempo habrá creído ser del todo innecesario transmitir con mayor claridad cúal sea esa experiencia emocional, que tanto le afectó. La película se aparta conscientemente, y con toda saña, de otras películas de género, como han sido y son Scarface, la trilogía de El Padrino, Uno de los nuestros, Érase una vez en América, Muerte entre las flores, etc; películas que han dotado de cierto romanticismo, para qué engañarnos, a un holding que mata sin ton ni son, alegando las más diversas excusas, en mayor o menor medida, tales como la “protección del grupo”, como entidad excluyente del resto, un resto que conformamos una gran mayoría que prefiere encaminar su vida por caminos menos violentos, y lejos del nefasto y mal entendido proteccionismo biológico de quien defiende a su propia especie, su clan, su família, y que al final se resume en un egoísmo violento que asegura su propio bienestar en detrimento del bienestar de los demás. Puro y duro egoísmo evolutivo, en el cual, los más fuertes sobreviven, una sociedad donde hasta los niños entienden que los violentos podrán tener un futuro. Al menos eso piensan algunos de los personajes de la película, hasta que, por supuesto, la misma idea les pasa factura antes de lo esperado, tanto psíquica, como físicamente. Una idea nada romántica, y que hay que agradecer al realizador, por haberlo entendido así, y haya decidido sacudir a la historia de cualquier legendaria reminiscencia. Este ímpetu purista, y también honesto, en pos de un visionado poco agradable, que apuesta por la pura exhibición de la pobreza, y sobre todo, la ignorancia, hacen, al menos en mi caso, que llegue a sentir una inaudita indiferencia por cada uno de los personajes y los acontecimientos, entendiendo estos como la sucesión de hechos que hilvanan una historia, con su correspondiente dosis de tensión dramática. Es cierto, uno siente que le asaltan sentimientos agridulces ante lo que ve, como cuando uno ve los informativos, sólo que aquí se hace difícil entender con algo de coherencia, hasta bien entrada la película, e incluso entonces, qué es lo que está pasando realmente, quién es quién, y de qué va todo, a no ser que uno haya leído previamente la novela de Saviano.

La ausencia de banda sonora, y el tono casual de quien ve que suceden cosas, casi documental, dotan a la película de un hiperrealismo que la honra, pero que al tiempo nos impide poder compartir realmente la experiencia que tuviera Garrone durante la creación de la misma.

Saw V

2008-11-19T11:09:00.005+01:00

No. Ya me he cansado. Ya no quiero jugar más a este juego. Hace cinco años me quedé terroríficamente encantado con tu sádica propuesta. Inspirándote en algunos de los asesinos más carismáticos del panorama cinematográfico, les diste una vuelta de tuerca y los llevaste a una nueva y enfermiza dimensión. Nos obligaste a aceptar las reglas de tu juego, no teníamos elección, y por nuestras mentes empezaron a desfilar preguntas y dudas que nunca antes hubiéramos imaginado. ¿Seríamos capaces de infligirnos el máximo grado de dolor con tal de sobrevivir? ¿Y de matar a un inocente para salvar nuestra propia vida? ¿Es realmente el sufrimiento la única vía para la redención? Desgarradoras preguntas que nos obligaban a enfrentarnos a nuestros más escondidos temores. ¿Por qué te niegas a desaparecer si ya has cumplido con tu parte? Sí, lo conseguiste, nos derrotaste moralmente a todos, tiraste la condición humana a la basura. Sin embargo ahora no eres más que una caricatura de ti mismo. Con tu muerte en la tercera entrega cerrabas una trilogía que, aunque desequilibrada, había resultado inspirada. Puedo llegar a aceptar incluso que quisieras contarnos cómo empezó todo, qué fue lo que te indujo a pensar que el ser humano estaba perdido y necesitado de redención. Pero aún después de eso no has aceptado tu final, sigues dando vueltas a una celda cerrada, haciendo que todo lo que un día construyeras acabe desmoronándose.

Ahora resulta que lo que parecía una genial y cruel obra tuya no fue tan sólo tuya. Y quien has dejado como tu póstumo peón no logra ejercer ni por un momento la atracción que ejercías tú en tus comienzos. Prueba de ello es que por sí mismo es incapaz de sostener una historia propia y necesita recurrir constantemente y sin ningún sentido a episodios de tu obra ya contados en su debido momento, sin aportar nada mínimamente relevante ni a su historia ni a la tuya. ¡¿Qué me puede importar cómo secuestraste a una víctima hace cinco años o cómo cargaste las balas en la pistola de la puerta hace cuatro?! Además, su falta absoluta de competencia se ve reflejada en un montaje incoherente y confuso basado en la alternancia de flashbacks totalmente desordenados que lo único que consiguen es que no sepas cuándo pasaron esos acontecimientos. Tú elegías tus víctimas (aunque sé que no te gusta llamarlas así) con esmero. Tu peón escoge a auténticos estúpidos cuyas muertes son casi una bendición biológica, pues suponen el incremento de la inteligencia humana media. Uno puede llegar a sentir vergüenza ajena ante las ridículas reacciones de las víctimas frente a los juegos propuestos, especialmente en el de los agujeros en la pared y el de cierto vaso que debe ser llenado. Por si todo esto fuera poco ¡ni siquiera sus torturas son comparables a las tuyas! El único consuelo que nos pudiera quedar, el de alimentar nuestros sádicos instintos viendo cómo la gente alcanza las mayores cotas de sufrimiento, tampoco se ve satisfecho. Los mecanismos de tortura están en su mayoría poco inspirados (con la salvedad del péndulo y el ya mencionado vaso) y las muertes no nos dejan boquiabiertos. Contigo me lo pasé muy bien, Sr. Puzle, pero reconócelo, tu juego ha acabado. Es hora de buscar uno nuevo.

Ficha IMDB